OLVIDADOS MAGAZINE

La ley innata (Extremoduro) 2008

2008-10-27T07:49:00.001Z

Seis años después de la publicación de su anterior disco de estudio, Extremoduro vuelven a la actualidad musical y en menos de dos meses sacan al mercado un nuevo álbum y se recorren media España en una exitosa gira de conciertos. Ha sido un regreso fugaz pero muy esperado que no ha defraudado ni a seguidores de la banda ni a la prensa especializada.

Hay que reconocer que con “Yo, minoría absoluta”, publicado en el año 2002, Robe Iniesta, Iñaki “Uoho” Antón y compañía se pusieron el listón muy alto. Temas como “A fuego”, “Stand by”, “Puta” o “La vereda de la puerta de atrás” hicieron de aquel disco uno de los mejores de la carrera de Extremoduro, y tantos años de inactividad de la formación sumados al nacimiento de “Los inconscientes”, el proyecto en solitario de “Uoho”, hacían sospechar que a Extremoduro (o más concretamente a Robe) se le había secado la tomatera de la inspiración y que tardaría mucho en reaparecer. Finalmente fue anunciada la tan esperada publicación de un nuevo disco y, aunque ésta se demoró y se pospuso varios meses, finalmente ya podemos escucharlo.

Bajo el título de “La ley innata” y con la frase de Cicerón “Ciertamente existe una ley no escrita, de acuerdo con la naturaleza, conocida por todos, constante y sempiterna… A esta ley no es lícito agregarle ni derogarle nada, ni tampoco eliminarla por completo” escrita en latín sobre el dibujo “Anatomía” de Leonardo Da Vinci en la portada; Extremoduro nos presentan un disco conceptual, de unos tres cuartos de hora de duración y compuesto por seis pistas consecutivas sin espacio de separación entre ellas. Como si de un disco de Pink Floyd, Dream Theater o de cualquier grupo de rock progresivo se tratase, “La ley innata” es de esos trabajos discográficos que parecen estar compuestos por un único tema en el que sólo existe una temática y donde se van repitiendo versos, melodías y fraseos de guitarra a lo largo de todos los temas. Ya hicieron algo parecido en 1995 con “Pedrá” pero en esta ocasión se nota que todo está más trabajado y que los detalles, tanto musicales como líricos o de producción, han sido mucho mejor cuidados.

En cuanto a la temática, “La ley innata” básicamente es un disco de desamor, un disco triste que tiene toda la pinta de ser la narración en primera persona del final de una relación sentimental y de la consiguiente decadencia emocional de la parte peor parada de la historia. Todo el disco transmite los diferentes sentimientos y cambios de estado anímico de su protagonista, pasando de la felicidad del principio, a la incredulidad y la rabia general, para acabar en tristeza y resignación al final.

No soy un gran admirador de Extremoduro ni de esa voz de perro con faringitis que tiene el Robe Iniesta pero sí soy bastante buen conocedor de toda su obra, por eso puedo decir que “La ley innata” quizás sea de lejos uno de los tres mejores discos de la discografía del grupo y a lo mejor me quedo corto.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Live in Verona (Jamiroquai) 2002

2008-10-06T05:48:00.000Z

Hacía ya mucho tiempo que había visto por primera vez este concierto en uno de esos programas musicales que Canal 33 (la segunda cadena autonómica de Cataluña) suele emitir en horarios extraños. Recuerdo que en su momento me encantó y posiblemente fuera la chispa que hizo encender mi interés y admiración por Jamiroquai. El pasado día 4 de Julio de 2008, mientras me encontraba viendo por televisión la actuación de Jamiroquai en el festival Rock in Rio de Madrid, volvió a mi memoria aquel concierto de Verona que ya casi ni recordaba. Pero fue este mes de Agosto en la localidad castellonense de Benicarló cuando, al entrar en una taberna y ver que sus camareros lo tenían puesto en el reproductor de DVD con el sonido como música de ambiente del local, definitivamente me propuse por todos los medios conseguir una copia original de este “Live in Verona” para poderlo disfrutar tranquilamente en casa casi seis años después de su celebración. Dicho y hecho, simplemente ha bastado una visita a unos grandes almacenes de mi ciudad y, previo pago de 9,95 Euros, ya lo tengo en mi poder.

“Live in Verona” es la prueba empírica que desmonta la teoría de todos los farsantes del mundo de la música que aseguran que es imposible bailar y cantar al mismo tiempo sobre un escenario si no es haciendo “playback”. De eso nada. En este concierto el amigo Jason Kay, ataviado con su chándal blanco y su plumaje de indio Azteca metálico, se casca unos bailes y unos saltos que para sí quisieran muchos actores del músical Fama y sin perder ni una pizca del aliento necesario para cantar. Pero no sólo eso, “Live in Verona” también desmonta la teoría que dice que si llueve no se puede actuar y por lo tanto hay que suspender un concierto. No es que el día que se celebró el concierto estuviera lloviendo en Verona, es que estaba cayendo el diluvio universal. Tanto es así que el propio Jay Kay llega a pedir disculpas al público italiano alegando que no es culpa suya sino de Dios.

Si ya de por sí el entorno donde se desarrolla el concierto, el Coliseo Romano de Verona, crea una ambiente especial para la celebración de un concierto, me atrevería a decir que la lluvia fue otro elemento que jugó más a favor que en contra del espectáculo de Jamiroquai. Mientras la banda se mantiene a cubierto durante toda la actuación, Jason Kay, pudiéndose quedar al lado de sus músicos, aguanta bajo la lluvia mojándose como un campeón. Con las bromas sobre la meteorología británica y la italiana, la improvisación del tema “Singing in the rain”, los deslizamientos a través de la pasarela central, los saltos en plancha hacia los charcos del escenario y sus lamentos con la mirada puesta en el cielo para que deje de llover mientras abre la boca para beber el agua de la lluvia, éste consigue mantener la complicidad entre grupo y público, público que pese a estar como una sopa aguanta estoicamente al pie del cañón.

Y al margen de la auténtica protagonista del concierto que es la lluvia, en cuanto a lo musical decir que toda la actuación, perteneciente a la gira europea del tour “Funk Odysey Word Tour”, es un continuo derroche de calidad llevado a cabo por una magnífica banda de músicos excepcionales. Si bien Jay Kay es el “frontman” y líder indiscutible de Jamiroquai, el resto del grupo (sobre todo el bajista) no le andan a la zaga y juntos reproducen a la perfección el repertorio clásico de la carrera de la banda.

“Live in Verona” es todo un lujo de actuación y un DVD muy recomendable para todos los amantes de Jamiroquai y del buen funky interpretado en directo.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Permanent vacation (Aerosmith) 2004

2008-07-20T07:48:00.000Z

En los últimos años la editorial Masterplan se está dedicando a publicar, a un precio muy asequible, antiguas grabaciones de conciertos íntegros de las bandas clásicas del hard-rock de los 90, posiblemente registradas en su momento para su posterior emisión en televisión. En este DVD le toca el turno a uno de los más grandes grupos, no sólo de los 90 sino de la historia del rock: Aerosmith. La cita tuvo lugar la noche del 19 de Enero de 1990 durante la gira de promoción del álbum “Pump”.

Cuando le damos al botón de “play” lo primero que nos llama la atención es la lamentable calidad de imagen y de sonido del DVD. Lejos de pasar por un mínimo proceso de limpieza y remasterización digital, el concierto parece haber sido pasado a pelo de la cinta al DVD. Incluso en determinadas tomas da la sensación de estar viendo una cinta VHS muy usada más que un DVD.

Al margen de temas técnicos, el concierto en sí es todo un derroche de energía y rock and roll protagonizado por un Steven Tyler que, ataviado con un mono blanco que deja su pecho al aire, no suelta su clásico pie de micro cuajado de fulares; y por un Joe Perry que inicia el show portando una chupa de cuero en la que puede verse grabada la cruz de la portada del “Appetite for destruction” de sus colegas Guns N’ Roses, y que va cambiando de modelo de guitarra prácticamente en cada tema. Por lo que respecta al resto de la banda, a excepción del batería Joey Kramer, los demás miembros prácticamente ni se cantean de su sitio del escenario, un escenario decorado como si de la azotea de un hotel se tratase.

El repertorio del concierto es el que cualquiera puede esperar en una actuación de Aerosmith: “Mama kin”, “Rag doll”, “Draw the line”, “Dream on”, “Love in an elevador”, “Sweet emotion” o “Train kept a rollin” son algunos de los temas que suenan. A excepción de “Walk this way” y de los temas más conocidos del álbum “Get a grip” (todavía no grabado en aquella fecha), el concierto es un recopilatorio de grandes éxitos de los de Boston interpretado en directo. Y es que poco más han hecho Aerosmith que valga la pena después de 1990. Tampoco falta el tema cantado por Joe Perry con el que se da descanso a Steven Tyler, en este caso el clásico del blues “Red house”. Como anécdota, decir que sorprende el hecho de que ninguno de los miembros del grupo tenga micrófono en su posición pero que durante todo el concierto suenen coros en las canciones. ¿De dónde salen esos coros?

Sin duda alguna, el concierto debió ser formidable para estar allí presente y vivirlo en directo, pero para verlo por televisión y en las condiciones visuales y sonoras ofrecidas por Masterplan, pues la verdad es que no vale mucho la pena, para qué nos vamos a engañar.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Live at Montreux (Eric Clapton) 2006

2008-07-08T11:14:00.000Z

Hay que ver lo traicionero que puede llegar a ser el paso del tiempo, y más cuando existen testimonios gráficos como este DVD de Eric Clapton editado en el año 2006 pero registrado en 1986. No soy ni admirador ni conocedor de la obra de “Manolenta”, pero al ver la carátula en la sección musical de la biblioteca de mi barrio no pude resistir la tentación de llevármelo a casa para visionarlo.

“Live at Montreux” es la grabación completa de la actuación de Eric Clapton que tuvo lugar hace veintidós años en el Montreux Jazz Festival, uno de los festivales de jazz más prestigiosos a nivel internacional. Para aquella ocasión Eric Clapton contó con la colaboración del mismísimo Phil Collins en la batería y de Greg Phillinganes en los teclados y Natahn East en el bajo, dos músicos a sueldo que a lo largo de su carrera han prestado sus servicios a distintos artistas como Stevie Wonder, Paul McCartney o Michael Jackson entre otros.

En mi opinión, el concierto es un tanto aburrido. Entre que la calidad de imagen es bastante regular, propia de una grabación para televisión sin una demasiado cuidada realización; que Eric Clapton no me entusiasma demasiado; que el sonido de los 80’s con sintetizadores, percusiones programadas y efecto “flange” en las guitarras Stratocaster suena ya bastante cateto; y que no me sé la mayoría de las canciones del repertorio; pues la verdad es que “Live at Montreux” no ha sido uno de esos DVD’s que te pones a ver y que te enganchan desde el principio hasta el final. Ahora igual digo una barbaridad, pero es que yo ni siquiera considero a Eric Clapton ningún virtuoso de la guitarra como pueden serlo otros guitarristas contemporáneos suyos como David Gilmour o Mark Knopfler por ejemplo. Clapton tiene una voz de bluesero que no tiene ninguno de estos dos, pero por lo que respecta a la guitarra, a mí me parece un músico bastante normal.

Como de todo en la vida hay que sacar algo positivo, diré que lo que más me ha interesado del concierto han sido la versión de “I shot the sheriff” de Bob Marley y la interpretación de algunos clásicos de la carrera de Eric Clapton como “Layla”, “Cocaine” o “Sunshine of your love”. Además, también tiene su gracia la puesta en escena de “In the air tonight” por parte de Phil Collins tocando la batería y cantando a la vez.

Pero si tuviera que destacar algo por encima de todas las cosas de este “Live at Montreux”, destacaría el absoluto derroche de ochenterismo y horterismo que desprende todo él, no sólo musicalmente sino sobre todo estéticamente. La camisa de seda naranja con mangas hasta los codos y pechera desabrochada enseñando los pelos del pecho y la cadena de oro, los pantalones granulados de pinzas, y los zapatos mocasín marrón sobre calcetín blanco de deporte que porta Eric Clapton, son todo un espectáculo, digno todo ello de ser puesto a un maniquí y guardarlo en un hipotético museo de la moda de los ochenta. Eso por no hablar de los pantalones amarillos, el polo de rayas largo como una saya y la melena colgando detrás de la calva que luce Phil Collins.

Sin duda alguna, “Live at Montreux” es un documento curioso de esos que nunca está de más visionar. Lo que no comprendo muy bien es qué tiene que ver Eric Clapton y el “set-list” que despliega en este concierto con el jazz, pero bueno.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Vulgarian Varieties (The Stoichkovs) 2008

2008-06-19T12:24:00.000Z

El esqueleto de la contraportada y la sintonía de serial sesentero de ciencia ficción en el arranque –‘Rock n’ roll invaders’–, presentan en fondo y forma a este joven cuarteto manchego. Explosivos y vibrantes, calibran un mini álbum de canciones redondas, entre el ‘garage’, el pop-rock de medios tiempos sugerentes y el psychobilly sanguinario. Suenan demasiado limpios para el oyente de la coordenada Sonics, aunque por momentos llegan a epatar como los Cramps. Y al final se despiden acústicos y sureños a lo Black Rebel Motrocycle Club. Es una opción frecuente en los debutantes: picar un poco de aquí y de allá para tantear la receptividad de la audiencia. The Stoichkovs convencen en todas sus facetas. Sólo les falta concretar y arrojarse de cabeza a por ello. Talento no les falta. Mientras tanto, podemos flipar con el rock n’ roll demencial de ‘I’m your man’.

Eduardo Tébar

Tour 2007 (Héroes del Silencio) 2007

2008-06-09T11:36:00.000Z

¿Ya estaba tardando, no? Pues la verdad es que sí, pero fue tal el grado de saturación de Héroes del Silencio al que llegué después de la gira y después de la pasta que me gasté en ella y en todo lo que tuvo que ver con ella, que quise esperarme un poco antes de reseñar la versión audio de este “Tour 2007”, quizás el material de más calidad de todo el generado con motivo del regreso a los escenarios del grupo aragonés los pasados meses de Septiembre y Octubre del 2007.

La primera decepción nos la llevamos antes incluso de abrir la caja. Mirando el contenido del CD de audio enseguida nos damos cuenta de que ahí no hay ningún concierto íntegro sino una recopilación de algunos temas grabados en su mayoría el 7 de Julio en el estadio Juan de la Cierva de Getafe. Tanto tiempo esperando y resulta que no vamos a poder tener la versión audio oficial de un evento histórico como la gira conjunta de Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis. Son buenos temas, evidentemente no los mejores, pero lo que está claro es que son insuficientes.

¿Qué tiene de especial este álbum, un doble CD en directo de Héroes del Silencio grabado en su mayoría en el estadio Foro Sol de la ciudad de México? Pues la asombrosa perfección del sonido de toda la grabación. Tanto es así que muchos incluso dudan de que el disco esté registrado totalmente en directo puesto que no sería la primera vez que a la grabación de un directo de Héroes del Silencio se le somete a un exhaustivo proceso de masterización, limpieza e incluso regrabación de alguna que otra pista ya en el estudio. El caso es que, sea como sea y haya seguido la técnica de producción que se haya seguido el amigo Ramón Gacías, el sonido del disco es realmente increíble.

Centrándome en el contenido, para mí, un fiel seguidor y absoluto conocedor de la obra del grupo, este es el disco en directo definitivo de Héroes del Silencio. Habrá quien no esté de acuerdo con esta opinión como hay quien piensa que esta gira de Héroes del Silencio ha sido un error, argumentando que el grupo ha perdido la química que tenía a principios de los 90’s, pero personalmente creo que de una vez por todas se ha editado un disco doble en directo de Héroes del Silencio con buena calidad sonora y con un repertorio completo y representativo de todas las épocas de la banda. Sí, “En directo” y “Senda ‘91” estaban muy bien (no puedo decir lo mismo de “Parasiempre” como ya quedó patente en mi reseña), pero aquello eran EP’s de muy pocos temas. En “Tour 2007” están todas las canciones que tienen que estar grabadas con los medios tecnológicos de hoy en día. Vale, falta “Flor de loto”, pero es la única.

De todas formas, aunque sea un álbum totalmente recomendable y que regalo siempre que tengo ocasión, también he de decir que en él he encontrado algunas pegas que lo hacen rozar la perfección pero no alcanzarla del todo. En primer lugar no me gusta que se nombre repetidamente durante el disco a la ciudad de México. No tengo nada en contra de México, más bien todo lo contrario, pero es que resulta que hay temas que no están grabados en la ciudad chilanga sino en Guatemala, Buenos Aires, Los Ángeles, Zaragoza y Valencia. Aunque el grueso del concierto fuera registrado en México D.F., considero que omitiendo estos fragmentos, como se han omitido otros, se hubiera conseguido un resultado mucho más neutro y representativo de toda la gira en general. En segundo lugar, me parece vergonzoso que a Gonzalo Valdivia, guitarrista de apoyo y con muchísimo trabajo a sus espaldas durante toda la gira, dentro del libreto sea nombrado como si de un artista invitado se tratase, al mismo nivel que Phil Manzanera, el cual solamente participó en la grabación de “Tumbas de sal” llevada a cabo en Sevilla. Eso por no hablar de que en ningún momento del disco se presenta a Gonzalo como sí se hace con Phil Manzanera por triplicado o como se hiciera con Alan Boguslavsky en “Parasiempre”. ¿Qué menos que reconocer el trabajo de la gente cuando ésta lo desempeña de una forma extraordinaria?

Pero bueno, que nadie se quede con estos últimos detalles de purista quisquilloso que el disco está muy bien musicalmente y se lo recomiendo a todo el mundo que le gusten Héroes del Silencio o directamente que les guste disfrutar de la buena música bien ejecutada.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

2 son multitud, el concierto (Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis) 2008

2008-05-31T13:08:00.000Z

Pronto hará un año de la celebración del macro evento reivindicativo del rock en castellano protagonizado por Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis. Ambos compartieron escenario en ciudades tan variopintas como Getafe, Benidorm, Santiago de Compostela o Barcelona, llevando a escena un concierto doble que dio en llamarse “2 son multitud”. El pasado mes de Marzo, ocho meses más tarde y cuando ya casi nadie se acordaba de aquello, salía a la venta la tan esperada y anunciada caja que había de contener uno de los conciertos de la gira en versión audio y DVD, además del documental resumen de la gira con imágenes del backstage, repaso de todos los conciertos y no sé cuantísimas cosas más. Igual soy un poco exagerado, pero para salir lo que ha salido más valía que no hubiera salido nada y mucho menos esperar tanto tiempo para su publicación. ¿Se estarían vendiendo demasiado bien “La lengua popular” y la edición especial de “Por la boca vive el pez” como para eclipsar ambos discos con el lanzamiento de esta caja? El caso es que el resultado final no ha podido ser más decepcionante.

La primera decepción nos la llevamos antes incluso de abrir la caja. Mirando el contenido del CD de audio enseguida nos damos cuenta de que ahí no hay ningún concierto íntegro sino una recopilación de algunos temas grabados en su mayoría el 7 de Julio en el estadio Juan de la Cierva de Getafe. Tanto tiempo esperando y resulta que no vamos a poder tener la versión audio oficial de un evento histórico como la gira conjunta de Andrés Calamaro y Fito & Fitipaldis. Son buenos temas, evidentemente no los mejores, pero lo que está claro es que son insuficientes.

Si dejamos de lado el CD de audio y nos ponemos a ver los DVD’s, la cosa ya cambia un poco aunque el material incluido sea muy mejorable. Por lo que respecta al concierto en sí, pues se ve y se oye perfectamente, pero hubiera estado muchísimo mejor si en lugar de registrarlo durante el segundo concierto de la gira lo hubieran registrado cuando tanto Fito como Calamaro hubieran estado más rodados y más compenetrados. Yo que estuve en el concierto de Barcelona, el cual fue el último de la gira, he de decir que el concierto del DVD no tiene ni la mitad de chispa que el que yo vi. Ya no es cuestión de verlo en directo o verlo en televisión, sino de que en el DVD, cuando uno canta canciones del otro, a los dos se les nota todavía bastante agarrotados. Esto mismo se percibe en el CD de audio. Eso por no decir que en el DVD no hacen ni la mitad de temas conjuntamente que en el concierto al que yo asistí, que precisamente esa era la gracia de esta gira. Pero bueno, dentro de lo que cabe, esta parte es la más aceptable de todo el cofre. Lo que no tiene perdón de Dios es el documental.

Nos prometieron un documental sobre la gira con imágenes del backstage, recordatorio de todas las ciudades por las que pasaron, entrevistas exclusivas, etc., y lo único que han metido es una breve explicación fragmentada por todo el documental de Fito (muy majete, por cierto) sobre cómo surgió y cómo transcurrió todo el montaje, unas cuantas imágenes, principalmente de Fito & Fitipaldis, de los momentos previos de la actuación de Getafe que viene en el DVD, y cuatro balbuceos de Andrés Calamaro, yo diría que emitidos después de levantarse de la siesta, en los que se muestra más soso que una mata de habas. Ni imágenes del resto de ciudades, ni de ensayos previos, ni nada de nada. Un auténtico bodrio de documental si es que a eso se le puede llamar documental.

En resumidas cuentas, con este “2 son multitud, el concierto” las discográficas no han hecho más que cagar con medio culo. Después de tanto tiempo a alguien se le podría haber ocurrido ofrecer todo esto de otra forma como han hecho, por ejemplo, con el “Tour 2007” de Héroes del Silencio, es decir, DVD y CD por separado pero tanto CD como DVD completos. Quizás nos hubiera salido más caro, pero por lo menos ahora tendríamos un buen recuerdo del evento y un producto de mucha más calidad que el que tenemos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Please save us! (Pull) 2008

2008-05-25T08:14:00.000Z

En la corriente ‘brit’, Joy Division suponen para Pull lo que los Beatles a Oasis. Aunque el proyecto de Marcelo Segarra y Cristian Velázquez es homologable al electrizante ‘dance-rock’ de pretensiones lúdicas y voces lóbregas que hoy monopoliza las discotecas. Ya saben, la fórmula simplificada y asequible para todos los públicos sobre el legado de Gang of Four y The Pop Group. No obstante, uno se queda sin palabras cuando pincha la versión del ‘Personal Jesus’ de los Depeche y parece estar escuchando a Roger Waters. O sea, que suenan a los grandes. Y por el mismo precio ofrecen propinas alucinantes: remezclas de Digital 21, Cycle y Luis Miguélez, así como una sintonía compuesta para el Diario Pop de Jesús Ordovás. Un disco diseñado para el sábado por la noche con un claro llamamiento al jefe de la cabina: ¡sálvanos, por favor!

Eduardo Tébar

Alto disco (Airbag) 2008

2008-05-03T08:40:00.000Z

Después de tres años de espera tras el memorable ‘¿Quién mató a Airbag?’, el trío de Estepona, que graba y publica sus discos en Granada, vuelve con más de lo mismo: otra colección de canciones de tres minutos en la demuestran una asombrosa capacidad de síntesis para contar historias. Simpáticas viñetas de peripecias adolescentes, repletas de comics, tablas de surf y primeros desamores. Todo bien vitaminado con esa fórmula de punk y power-pop, tan manida y estereotipada en otros, que ellos convierten en virtud y seña de identidad. Aunque llenan allá por donde tocan, todavía no han llegado al nivel de popularidad de Pignoise, por más vueltas que den en ingenio, gracia, cultura y ejecución. Aquí, como siempre, reparten homenajes: al ‘Pet sounds’ de los Beach Boys en el diseño de la portada, a The Cars en la apertura, y a su más ferviente seguidor, el radiofónico Juan de Pablos, cerrando en ‘Surf instrumental para separar fases’. Entrañable.

Eduardo Tébar

Tú en Marte y yo en Plutón (Miguel Bocamuerta) 2007

2008-04-24T18:26:00.000Z

El primer álbum póstumo de un artista novel. Miguel Bocamuerta comienza su debut sopesando diversos mecanismos para el suicidio. No se trata de una pose tremendista ni de falso malditismo: sin haber cumplido los 30, este cordobés desconocido decidió quitarse la vida. Eligió abandonar el mundo ahorcándose. Aunque, desde la publicación de ‘Tú en Marte y yo en Plutón’, nace una nueva existencia para Miguel, que siempre permanecerá en diez canciones iluminadas. Es una pena, porque vivo la armaría en un corral necesitado de gallitos como él. Después de la escucha del disco, queda claro que pasó muchas horas empachado de Patti Smith y Lou Reed. Muchos tragos de literatura suburbana de terciopelo para un borracho de la Generación Beat. A veces canta. Otras, recita. Y se apoya en una base de áspero punk-rock que, por momentos, se viste de gala en pasajes jazzísticos a la manera de Tom Waits. El trabajo –grabado en la Navidad de 2004– rezuma un sonido cercano, aliento de producción inacabada, que fortalece su sinceridad. Ya saben, “muere joven y deja un bonito cadáver”. ¿Iba de esto el rock?

Eduardo Tébar

Back to black (Amy Winehouse) 2007

2008-04-19T10:01:00.000Z

La primera vez que mi amiga Cris me hizo escuchar una canción de esta chica, enseguida me vino a la cabeza la imagen de una diva afroamericana de voluptuosa figura a lo Gloria Gaynor o Donna Summer. Nada más lejos de la realidad. Amy Winehouse es una cantante blanca británica que se hizo más famosa por su anoréxica figura tatuada hasta el último rincón y por su politoxicomanía (con imágenes de cámara oculta fumando crack incluidas) que por ser la magnífica artista que es. Aproximadamente un año después de la edición de este “Back to black”, Amy fue galardonada con cinco premios Grammy (los cuales no pudo recoger al estarle prohibida la entrada a los Estados Unidos por tener asuntos pendientes con la justicia americana) y afortunadamente ya se empieza a hablar de ella, no solo como una especie de Pete Doherty versión femenina, sino como una de las mejores voces femeninas del panorama musical internacional. Pero como ya he dicho en repetidas ocasiones que lo único importante de todo lo que rodea a un artista es su arte, dejemos la vida personal y la faceta más bizarra de esta historia para los medios de comunicación sensacionalistas y centrémonos en “Back to black”.

“Back to black” podría definirse como una colección de canciones de música negra de todos los estilos interpretados por una cantante blanca. En él nos encontramos con temas funky, soul, jazz, reggae o hasta hip-hop, todo ello interpretado con una voz grave, profunda y virtuosa más propia de cantantes negras de antaño como Nina Simone que de una joven londinense de veinticuatro años. Salvo algunas excepciones como el archiconocido y politonizado tema titulado “Rehab”, la práctica totalidad de las canciones que componen el disco tienen un clarísimo aire decadente, melancólico y derrotista, del todo comprensible conociendo la perturbada vida de la artista.

Por lo que respecta a la producción, ésta tiene un toque entre antiguo y moderno que la hace verdaderamente original. Tan pronto podemos estar escuchando temas como “Me and Mr. Jones” al que solo le falta el ruido de la aguja de la gramola para dar la sensación de estar grabado en los años 40, como temas con percusión, base rítmica e instrumentos de viento sampleados como los de “I’m no good”.

Resumiendo podría decir que, en general, “Back to black” es un disco de una altísima calidad musical interpretado por una cantante cuya voz podría pasar a la historia de las voces femeninas del siglo XXI. Sería una lástima que Amy Winehouse acabara siendo otro ejemplo más de artista joven que debido al consumo de drogas se convierte en un mito más que en una leyenda de la música como ocurriera con Janis Joplin, Syd Barrett o Jim Morrison. Habrá que esperar y ver cómo evoluciona la chica del peinado imposible y la raya del ojo hasta las orejas.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Imbécile (Olivier Libaux) 2007

2008-04-12T09:10:00.000Z

Como una obra de teatro, con personajes, decorados, vidas privadas en escena y, por supuesto, música. Así plantea Olivier Libaux esta velada de amigos junto al Mediterráneo, donde los protagonistas invitan a compartir confesiones y cerrar heridas con los prendimientos de una copa de vino. Se trata de un trabajo coral compuesto por el guitarrista en la sombra de Carla Bruni, que novela canciones preciosistas con querencia de burlesque costero. Acústico y carnal como bien saben los morigerados de la chanson. Es cierto que atina en pleno con el reparto, destacando la bella Helena Noguerra; modelo, actriz, escritora y cantante con una notable discografía a sus espaldas que para sí quisiera la señora de ‘Sarko’. Bienvenidos a esta deliciosa cena de idiotas.

Eduardo Tébar

New Orleans Brass (New Orleans Brass) 2007

2008-04-05T19:23:00.000Z

Cuando Nueva Orleans intenta recuperar la alegría tras el funesto paso del Katrina, sus músicos celebran la vieja tradición de las marchas de metales (bronces, para ser exactos). Desfiles socorridos durante más de doscientos años en fiestas nacionales, reuniones cívicas o funerales donde se fraguó en gran medida la música popular del siglo XX. En el glosario de trompetistas y trombonistas incluidos en este disco, lujosamente presentado y generoso en información, se encuentran muchos de los instrumentistas que tocan cada noche en los humeantes garitos de las orillas del Missisippi y de los vecindarios de la ciudad saqueada por el huracán. Una expresión viva del jazz vagabundo que derivaría en el funk y el rythm n’ blues. Como es previsible, no falta la pieza más célebre e ilustrativa de Nueva Orleans, ‘When saints go marching in’, que los italoamericanos The Dukes Of Dixieland, impulsores del estilo en los sesenta, interpretan de manera magistral. No obstante, el momento estelar queda en manos de la exitosa Dirty Dozen Brass Band, que ceden el micro a Dr. John para reinventar ‘It’s all over now’, aquel rock n’ roll olvidado que los Rolling Stones llevaron a los primeros puestos de las listas. Porque todo vino de allí, de las inmortales y sonorizadas calles de Nueva Orleans.

Eduardo Tébar

Memorias de un espantapájaros (M-Clan) 2008

2008-03-30T20:36:00.000Z

Definitivamente lo de M-Clan es un caso perdido. De ser uno de los máximos exponentes del rock & roll español con un estilo más propio de las bandas del sur de los Estados Unidos que de un grupo murciano, M-Clan ha pasado a ser uno de los máximos exponentes del pop-rock comercial de radio fórmula y single barato carne de 40 Principales y Cadena 100. Es una pena pero desde la expulsión del guitarrista Santiago Campillo M-Clan no han levantado cabeza. Tras algunos años de sequía compositiva después de aquella basura llamada “Sopa fría”, Carlos Tarque y sus amigos vuelven con estas “Memorias de un espantapájaros” y yo vuelvo aquí para opinar sobre ellos.

En general el disco está compuesto por una serie de temas ligeritos y de fácil digestión, más cercanos a lo que nos tienen acostumbrados grupos como Amaral que a lo que nos tenían acostumbrados ellos mismos hace unos años. Tanto es así que hasta han introducido en algún tema sonidos de teclado electrónico para crear un efecto “espacio-sideral-modernuqui” de garrafón. Además, aunque Carlos Tarque nunca fue un magnífico letrista que digamos, en esta ocasión nos inunda con una colección de versos cursis, simplones y con un inexplicable abuso de la temática ecologista no se sabe muy bien a cuento de qué a estas alturas. ¿Le habrá afectado a él también toda la movida del calentamiento global?

La lástima es que musicalmente es un disco muy bien ejecutado porque, todo hay que decirlo, M-Clan son unos magníficos músicos, pero es que resulta inevitable comparar lo que son hoy con lo que fueron antaño y la verdad es que, si no fuera por la voz de Carlos Tarque y los fantásticos “slides” de guitarra de Carlos Raya (guitarrista y productor de los nuevos Fitipaldis también), en la actualidad M-Clan no tienen ni pizca de credibilidad musical. Otro caso de talentos desaprovechados para el rock & roll.

El próximo mes de Julio espero tener la ocasión de verlos taloneando a Ben Harper. A ver si al menos encima de un escenario son capaces de transmitirme algo aparte de vergüenza ajena.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

It is time for a love revolution (Lenny Kravitz) 2008

2008-03-26T19:11:00.000Z

Cuatro años después de la publicación de “Baptism”, su anterior disco de estudio, Lenny Kravitz regresa a la palestra del rock & roll con un nuevo trabajo de título “It is time for a love revolution”. En los últimos años las únicas noticias que habíamos tenido de él eran algunos rumores sobre sus supuestos romances con actrices de fama internacional como Nicole Kidman o Penélope Cruz y poco más. Afortunadamente la cosa ha vuelto a la normalidad y Lenny Kravitz vuelve a ser actualidad por lo único realmente importante que es su música, su nuevo disco y la gira que le traerá a tierras españolas durante el próximo verano.

“It is time for a love revolution” es un disco cien por cien Lenny Kravitz, sin ninguna sorpresa, ningún sobresalto, ninguna salida de madre ni ninguna meada fuera de tiesto. Un disco de rock, soul, funky y baladas grabado con su particular estilo a la hora de producir: guitarras distorsionadas con el sonido atenuado, baterías encerradas en cajones de metacrilato para apagar la resonancia y el eco, teclados “vintage”, guitarras acústicas y bajos eléctricos con un altísimo protagonismo en el sonido de las canciones más rítmicas. Cualquiera que conozca el trabajo de Kravitz entenderá a la perfección de lo que estoy hablando. Por lo que respecta a la voz, pues lo mismo da que pasen cuatro, cinco, seis o veinte años, en “It is time for a love revolution” Lenny Kravitz sigue cantando con la misma intensidad y la misma energía que en “Let love rule”, “Mama said” o “Are you gonna go my way”, por nombrar sus tres discos más antiguos.

Llama la atención que más de la mitad de las canciones de este disco tienen un aire más triste o melancólico de lo habitual en la discografía de Lenny Kravitz. A pesar de haber algún cañonazo hard rockero como “Love revolution”, “Bring it on” o “Back in Vietnam”, y algún funky movido como “Will you marry me”, “Love, love, love” o “Dancin’ til down”, en mi opinión este álbum tiene canciones mucho más íntimas que los anteriores, globalmente más festivos. Parece como si Lenny Kravitz estuviese empezando a dejar de ser aquel icono negro del rock & roll canallesco para convertirse en un artista más serio y maduro musicalmente hablando, que ya no le importa tanto mantener su imagen de tipo duro y como hacer buenos discos. Claro reflejo de esta impresión particular es la discretísima portada del álbum, una foto de Lenny Kravitz con gafas de sol en blanco y negro sin ninguna pose ni ninguna actitud macarra como antaño.

Lo bueno de adquirir un disco de Lenny Kravitz es que sabes que nunca te va a defraudar, y en éste ninguno de los dieciséis temas que lo componen lo hace. ¿Que muchos temas de “It is time for a love revolution” se parecen a muchos otros que ya habíamos escuchado a lo largo de su discografía? Sí, es verdad, ¿pero es que acaso no son buenos? ¿Entonces para qué dejar de hacer las cosas como se están haciendo si se están haciendo bien.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Space is different (Los Granadians del Espacio Exterior) 2007

2008-03-16T20:56:00.000Z

Vuelven del espacio exterior y esta vez parece que se quedan. Hace cuatro años, Los Granadians debutaron con un disco de reggae primigenio y temperamental, hoy perseguido objeto de culto. De pronto, se convirtieron en el conjunto más friki, glorificado y fantasmal de la escena rocksteady-mod. Ofrecieron contadísimos conciertos, algunos hasta secretos, que todavía se comentan. Ejercieron de banda para el sumo sacerdote Derrick Morgan en Alemania, Francia y Madrid. Grabaron un single con Dave Barker. Y luego desaparecieron como sus iconos de ciencia-ficción. Buscaron escondites: algún miembro esparcido por el mundo, otros pinchando en garitos de Granada. “El éxito que obtuvimos con nuestro primer Lp nos llegó siendo muy jóvenes como para afrontarlo con mesura”, apuntan. Ahora presentan más de lo mismo: idílicas piezas de amor y pintorescos instrumentales que recuperan el espíritu antillano de las bandas hispanas de los sesenta. El retruécano del letrero ya da pistas: “El título resume nuestra filosofía, nuestro modo de ver las cosas… Nuestros fans lo entenderán perfectamente”. También en Japón, donde en breve publicarán ‘Space is different’. Aseguran que están en el estudio grabando nuevas canciones. Aunque con Los Granadians nunca se sabe.

Eduardo Tébar

B-sides & Rarities (Cake) 2007

2008-03-03T18:18:00.000Z

Es tradición en los discos de caras b y rarezas: los músicos empaquetan las canciones que rompían la unidad de grabaciones pasadas o, simplemente, exhiben los momentos de más explícita adoración a sus maestros. La maniobra resulta llamativa cuando se trata de la banda más popular de Sacramento, que rompe su vinculación con Columbia y se empeña en sobrevivir en libertad montando su propia compañía. Los de John McCrea practican un rock volátil y desvergonzado, pero sensato con su tiempo y de un tremendo poder adhesivo. Electro-acústicos, manejan un amplio abanico de recursos para sonar juguetones, exquisitos o furiosos. Muchos registros en uno, propiciados en gran medida por el teclista-trompetista Vince DiFiore y por el guitarrista ‘tocalotodo’ Xan McCurdy. Por una vez, las versiones despistan a los adjudicadores de etiquetas aunque definen la identidad sonora de Cake. Revisiones audaces de todo un ‘War pigs’ de Black Sabbath (incluye propina en directo con Steven Drozd, de Flaming Lips), el clásico easy listening de Piero Umiliani ‘Mahna mahna’ o la lúbrica ‘Never never gonna give you up’ de Barry White descolocan al más resabiado. Se agradece el reto.

Eduardo Tébar

The incredible soundtrack adventure (The Shiffers) 2007

2008-02-10T10:02:00.000Z

Que nadie se engañe. Detrás de este rótulo se encuentra el italiano Claudio Zanoni, antiguo integrante del grupo de pop-funk transalpino Ridillo. Ocurre que, cansado de la canción estándar, y después de componer para televisión y publicidad, rompe los corsés y decide mezclar todo lo que en realidad le apasiona. Lo hace con predisposición lúdica y vocación instrumental (¡lo toca todo él!), viciado en el ritmo y en la negritud fermentada en los últimos cuarenta años. ¿Resultado? Un disco glorioso. Sería muy triste que la difusión de su trabajo reciente no llegara a España, donde personajes como este trompetista vivaracho escasean, por no decir que ni se encuentran, con la excepción, quizá, de Gecko Turner o Mastretta. Los Dj’s sibaritas y cazadores de temas redondos, que de eso sí andamos bien abastecidos, pueden empezar a sacar boli y papel. El lanzamiento de la marca Shiffers contiene veinte composiciones, a cuál más gozosa, en un batiburrillo de lo más bizarro. Acid-jazz, bossanova, soul, electrónica, hasta rock y gambetas de beat multicolor que trasladan a la época de Los Gatos Negros. Lo mejor es que se digiere de maravilla.

Eduardo Tébar

No squares ever tag along (The Loveless Cousins) 2007

2008-02-02T07:25:00.000Z

Jovencísimo cuarteto emergido de las cenizas de Honky Tonkin’ Boozers y apadrinado por Jorge Explosion, que continúa la evangelización iniciada por Kike Turmix, importando y exportando lo mejor de cada casa. Debido a su aparición en algunos recopilatorios de rockabilly, The Loveless Cousins empiezan a estar olfateados en la comunidad internacional. No sorprende, porque el nivel es altísimo. Desde que se ponen en marcha con ‘Cruisin wild’, la maquinaria va superando el aumento de expectativas del oyente. El espíritu de Sun Records: blues pantanoso, rock n’ roll años cincuenta sin neologismos, guitarras rebeldes, contrabajo gutural. En directo (el que escribe aún no ha tenido la oportunidad de verlos), aseguran que arrollan, algo bastante creíble por lo demostrado en el disco. Salpican un cancionero propio de ensueño, obra de Néstor Pardo, con joyas de la corona prestadas de Gene Terry, Eddie Cochran o Johnny Watson. Grabado en analógico y mono. Lo publica El Beasto, sólo en vinilo. Quedan pocas copias.

Eduardo Tébar

Wolfmother (Wolfmother) 2005

2008-01-29T11:10:00.000Z

La reseña de este disco podría sintetizarse en una frase de únicamente diez palabras: “Wolfmother son tres autralianos que suenan igual que Led Zeppelin”. Y es que no se pueden definir de otra manera más objetiva. Podría darle vueltas a los tonos de la voz de su cantante, a la técnica en la guitarra de su guitarrista (que es el mismo que el cantante, por cierto) y al estilo, melodía y lírica de sus canciones, pero diciendo que suenan igual que Led Zeppelin cualquiera podrá imaginarse qué es lo que se va a encontrar cuando escuche este disco. Aún así, como para eso tengo un blog y una libreta, voy a escribir un poquito sobre ellos.

Si no fuera porque guitarrista y vocalista son la misma persona y porque los temas que interpretan son de composición propia, Wolfmother perfectamente podrían ser el mejor grupo clon de Led Zeppelin del planeta. Absolutamente todo recuerda a la banda británica: hard-rock clásico de los 60’s y 70’s como estilo musical principal, sonido de guitarra eléctrica sucio y tosco pero con talento en la ejecución, voz aguda y estridente, estética setetentera e inclusión de guitarra acústica y órgano en algunos de sus temas (órgano también tocado por el bajista para más similitudes). No cabe duda de que versionando a Led Zeppelin, Wolfmother se ganarían perfectamente la vida de la misma forma que se la ganan gente como los Australian Pink Floyd Show versionando a Pink Floyd, los Rocket Queen versionando a Guns N’ Roses o los Bon Scott Band versionando a AC/DC. Pero no, Wolfmother tienen el mérito de, sin renunciar a sus influencias en absoluto, crear grandísimos temas propios llenos de fuerza y cargados de personalidad.

A pesar de que “Wolfmother”, el primer trabajo discográfico de la banda, fue publicado en Australia a finales del 2005, el éxito internacional no les llegó hasta bien avanzado el 2006. En poco tiempo han sido teloneros de bandas de la talla de Pearl Jam, Iggy Pop y Buckcherry, y temas como “Woman”, “Dimension”, “Pleased to meet you” y “Joker and the thief” ya han formado parte de bandas sonoras de videojuegos, series de televisión y películas.

Resumiendo, podríamos decir que “Wolfmother” es uno de esos pocos discos de debut que de vez en cuando salen al mercado, que están plagados de singles y que ponen el listón tan alto a sus autores de cara a su segundo trabajo. Esperemos que Andrew Stockdale, Chriss Ross y Myles Heskett no se relajen y que tengamos el honor de haber sido testigos del nacimiento de una de las bandas de rock más grandes del futuro.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

The exotic guitar sounds of (The Vibrants) 2007

2008-01-21T18:18:00.000Z

“Casualmente, la sensación de la música surf nos llega de una zona árida del país”, dice el Padre Dick (Montjuich Surfboards). Siempre resulta estimulante anunciar discos de debut como el de los zaragozanos The Vibrants, grupo de secano que entrega quince temas de refrescante ‘revival’. Aposentados en los primeros sesenta y con espíritu litoral, estos cuatro instrumentistas de muchos quilates no sólo controlan la parte surfera, sino que además se salen en la faceta vocal, primando al viejo rock n’ roll de los visos souleros que por linaje racial le corresponden. Ofrecen centelleantes versiones en el repertorio cantado, como el ‘Twomp’ de los Ventures o ‘Pretty girls’ de The Chambers Brothers. Pero composiciones propias como ‘Vibrant’ o ‘Quite a fireball’ –claro homenaje a la banda de Jimmy Gilmer – les ascienden unos cuantos peldaños. Inspiración divina o profundo conocimiento del pasado. Da igual. El exótico sonido de guitarras de los maños está en la cima de la escena mundial del género. Sin parecerse a Los Coronas, aunque compartiendo influencias, lo que tiene más mérito. Claro, que todo esto mudará con discreción frente a la miopía del pensamiento único.

Eduardo Tébar

Tour 2007 (Héroes del Silencio) 2007

2008-01-13T16:10:00.000Z

Como era previsible, la gira de regreso de Héroes del Silencio ha dado sus frutos en forma de material audiovisual. Editado de forma simultánea al doble CD musical del mismo título, podría decirse que “Tour 2007” es el resumen de la pasada gira de diez conciertos por América y España de Héroes del Silencio.

Presentado en un bonito “digipack” negro con una llamativa etiqueta naranja, “Tour 2007” está compuesto por dos DVD’s con diferente contenido y grado de interés. Mientras que el primero de ellos contiene una combinación de imágenes de los conciertos celebrados en el Estadio Foro Sol de Ciudad de México los pasados días 4 y 6 de Octubre, el segundo contiene una serie de vídeos y documentos audiovisuales que posiblemente sean lo más interesante de todo el material editado con motivo de la vuelta de Héroes del Silencio a los escenarios.

Comenzando el análisis por el primer DVD, simplemente decir que para mí las imágenes de los conciertos de México prácticamente carecen de interés. Tras haber asistido a los dos conciertos de Zaragoza y al de Valencia, y habiendo conseguido y visualizado los DVD’s con las imágenes de los conciertos de Zaragoza que fueron proyectadas en directo en algunos cines españoles, la verdad es que volver a ver otro concierto de Héroes del Silencio por televisión me ha dado un poco de pereza. Aún así, finalmente lo hice y por diferentes motivos no salí demasiado satisfecho de lo visto.

En primer lugar, y a pesar de que el sonido es espectacular, el hecho de que no todas las imágenes pertenezcan al mismo concierto le hace perder todo el interés que podía tener. En segundo lugar, es un poco decepcionante que la banda más importante de la historia del rock español vuelva a los escenarios once años después de su disolución y que el DVD oficial que nos quedará como recuerdo de la gira de regreso haya sido grabado en México en lugar en España. En tercer lugar, se echan de menos temas que durante la gira tuvieron puestas en escena espectaculares como “Malas intenciones” y “Tumbas de sal”, además de que todas las canciones que fueron variando entre un concierto y otro como “Agosto”, “Fuente esperanza”, “Flor venenosa”, “Bendecida” y “Despertar” directamente ni aparecen. Por último, y quizás lo peor de todo, es que el montaje en sí es un auténtico despropósito y una verdadera aberración de la realización audiovisual. Las diferencias de contraste y definición de las diferentes tomas, la mareante velocidad en los cambios de plano, y los constantes temblores y desenfoques de los cámaras, sumado a que en ocasiones el movimiento de los músicos no coincide con el sonido que se escucha, son algunos de los imperdonables fallos de esta grabación.

Por lo que respecta al segundo DVD, éste mejora bastante al primero en cuanto a grado de interés. El principal atractivo se encuentra en “Vuelo privado”, un documental realizado por el vástago del archiconocido y omnipresente Phil Manzanera: Charlie Manzanera. “Vuelo privado” es el típico documental sobre la vida de unas estrellas de rock fuera del escenario durante una gira de conciertos, pero en castellano y con acento aragonés. En él se pueden ver los preparativos y los momentos de tensión de los músicos en el hotel y en los camerinos durante los instantes previos al comienzo de los shows; el ambiente festivo antes, durante y después de los conciertos fuera de los recintos donde estos se celebran; las conversaciones, bromas, abrazos y achuchones eufóricos entre los músicos una vez finalizadas las actuaciones; los viajes en avión de un país a otro; las visitas turísticas en las diferentes ciudades por las que pasa la gira; y en definitiva todo tipo de anécdotas que hacen convencernos a todos de que los artistas son seres humanos normales que cagan y mean como todos los demás. Por cierto, que también hay imágenes de Gonzalo Valdivia entrando al lavabo a mear...

Durante el documental se percibe una actitud amistosa, cómplice, cordial y humorística entre todos los componentes del grupo, y en todo momento se les ve ilusionados por vivir lo que están viviendo. Ignoro si se trata de una pose ante las cámaras o si realmente es sincero y han limado todas las asperezas que les mantuvieron separados más de una década. Lo que sí es cierto es que visualizando “Vuelo privado” es inevitable tener una sonrisa en los labios porque la sensación general que transmite el documental es de buen rollo.

Además, el segundo DVD también incluye una especie de videoclip para cada una de las canciones que han sido omitidas en el primer DVD, grabadas en los diferentes lugares por los que pasó la gira. En ellos se mezclan fragmentos de los conciertos a los que pertenecen los temas con algunas vistas de las ciudades donde fueron grabados.

Resumiendo, “Tour 2007” es un buen recuerdo de la gira de regreso de Héroes del Silencio aunque por supuesto es muy mejorable. Es lo que tenemos los fans de Héroes del Silencio, que somos muy difíciles de satisfacer al 100%.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Verano fatal (Nacho Vegas y Christina Rosenvinge) 2007

2008-01-10T20:13:00.000Z

Se tenían ganas desde hace años. El cantautor-rock soberano y la diva cosmopolita de porcelana sentían mutua admiración; sus últimos trabajos se parecían cada vez más entre sí, pero no encontraban el momento de grabar juntos. Hasta que un día, en Granada, germinó el proyecto de este ‘Verano fatal’, que pasaron en Gijón y que no debió ser tan sufrido como dice el título. Él, que abandonó el rol de mártir existencial en el disco con Bunbury, consagra al personaje de ‘bon vivant’ sarcástico. Ella, por su parte, complementa al asturiano con su frágil presencia de fotograma neorrealista. Da la impresión de que Vegas pone el oficio para vertebrar música y textos, mientras que Rosenvinge recubre el cancionero con un lienzo afectivo. Él es el riff de guitarra. Ella, las teclas negras del piano. La fusión de ambos acaba resultando extraordinariamente arrebatadora. A diferencia de ‘El tiempo de las cerezas’, en este mini álbum no sobra material y hay más de los dos artistas en cada tema. Se agradece que la gaseosa no cause estragos en este experimento. Siete composiciones magníficas con guiños que arrancarán la sonrisa de los oyentes avispados.

Eduardo Tébar

Still giving (The Smokers) 2007

2008-01-06T21:27:00.000Z

Cualquiera que escuche este disco sin conocer a sus autores podrá pensar que se trata del nuevo álbum de una banda de hard rock surgida en los garajes de algún barrio de Los Ángeles (California) durante la segunda mitad de la década de los 80. La sorpresa viene al descubrir que The Smokers ni son de Los Ángeles, ni de California, ni de los Estados Unidos; The Smokers son españoles, andaluces para más señas, concretamente de la localidad malagueña de Estepona para ser exactos. Parece mentira que de la tierra del flamenquito y de Julián Muñoz pueda salir un sonido como el de este segundo disco de The Smokers, pero así es. Con “Still giving” queda totalmente demostrado que, aunque no salgan por televisión, en este país también se sabe hacer buen rock & roll.

Con un redoble de batería al más puro estilo “You could be mine” y un efecto “talk-box” de guitarra eléctrica con sabor a “Anything goes”, ambas de Guns N’ Roses, “Still giving” arranca con “This is rock & roll”, un tema que cumple a la perfección con todos los patrones estilísticos del hard rock angelino de mediados de los 80. A éste le siguen una colección de buenas canciones presididas todas ellas por un estremecedor sonido de Gibson Les Paul que pone los pelos de punta. A pesar de que la gran mayoría son excepcionales, de entre todas las canciones del disco yo destacaría “Rock star”, un tema muy en la línea de The Black Crowes con sonido de piano y voces femeninas en los coros, no por ser la mejor sino por ser la más diferente a las demás.

La principal influencia musical de The Smokers ya quedó clara en “Giving up”, su primer disco, y en “Still giving” no hace más que confirmarse: Guns N’ Roses. El guitarrista Javier “Lobo” Molina parece que sea el sobrino de Slash porque emula con total perfección el sonido, la garra y el espíritu de éste durante la época de “Appetite for destruction”. Por lo que respecta al vocalista Gaspar “Gunsmoker” Gil, no diré que canta como Axl Rose porque eso es imposible, pero sí que recuerda y mucho al Axl de voz más grave de “Mr. Brownstone”, “It’s so easy” o “Bad obsession”.

Absolutamente todo el disco en sí es una reivindicación de que en España también se puede hacer hard rock de calidad. Además de las letras y los títulos de canciones como “This is rock & roll” o “Rock star”, en el mismo digipack (de estética muy americana simulando una cajetilla de papel de fumar) pueden leerse frases como “Amazing Rock N’ Roll from the South of Spain”, “Pure R’N’R” o “Fans of Rock & Roll, Hard Rock and Sleazy”.

El único pero que se le puede poner a este disco y a The Smokers en general es lo excesivamente parecidos que resultan a otras bandas que hemos escuchado con anterioridad y la pésima pronunciación de la lengua inglesa de su vocalista. Por lo demás, tanto el sonido como la ejecución del grupo rozan la perfección. De todas formas, ¿desde cuando la falta de acento o la mala pronunciación es un problema en el país donde triunfan Eros Ramazzotti, Nek o Laura Pausini? Yo personalmente prefiero que canten en inglés antes que en castellano porque el hard rock si no es en inglés no parece hard rock.

Acabaré diciendo que considero a The Smokers un grupo muy a tener en cuenta para todos aquellos amantes de la buena música por mucho que sean de Estepona. ¿O es que sólo van a poder hacer rock los americanos y los escandinavos?.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Sur nos forces motrices’ (Dominique A) 2007

2008-01-05T15:29:00.000Z

El pelón de Nantes presenta un recopilatorio en forma de directo. La novedad, en este caso, se encuentra en el cuarteto que le acompaña. Una banda versátil que aporta plasticidad a los conciertos de Dominique A, antes tan resignado al ‘juanpalomismo’ y ahora ambulante entre el rock crudo, el post-punk con matices y las intervenciones angulosas de teclados y metales. Se nota que se encuentra en su mejor momento y que en Francia existe un sonido común que acoge con autocomplacencia la sofisticación. Electricidad modulada en un concepto de ‘nueva chanson’ que este cantautor abandera y honra en Europa por los mismos derroteros en los que Jacques Brel arrastró su fatalismo romántico. Su voz, de terciopelo conmovedor, no hace más que sublimar la grandeza de sus textos y la fuerza melódica de sus composiciones. Aquí repasa su discografía sin obviar nada y regala dos temas inéditos (‘Marina Tsvètaeva’ y ‘Revoir les choses’). Emoción motriz, lo llaman.

Eduardo Tébar

Here are The Sonics!!! (The Sonics) 2007

2007-12-31T11:41:00.000Z

The Sonics fueron pioneros del punk y del ‘garage’. Los padres de una detonación cultural que podemos considerar vivísima 42 años después. La lista de grupos históricos que se lo deben todo a la banda de Gerry Roslie (Cramps, Fuzztones…) acabaría con los depósitos de tinta. Y es que, en 1965, cuando los discos todavía se grababan en un par de horas y al día siguiente una precaria versión ‘mono’ reinaba el paraíso de la onda media, la primera colección de canciones de los de Tacoma dinamitó para siempre la inercia del rhythm n’ blues y del rock n’ roll. Explosivos en su revisión de Chuck Berry, Little Richard o Rufus Thomas, le prendieron fuego a la década anterior saturando las guitarras eléctricas de fuzz. Ellos se revolcaron en la mugre, se emborracharon de estricnina y originaron un sonido incendiario. Este álbum, ahora reeditado en formato de lujo y fiel a la primera publicación, contiene doce canciones básicas, irrepetibles, inmortales. Rock embrionario en toda su intensidad, con la tornillería a la vista. Obligatorio.

Eduardo Tébar

EnJoy (Jaime Urrutia) 2007

2007-12-25T11:36:00.000Z

En época de sequía creativa todo artista consagrado tiene la posibilidad de publicar un álbum en directo, un recopilatorio de grandes éxitos o un disco de duetos con algunos de sus amigos y compañeros de profesión. De esta forma se consigue permanecer en las listas de ventas y en las emisoras de radio durante el tiempo suficiente como para que lleguen la inspiración y las ganas de grabar un nuevo disco con material fresco. El último disco de Jaime Urrutia es un perfecto ejemplo de todo lo anterior. Después de un éxito bastante relativo de “El muchacho eléctrico”, su segundo álbum en solitario publicado en el año 2005, el pasado mes de Abril veía la luz “EnJoy”, el primer disco en directo de la carrera de Jaime Urrutia, tanto en solitario como con Gabinete Caligari, grabado el 20 de Febrero en la sala Joy Eslava de Madrid. En él, además de repasar todos sus grandes éxitos de ayer y hoy en vivo y en directo, Urrutia contó con la inestimable colaboración de algunos de los artistas más “populares” del rock hispanohablante actual. Un gancho perfecto para que todos los medios de comunicación vuelvan a poner su punto de mira en un nuevo trabajo de Jaime Urrutia.

Como estandarte de ese género musical propio que dio en llamarse “Rock torero”, el disco comienza con el pasodoble “Gallito” sonando de fondo antes de que Urrutia y sus Corsarios se suban al escenario. Con una coordinación perfecta, el pasodoble del maestro Santiago Lope Gonzalo empalma con “Delirios de grandeza”, un tema descatalogado dentro de la obra de Gabinete Caligari que no puede encontrarse en el mercado dentro de ningún disco de la banda. Tras él vienen “Tócala Uli” y “¿Dónde estás?”, con la aparición por sorpresa en esta última de Loquillo recitando la famosa frase macarra de “Ey nena...”.

A partir de aquí se van alternando temas interpretados sólo por Jaime Urrutia con otros para los cuales llama a escena a su elenco de colaboradores para interpretarlos junto a ellos. Este quizás sea el principal atractivo del disco. Así, Ivan Ferreriro, Pereza, Jorge Drexler, Enrique Bunbury, Ariel Rot y Amaral, van subiendo al escenario para cantar a dúo “Mentiras”, “Cuatro rosas”, “Pitusa”, “Al calor del amor en un bar”, “¡Qué barbaridad!” y “Camino Soria” respectivamente, en unos casos con puestas en escena más brillantes que en otros. Por ejemplo, Amaral, que a mi gusto cada vez canta mejor, hace uno de los mejores “Camino Soria” que jamás he escuchado; Ariel Rot arregla “¡Qué barbaridad!” a la perfección con sus solos de Telecaster; y Jorge Drexler hace la versión más distinta a la original de todas las registradas en el disco. Entre medio de todos estos temas Jaime alterna “Vestida para mí”, “Maribel”, “Suite nupcial”, “Completamente feliz” y “La culpa fue del cha-cha-chá”, tras la cual se despide del público de Madrid.

A modo de bis, después de la despedida Jaime Urrutia vuelve para interpretar con Loquillo “Caray”, el mítico tema de Gabinete Caligari que ya interpretara con él en aquel disco en directo del catalán titulado “Compañeros de viaje”. Tras éste viene la colaboración más incomprensible de todo el disco, la de Dani Martín de El canto del loco, para hacer o perpetrar su particular y lamentable versión de “La sangre de tu tristeza”. Finalmente “Nadie me va a añorar”, como los dos anteriores también de Gabinete, es el tema que cierra el concierto aunque no el disco, ya que tras él se adjunta como “bonus track” la canción hasta el momento inédita titulada “Tratando”, cantada a dúo por Jaime Urrutia y Andrés Calamaro. Al serle imposible estar presente en el concierto de Joy Eslava, Andrés grabó su voz desde Buenos Aires para posteriormente ser mezclada en el estudio junto al tema en sí.

Aunque la voz de Jaime Urrutia suene bastante cascada y en ocasiones hasta parezca afónica, tanto el repertorio como algunas de las colaboraciones especiales hacen de este disco un buen resumen de la carrera de este grande del rock español y un material histórico digno de guardar en un lugar preferente de nuestras estanterías de discos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Someday (Special 20) 2007

2007-12-23T11:36:00.000Z

¿Qué pasa cuando cinco tipos que llevan dos décadas mamando y tocando blues deciden grabar un disco? Pues que sale un debut que más bien parece el trigésimo octavo álbum de un nigérrimo de Luisiana. Hasta ahora, Special 20 sólo eran conocidos en el circuito blusero de Madrid. Hace poco decidieron meterse en el estudio casi sin querer y nadie sabe si volverán. ¡Pero qué repaso le han dado a todo! Se han ganado a pulso la cátedra sobre Nueva Orleans. Imparten magisterio coqueteando con funk, soul, swing, cajun. Y lo mejor es que suenan, desde luego. Y componen su propio cancionero, que, para más deleite, trufan de guiños a Robert Johnson, Salomon Burke, Tom Waits, Johnny Guitar Watson, Paul Lamb o Guy Forsyth. Un caramelo que quita de encima la tontería.

Eduardo Tébar

El día después (Aroah) 2007

2007-12-09T19:53:00.000Z

La joven y tímida Irene Temblay que pasó de puntillas por el principio de siglo, aun con giras internacionales, colaboraciones con músicos americanos y una destreza impropia para bordar un cómodo vademécum de folk-rock de bolsillo, se ha hecho mayor. Y vuelve en este tramo final de década mirándonos con semblante de Gioconda, lamiéndose las cicatrices de viejas heridas y europeizando su sonido con la resina del compositor –y ya especialista en arreglar los trabajos de otros– Raül Fernández (Refree). ‘El día después’ es el primer paso a una nueva etapa. Su encuentro impúdico con el castellano y con el pop. Y podría ser también su resorte de enganche con un público mayor si tuviera un hit claro. La cantante y guitarrista madrileña-estadounidense regresa con un disco de 27 minutos en el que, a pesar de su embriagadora voz y el gran empaque de banda, la levedad y el peso fluctúan. Con todo, canciones como ‘En los días cuerdos’, ‘La escala de las cosas’ o ‘Cifras’ presagian un futuro brillante.

Eduardo Tébar

La lengua popular (Andrés Calamaro) 2007

2007-12-06T21:46:00.000Z

Una de las buenas noticias musicales del año 2007 ha sido el retorno de Andrés Calamaro al camino que nunca debió abandonar, el del músico, compositor, letrista, intérprete, poeta, guitarrista, rockero y, en definitiva, el del artista con todas las letras que siempre ha sido. Desde la edición de “El salmón”, todo lo que había publicado Calamaro habían sido dos discos de versiones de clásicos de la música latinoamericana y de tangos, un disco de grandes éxitos grabados en directo, y un álbum de estilo inclasificable y calidad muy discutible junto al también argentino Litto Nebbia. Sinceramente, muchos de los seguidores de Andrés Calamaro no esperábamos que volviera a hacer ese estilo de música con el que nos encandiló a través de sus obras maestras “Alta suciedad”, “Honestidad brutal” y “El salmón”, más allá de alguna que otra gira de conciertos de uvas a peras para saciar su apetito rockero, pero finalmente lo ha hecho.

A mediados de 2007 nos sorprendió a todos con su participación en una gira de reivindicación del rock en castellano llevada a cabo conjuntamente con Fito & Fitipaldis, y mucho más con el anuncio de la publicación de su nuevo disco, “La lengua popular”, catalogado por toda la crítica como “El mejor disco de Calamaro desde El salmón”, lo cual tampoco es que sea muy difícil. Parece ser que Andrés Calamaro vuelve a tener ganas de salir del cascarón y, a juzgar por lo visto y escuchado, la verdad es que se encuentra en plena forma.

Producido por Cachorro López, el que fuera bajista y compañero de Andrés durante su etapa en “Los abuelos de la nada”, “La lengua popular” puede que no tenga ese aire mega profesional de “Alta suciedad”, pero tampoco ese toque antiguo y sucio tan característico de Javier Limón como ocurría en “El cantante” y “Tinta roja”, ni ese olor a disco casero grabado con un 8 pistas como “El salmón”. Si hubiera que hacer algún tipo de comparación con otro de sus trabajos discográficos quizás el disco al que más próximo estaría “La lengua popular” sería a “Honestidad brutal”, tanto por lo que respecta al sonido de la grabación como al contenido musical de éste. De igual forma que “Honestidad brutal”, “La lengua popular” es una compilación de canciones de estilos y ritmos de lo más variado en las que se utiliza el rock como hilo conductor, y donde se vuelve a cuidar mucho la calidad de la grabación no dejando lugar a desviaciones extrañas hacia lo bizarro. “La lengua popular” es un poco un resumen de lo que Calamaro venía haciendo antes de su baja voluntaria.

En esta ocasión Andrés Calamaro hace prácticamente de todo: compone, escribe, canta, se hace coros a sí mismo, toca la guitarra eléctrica, la guitarra acústica y los teclados. Lo mismo le da hacerlo en clave de rock como en “Los chicos” o “Sexy y barrigón”, que en clave de cumbia como en “5 minutos más (minibar)” o “Comedor piquetero”, que a través de una balada como en “Soy tuyo” o “Cada una de tus cosas”. Pero a pesar de ser un artista polifacético, en este disco no está solo. Además del ya mencionado Cachorro López que ejerce de productor y bajista, Andrés cuenta con la colaboración de otros músicos experimentados como los guitarristas Gringui Herrera, Juanchi Baleiron y Tito Losabio, el pianista Leo Sujatovich o el bajista Guillermo Vadalá entre otros.

Si lo analizamos con detenimiento, la verdad es que en "La lengua popular" hay muy pocas sorpresas ya que la mayoría de los temas recuerdan a otros que habíamos escuchado con anterioridad. Lejos de ser un defecto, este hecho es algo normal puesto que la discografía de Andrés Calamaro se compone de algo más de dos centenares de canciones y por fuerza ha de existir alguna similitud entre los temas de éste y de otros discos. Así pues, se podría decir que la novedad de “La lengua popular” está en que es el primer disco con sonido 100% Calamaro que publica Calamaro después de mucho tiempo.

Por lo que respecta a las letras, cualquiera que las escuche y conozca la discografía de Andrés Calamaro se dará cuenta de que algo ha pasado en la vida del argentino. Su recuperación de los problemas con las drogas, el haber encontrado una pareja con la que compartir su vida, su reciente paternidad y, en resumen, el haber encontrado de una vez por todas la felicidad, se ve reflejado no sólo en su aspecto físico y en su actitud ante los medios de comunicación sino también en las letras de su nuevo disco. Andrés ha pasado de escribir “Joder, ya no me quieres” a escribir “Joder, cuánto te quiero”. Personalmente me alegro mucho de que por fin haya vuelto al mundo de los vivos y de que actualmente estemos más pendientes de si publica un disco o sale de gira que de si sigue con vida, pero particularmente a mí me emocionaba mucho más su forma de transmitir el pesimismo, el derrotismo y la negatividad, que sus actuales versos edulcorados y sus declaraciones de amor eterno. Pero bueno, no hay mal que por bien no venga y para eso siempre nos quedarán sus anteriores discos que, por mucho que pasen los años, siempre serán un refugio al que acudir en determinados momentos de necesidad.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Crímenes o promesas (Susana Cáncer) 2007

2007-12-03T17:56:00.000Z

Era la pianista de Cría Cuervos cuando Corcobado grababa sus primeros boleros y apenas se dejaba ver en el sombrío salón de la casa de Justo Bagüeste. Han pasado 15 años desde aquello y poco más sabíamos de Susana Cáncer, siempre a la vera de artistas tapados en las profundidades como el escritor José Luis Moreno Ruíz o Ana D. Hasta que en 2005, en plena madurez, descubrió su faceta de cantante ingrávida y vaporosa en un sorprendente disco de pop naïf. Con la misma tropa de colaboradores, ahora publica un trabajo en el que se sumerge en las honduras marinas de la existencia. Un reconfortante y poético buceo entre moluscos y nenúfares que levanta el ánimo y acaricia la tranquilidad. Jazz en reposo, grácil afrancesamiento. Imprescindible el dueto con Corcobado en la adaptación de Bonie M ‘Océanos de fantasía’.

Eduardo Tébar

Libertad (Velvet Revolver) 2007

2007-12-02T19:48:00.000Z

Ha costado pero ya tenemos aquí el tan esperado segundo disco de Velvet Revolver, posiblemente la banda más mediática del rock americano. Algunos empezamos a ver al fantasma de Axl Rose cuando Velvet Revolver cayeron del cartel del festival “Monsters of Rock” celebrado en Zaragoza el pasado mes de Junio y cuando la publicación de su disco se pospuso unos cuantos meses, pero finalmente ya está en el mercado el segundo larga duración de la banda formada por Scott Weiland, Slash, Duff McKagan, Matt Sorum y Dave Kushner.

Fuimos muchos los que, conociendo el potencial de los músicos que componen Velvet Revolver (¡ojo, que digo músicos!), no quedamos demasiado satisfechos con “Contraband”, su primer álbum, y esperábamos como agua de mayo este segundo disco para comprobar si se había producido algún cambio. La verdad es que los cambios han sido más bien pocos aunque haberlos los ha habido. Si “Contraband” sonaba a Stone Temple Pilots que mataba, “Libertad” suena algo menos grunge y un poco más rockanrolero, pero continúa teniendo ese puntillo machacón que caracterizaba a la anterior banda de Scott Weiland. Tanto es así que si no nos dicen que tocan tres ex-miembros de Guns N’ Roses ni nos enteramos por lo que a estilo musical se refiere.

En “Libertad” las guitarras rítmicas y el bajo suenan un poco más a instrumentos de cuerda y un poco menos a instrumentos de percusión como ocurría en “Contraband”, aunque no por ello sus temas han perdido esa contundencia en los ritmos ya característica de Velvet Revolver. Dicha contundencia se ve reflejada en temas como “She mine”, “Get out the door”, “For a brother” o “Spy”. Está claro que con el cambio de productor el grupo ha ganado en cuanto a limpieza y claridad del sonido de las guitarras y de la voz, en esta ocasión menos tratada digitalmente, pero a nivel compositivo Velvet Revolver continúan en su línea de hacer temas muy básicos, pesados y repetitivos, adornados con algún solo de guitarra de esos que Slash se saca de su chistera (nunca mejor dicho) para convertir en aceptable cualquier tema por malo que sea.

Cabría destacar algunas canciones como “Let it roll” con la que se abre el disco, “Builds quick machine”, “The last fight”, “American man” con sonido de castañuelas incluido, el homenaje a la esposa de Weiland “Mary, Mary” o “Just sixteen”, que sin matar demasiado se dejan escuchar. En esta ocasión también se cumple el cupo de las dos baladas de rigor con la versión del tema de la Electric Light Orchestra “Can’t get it out of my head” y con “Gravedancer”, esta última excesivamente parecida a “Fall to pieces”, tema publicado en su anterior disco.

En mi opinión el talento de Slash está totalmente desaprovechado dentro de este grupo. Quizás sea un virtuoso como arreglista de temas compuestos por otros, pero este estilo en el que ha entrado no le pega a un músico hard rockero con sangre de bluesman como él, cuyas máximas influencias son Jimmy Page, Jimi Hendrix o Joe Perry. El hecho de dejarse dominar de esta forma dice muy poco a favor de su capacidad de liderazgo y su peso dentro de Velvet Revolver.

En cuanto a la voz, pues es la que hay. Scott Weiland nos gustará más o nos gustará menos, podrá gritar más o podrá gritar menos, podrá arreglarse digitalmente la voz más o podrá hacerlo menos, pero a un cantante monorregistro y con voz de cazalla como él no se le pueden pedir grandes resultados más allá de que no desafine (que conociéndolo no es poco).

En resumidas cuentas, “Libertad” es un disco muy normal que si no fuera Slash el que toca la guitarra muchos ni nos pararíamos a escuchar.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Maeder (Maeder) 2007

2007-12-01T15:05:00.000Z

Australia siempre ha sido una fuente inagotable de bandas de rock de todas las variedades. En el palo duro, el combo de los hermanos Maeder se incorpora a la larga tradición de AC/DC o, por cercanía estilística, Rose Tattoo. Aunque el single promocional de este debut (el televisivo ‘No grass is greener than your own’) pone a prueba a los diabéticos, el disco convence y hasta engancha si se le da la oportunidad. Los de Melbourne facturan hard-rock de la vieja escuela. Mientras dejemos en un costal aparte las baladas, se saltan por alto algunos tópicos y metabolizan los tics mágicos de Led Zeppelin, Aerosmith, Judas Priest y, por supuesto, Wolfmother. Melodías setenteras actualizadas, guitarras contundentes, giros poderosos y una voz, la de Nicholas Maeder, que encajaría perfectamente en cualquiera de los grupos citados. ¿Una canción para probar? ‘Never last’.

Eduardo Tébar

Wolfrag’s big night out (The Brian Setzer Orchestra) 2007

2007-11-19T05:19:00.000Z

Al guitarrista de los Stray Cats le va el “más difícil todavía”. Como buen diestro de las seis cuerdas, ha rebuscado hasta hallar lo que le faltaba: sacar partido a los estandartes previos a la música popular contemporánea. Es decir, recurriendo a la música clásica, tan enclaustrada por unos y por otros desde sus respectivos eslabones. Nunca sabremos la opinión de Beethoven, Grieg, Mozart, Rossini, Wagner, Tchaikovsky o Strauss al escucharse en clave swing y como vestido de encaje para musical de Broadway. Empieza bien calzado este paseo por el siglo de las luces, pero acaba ensombrecido por la borrachera onanista del maestro Brian Setzer. Aconsejable para los incondicionales del virtuosismo y rockers sin prejuicios.

Eduardo Tébar

Rarezas (Héroes del Silencio) 1998

2007-11-18T10:32:00.000Z

Cuando la disolución de Héroes del Silencio estaba ya más que asumida por sus seguidores y Enrique Bunbury se encontraba inmerso en su recientemente estrenada y poco exitosa carrera en solitario, a finales de 1998 veía la luz un nuevo disco de Héroes del Silencio: “Rarezas”. Éste sería el primero de una auténtica marea de discos póstumos de la banda que vendrían años más tarde, aunque, como su propio nombre indica, “Rarezas” no es el típico álbum de grandes éxitos de Héroes del Silencio sino una recopilación de caras-b, temas inéditos y grabaciones en directo de difícil acceso hasta ese momento.

Todo el trabajo de selección de temas y posterior promoción por diferentes medios de comunicación fue llevado a cabo por Pedro Andreu y Joaquín Cardiel, los dos miembros de Héroes del Silencio más neutrales y con menor implicación en todos los problemas internos del grupo que motivaron su disolución. Juan Valdivia se desentendió absolutamente del disco y Enrique Bunbury, al estar tan ocupado con “Radical sonora”, apenas tuvo participación en el proyecto.

Aunque a priori pudiera parecer un disco artificial publicado únicamente para cumplir con las obligaciones contractuales firmadas con la casa discográfica (que puede ser que lo fuera), la verdad es que “Rarezas” no tiene desperdicio. Algunos temas, como “Apuesta por el rock & roll”, “Hologramas”, “El cuadro”, “Virus”, “Opio versión Ganges vals” y la remezcla de “Nuestros nombres” realizada por Noel Harris, ya habían sido incluidos como caras-b en diferentes singles del grupo. Otros, como “No más lágrimas” y “Héroes de leyenda”, pertenecían a antiguas grabaciones en directo publicadas en edición limitada. Pero lo que más interés despertó entre los fans de Héroes del Silencio fueron algunas de las maquetas del álbum “Avalancha” grabadas el año 1994 durante el retiro espiritual del grupo en el Hospital de Benasque. Entre ellas se encuentran el tema inédito “Babel” y las versiones de "Morir todavía”, “Parasiempre” (rebautizada como "... y para siempre”, “La chispa adecuada” y “Rueda fortuna” (con letra diferente y renombrada como “Medicina húmeda”).

Entre las canciones más destacables del disco podríamos nombrar “Babel” por ser hasta el momento un tema inédito, y Apuesta por el rock & roll”, un tema compuesto por Gabriel Sopeña y Mauricio Aznar del grupo Más birras, que sería la primera versión de otro grupo que Héroes del Silencio grababan de forma oficial en un álbum. En cuanto a las versiones de los temas de “Avalancha”, pese a ser mucho más contundentes que las versiones definitivas, verdaderamente no las mejoran en prácticamente nada.

Para el diseño y maquetación de la portada de “Rarezas” esta vez no se contó con ningún diseñador gráfico profesional ni con ninguna empresa de diseño experimentada. En esta ocasión se encargó del trabajo el mismo Joaquín Cardiel y el resultado no pudo ser más lamentable. La portada delantera e interior consistieron en una simple fotografía realizada a su colección particular de fotos, acreditaciones, portadas de álbumes y singles, y diferente tipo de artículos de coleccionista de Héroes del Silencio, esparcido todo ello sobre una alfombra de peluche que bien podría estar hecha con el pellejo del cadáver de Triki, el monstruo de las galletas. Por no haber no hay ni libreto.

“Rarezas” fue complementado con una cinta VHS en la que se recogían una serie de entrevistas al grupo realizadas en diferentes épocas y que por supuesto fue puesta a la venta de forma independiente al disco. El contenido de esa cinta recientemente ha sido publicado en formato DVD.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Parasiempre (Héroes del Silencio) 1996

2007-11-09T07:23:00.000Z

Grabado durante su última gira española y publicado poco antes de la disolución del grupo, el día 28 de Septiembre de 1996 salía a la venta “Parasiempre”, un doble LP en directo que serviría como disco de despedida de Héroes del Silencio. Podría decirse que “Parasiempre” es el primer disco en directo de la carrera de Héroes del Silencio puesto que sus anteriores grabaciones oficiales en vivo, “En directo” y “Senda ‘91”, fueron dos mini discos publicados en edición limitada y con muy pocos temas en su interior. En esta ocasión el disco se editó a nivel internacional y con un total de diecinueve canciones, quedando así saldada la deuda con los fans menos madrugadores que no pudieron conseguir copias originales de “En directo” y “Senda ‘91”. Esta vez sólo se se tuvo el detalle de regalar una cinta VHS con las 10.000 primeras copias del álbum, la cual contenía un breve documental sobre la gira “Avalancha”.

“Parasiempre” fue registrado a partir de la grabación de los conciertos celebrados los días 7 y 8 de Junio de 1996 en el Palacio de los Deportes de Madrid y en la Plaza de Toros de Zaragoza respectivamente. El disco es una muestra bastante fiel de lo que fue la última gira de Héroes del Silencio, una gira en la que, además de tocar gran parte de los temas de su último disco, el grupo obsequió a sus fans con un repertorio especial repasando los grandes éxitos de su carrera.

El primero de los discos comienza con un bloque de canciones del álbum “Avalancha” formado por “Deshacer el mundo”, “Iberia sumergida”, “Días de borrasca” y “Parasiempre”, y continúa con “El camino del exceso”, “La sirena varada”, “Maldito duende”, “La chispa adecuada”, “Oración” y una versión de “Nuestros nombres” con un final un tanto extenso que, además de minutos de relleno, no aporta gran cosa al tema original. El segundo disco comienza con “Hechizo”, “Entre dos tierras” y “Avalancha”, tras la cual Enrique Bunbury se despide del público con la expresión “Que os vaya bonito” recién adquirida en tierras mexicanas. A modo de bis, el disco sigue con un set acústico, que en los conciertos el grupo interpretaba sentados sobre taburetes en la parte frontal del escenario, compuesto por “Flor de loto”, “Flor venenosa” y “La herida”. Tras este momento íntimo y pseudomístico, el disco da sus últimos coletazos con “Mar adentro” y “Opio” versión “Ganges vals” con silbidos incluidos.

“Parasiempre” finaliza con una versión de “Decadencia” de once minutos de duración que, al más puro estilo “Dazed and Confused” de Led Zeppelin, se prolonga en un medley interminable compuesto por temas como “Hound Dog” de Elvis Presley, “La mala hora” de Radio Futura y una serie de estupideces poco originales que Enrique Bunbury va soltando quedándose tan ancho. Al final de la canción, Bunbury presenta a la banda y se despide de una forma premonitoria: “Nos vemos en la gira del próximo milenio”.

Como se habrá podido observar en lo escrito anteriormente, “Parasiempre” no es mi disco preferido de Héroes del Silencio ni mucho menos. Hay una serie de cosas que hacen que le tenga una especial manía y que no acabe de gustarme del todo. En primer lugar no entiendo cómo, si el disco está grabado a caballo entre Zaragoza y Madrid, la única referencia que hay a Zaragoza en todo el álbum es un discreto “Buenas noches Ciudad Inmortal” al principio de éste. Sin embargo, al final del segundo disco puede escucharse a Enrique Bunbury diciendo “Ustedes, Madrid, un público único”. ¿Es que todo el mundo ha de saber que Zaragoza es “La Ciudad Inmortal”? Escuchando el disco, cualquiera que no lo sepa puede llegar a pensar que éste se grabó íntegramente en Madrid, lo cual no sé si será premeditado por parte de la compañía discográfica. En segundo lugar no me gusta la producción realizada por Andy Jackson, el ingeniero de sonido del álbum “Avalancha”. A diferencia de “En directo” y “Senda ‘91”, en “Parasiempre” todo suena muy lejano y el público se escucha demasiado alto. Durante toda la grabación, la voz principal de Enrique Bunbury está al mismo nivel que los coros de Joaquín Cardiel y Alan Boguslavsky, y la guitarra de Juan Valdivia suena con el mismo volumen que la de Alan, ambas más bajas que la batería y el bajo. Vamos, un desastre.

Además, a estas alturas de la gira el estado de la muñeca izquierda de Juan Valdivia, aquejado de una grave tendinitis, ya era bastante precario, lo cual también queda reflejado en el disco. Escuchando con detenimiento es fácil darse cuenta que en algunas canciones (como por ejemplo “Deshacer el mundo”) donde debería sonar uno de esos solos de guitarra tan característicos de Juan, únicamente suena un breve punteo inicial y una sucesión de rasgueos rítmicos de guitarra. En otros temas con menos complejidad sí puede escucharse algún solo pero con mucha menos calidad de la que podría haber habido si Juan hubiera estado en plenitud de condiciones.

Por último, decir que en este disco hasta la portada es lamentable. En esta ocasión el trabajo de diseño y fotografía fue llevado a cabo por Joaquín Cardiel y Ana Ortiz de Landazúri, hermana de Enrique Bunbury. En la portada ni sale el grupo ni hay complejos símbolos como antaño, simplemente podemos ver una imagen tomada desde la platea del Teatro Ópera de México D.F., con la sombra de Enrique Bunbury agarrado a un micrófono proyectada sobre un fondo anaranjado. Todo un derroche de creatividad.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Avalancha (Héroes del Silencio) 1995

2007-11-05T08:21:00.000Z

Los más de cuatro años seguidos encadenando grabaciones de discos y giras promocionales sin apenas descanso, acabaron por agotar física y mentalmente a Héroes del Silencio. Esto, sumado a los fallecimientos de dos personas muy cercanas al grupo, a los abusos con las drogas de algunos de sus miembros, a las crecientes discrepancias económicas y empresariales con la compañía discográfica, al abandono de su manager de toda la vida, y a alguna que otra diferencia entre Enrique Bunbury y Juan Valdivia, hicieron al grupo replantearse el futuro con únicamente dos opciones donde elegir: La disolución o la búsqueda de soluciones por parte de todos para seguir adelante. La opción elegida fue la segunda y, después de un breve periodo de vacaciones, Héroes del Silencio decidieron someterse a una especie de “retiro espiritual” aislándose de todo el mundo excepto de ellos mismos para intentar solucionar todos sus problemas y emprender con energía positiva la composición de un nuevo disco.

En Septiembre de ese mismo año, aprovechando la temporada baja del Pirineo aragonés, Héroes del Silencio se encerraron en el Hospital de Benasque, un hotel-albergue ubicado en Llanos del Hospital, dentro del Valle de Benasque, para permanecer durante unos meses e intentar solucionar sus conflictos, componer nuevas canciones y registrar las maquetas de su futuro disco. A principios de 1995 el grupo dejó Benasque para desplazarse a Londres, concretamente a High Wycombe, donde Phil Manzanera les consiguió unos apartamentos usados por algunos músicos durante la grabación de sus discos. Allí continuaron hasta el mes de Febrero perfilando sus temas y puliendo sus maquetas antes de iniciar la grabación.

Durante estos meses de aislamiento Héroes del Silencio cambiaron ciertos aspectos en su dinámica de trabajo. El primer cambio que se produjo fue la incorporación de Alan Boguslavsky, el guitarrista mexicano que acompañó a la banda como guitarrista de apoyo durante la gira “El camino del exceso”, en todo el proceso compositivo y de grabación de las maquetas y los temas. La segunda novedad, y una de las más importantes, fue el cambio de productor. La gran amistad que unía al grupo con Phil Manzanera hizo impensable que éste pudiera llevar a cabo las labores de producción del nuevo disco puesto que necesitaban a alguien que impusiera autoridad y disciplina, y que supiera canalizar la energía y el talento del grupo en una única dirección desde un punto de vista neutral. El elegido fue Bob Ezrin, productor entre otros de Pink Floyd, Peter Gabriel, Lou Reed o Alice Cooper.

Con Bob Ezrin como productor y Andrew Jackson como técnico de sonido, Héroes del Silencio viajaron a Los Ángeles para comenzar el proceso de grabación de su cuarto álbum de estudio. Bob Ezrin sugirió hacer un disco de rock & roll contundente, mucho más compacto, potente y con guitarras más agresivas que en los anteriores trabajos del grupo, al más puro estilo Led Zeppelin, Pearl Jam o The Cult, y así se hizo. El título elegido para el álbum fue “Avalancha”, un título que ya daba una idea del nuevo giro que había sufrido la música de Héroes del Silencio y de la necesidad de movimiento urgente que el grupo tenía.

El resultado fue un álbum de puro rock & roll rebosante de energía, claramente influenciado por bandas de Estados Unidos como Pearl Jam o Soundgarden, con unas guitarras duras, unas melodías brillantes y una base rítmica impecable. Desde el principio hasta el final del disco se nota la mano de Bob Ezrin. Se trata de un disco mucho más directo que “El espíritu del vino”, su anterior LP, el cual quedó demasiado recargado llegándose a perder la verdadera esencia de las canciones entre tanto sonido y tanta instrumentación.

Líricamente es un disco plagado textos confusos en los que se mezcla la temática de amor, sexo y drogas ya clásica del grupo, con algunas alusiones a la literatura que Enrique Bunbury estaba leyendo en aquel momento concreto, habiendo incluso citas literales de determinados fragmentos de libros de filosofía chamanista y oriental, así como a algunos versos de Pablo Neruda o Mario Benedetti. En esta ocasión se vuelve a ver cierta influencia de oriente, tanto en las letras como en el sonido de ciertas partes del disco, y por primera vez se introducen ligeros mensajes de rebeldía político-social.

En “Avalancha” parece no haber ni un solo tema de relleno siendo todos y cada uno de ellos especial e imprescindible dentro de la globalidad del disco. Entre las canciones míticas de “Avalancha” que ya forman parte de la historia del grupo y del rock español figuran algunos de los temas más duros de toda la carrera del grupo como “Deshacer el mundo”, “Parasiempre”, “Rueda fortuna”, “Iberia sumergida” o “Avalancha”; y otros que conservan el espíritu original de Héroes del Silencio como “La chispa adecuada”, “En brazos de la fiebre”, “Opio” o “La espuma de Venus”.

Además de los cambios de productor y de manager, Héroes del Silencio también buscaron nuevo diseñador gráfico para la edición de la portada y el libreto de “Avalancha”, siéndole encargado el trabajo al colectivo Ipsum Planet. En esta ocasión el grupo volvió a aparecer en la portada del disco retomando de esta forma el concepto de "Senderos de traición". En el interior se volvieron a incluir las letras de las canciones en castellano y en inglés, todas ellas ilustradas con fotografías realizadas por el propio Joaquín Cardiel. De esta forma se abandonó toda la iconografía e imagen creada por Pedro Delgado basada en intensos y recargados motivos que ilustraron "Senda '91" y "El espíritu del vino". Aunque Alan Boguslavsky participó en la composición de todos los temas, éste no aparece en la portada del disco, únicamente es nombrado en el interior del libreto entre los créditos del disco, guardando cierta distancia con el resto del grupo. Con este detalle se hace evidente que, aunque el resto de la banda lo considerara como uno más, la compañía discográfica no opinaba lo mismo.

“Avalancha” fue publicado de forma simultánea en veintiséis países del mundo y fue el disco que consagró definitivamente a Héroes del Silencio como la banda de rock más importante de la historia de la música española. Con “Avalancha” Héroes del Silencio entrarían en el mercado latinoamericano y estadounidense, siendo el álbum con mayor repercusión mediática a nivel internacional del grupo aragonés.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El espíritu del vino (Héroes del Silencio) 1993

2007-10-31T10:58:00.000Z

Tras la gira “Senda ’91–‘92”, Héroes del Silencio se tomaron unas merecidas vacaciones durante las cuales Enrique Bunbury y Joaquín Cardiel, acompañados de Copi (un pianista zaragozano y amigo de la banda), aprovecharon para viajar a Asia y visitar países como la India o Nepal. Este viaje infuiría sustancialmente en el que iba a ser el nuevo trabajo discográfico de Héroes del Silencio, tanto por la temática de alguna de las canciones, como por la utilización de determinados sonidos orientales, como por la estética que les iba a acompañar durante los años siguientes.

Durante los primeros meses de 1993 el grupo se desplaza a los estudios Galery de Londres para iniciar el proceso de composición y grabación de su tercer disco, siendo ésta la primera vez que el grupo se metía en un estudio sin apenas tener temas nuevos. En dos semanas, y con un ritmo de trabajo frenético en ocasiones propiciado por el consumo de ciertas sustancias psicotrópicas, fueron compuestas y grabadas todas las canciones que iban a formar parte del nuevo álbum de Héroes del Silencio. Inmediatamente después, de igual forma que ocurriera con “Senderos de traición”, se mezclaron los temas en los estudios Metropolis de Londres, contando nuevamente con Phil Manzanera en las labores de producción. En esta ocasión Phil Manzanera dejó trabajar al grupo con mucha más libertad, orientándoles mucho menos que durante la grabación de “Senderos de traición”. A esas alturas Héroes del Silencio ya era un grupo consagrado, con mucha personalidad y con las ideas mucho más claras que en el año 1991, y Phil no quiso interferir en sus decisiones.

En el mes de junio de ese mismo año salió a la venta el tercer álbum de estudio de Héroes del Silencio bajo el nombre de “El espíritu del vino”, un disco que acabaría por confirmar la hegemonía de Héroes del Silencio en los mercados discográficos español y europeo, y que abriría definitivamente las puertas de América a la banda aragonesa.

“El espíritu del vino” es el disco de estudio más extenso y complejo de la carrera de Héroes del Silencio. Fue publicado como un doble LP de dieciséis canciones, dentro de las cuales se encuentran algunos clásicos del grupo como “Nuestros nombres”, “La herida”, “La sirena varada”, “Flor de loto”, “El camino del exceso” o “Bendecida” entre muchos otros. Además de los temas con cara y ojos, en "El espíritu del vino" también hay espacio para algunas rarezas como “Z” y “El refugio interior”, dos piezas instrumentales que sirven para el lucimiento individual de Juan Valdivia y Pedro Andreu respectivamente; “Bendecida 2”, un verso recitado por Enrique Bunbury que sirve como introducción de "Bendecida"; y “La alacena”, un tema cuya única instrumentación es la del piano de Copi acompañado por una orquesta de cuerdas.

Como ya ocurriera entre “El mar no cesa” y “Senderos de traición”, con “El espíritu del vino” el estilo musical de Héroes del Silencio volvió a dar otro giro de tuerca más, dejando de sonar a grupo de rock español para pasar a sonar a grupo de rock a secas. En esta ocasión la voz de Enrique mantuvo su gravedad pero las letras se volvieron mucho más poéticas. En ellas son fáciles de ver las influencias de la cultura y filosofía oriental, en las cuales Enrique se adentra a través de los viajes y la lectura, mezcladas con la temática poco explícita de drogas, sexo, amor, dolor e incertidumbre de toda la vida. En cuanto al sonido, en este disco Juan Valdivia endurece mucho más su estilo e introduce en las canciones una gran cantidad de líneas de guitarra de todo tipo. A pesar de que Héroes del Silencio siempre huyeron de la hiperproducción buscando la inmediatez en sus grabaciones por considerarse ellos mismos una banda de directo, “El espíritu del vino” acabó siendo todo lo contrario, un disco plagado de efectos sonoros, sonidos ambientales, orientales y de toda índole, con infinitas guitarras (hasta Phil Manzanera incluyó alguna de las suyas), con dobles y triples voces en los coros, y con la utilización del piano y de la armónica en algunas canciones por primera vez en la historia del grupo.

Por lo que respecta a la presentación gráfica del disco, ésta sería la culminación de la estética iniciada con Senda ‘91. El encargado de llevarla a cabo fue nuevamente el diseñador gráfico Pedro Delgado y su estilo impregnaría la imagen global de la banda durante los siguientes dos años. Nuevamente se jugó con el simbolismo y los enigmas, siéndole otorgado a cada tema del álbum un icono descriptivo. Además de lo puramente estético, dentro del libreto se incluyeron por primera vez las letras de las canciones tanto en castellano como en inglés, lo cual demuestra la gran proyección internacional de la banda.

Al margen de los medios disponibles y de la ilusión puesta en su grabación, es posible que “El espíritu del vino” no acabara siendo un disco perfecto debido a algunos errores cometidos durante su composición, grabación y producción, errores quizás motivados por el cansancio físico y mental acumulado por el grupo en aquel momento y por las consecuencias de los excesos realizados durante su anterior gira. Es posible que la duración de las canciones y del disco en general no sean las adecuadas. Es posible que el poco consenso entre los miembros del grupo a la hora de componer los temas provocara una clara heterogeneidad entre todos ellos. Es posible que la producción sea muy mejorable. Aún con todo, “El espíritu del vino” es considerado por muchos el mejor disco de Héroes del Silencio y seguramente se merezca el honor de ser catalogado como uno de los mejores trabajos discográficos de la historia del rock español.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Senda '91 (Héroes del Silencio) 1991

2007-10-04T06:48:00.000Z

Después de romper el mercado discográfico vendiendo miles de copias de “Senderos de traición” no sólo en España sino también en países como Alemania, Bélgica u Holanda; Héroes del Silencio iniciaron la gira promocional “Senda ’91-‘92”, reventando cualquier recinto en el que tocaran por grande que fuese y convirtiéndose definitivamente en un fenómeno de masas. Sus conciertos en esta época eran tan espectaculares y de tanta calidad sonora que incluso en los medios de comunicación más críticos con la banda empezó a circular el bulo de que Héroes del Silencio actuaban haciendo “playback”.

En Diciembre de 1991 volvieron a publicar un nuevo disco en directo, también en edición limitada, titulado con el mismo nombre que la gira: “Senda ‘91”. En esta ocasión se trató de un doble EP de ocho canciones registradas durante la actuación celebrada el 25 de Octubre de ese mismo año en la localidad madrileña de Las Rozas. De este EP sólo salieron a la venta 25.000 copias que desaparecieron de las estanterías de las tiendas de discos en un tiempo record.

La selección de canciones grabadas en “Senda ‘91” es un tanto extraña. Cuando se edita un disco en directo se suelen seleccionar los temas más emblemáticos del grupo a modo de recopilatorio o de muestra del repertorio que el grupo acostumbra a ofrecer en sus conciertos. En el caso de “Senda ‘91” no es así puesto que, sin ir más lejos, entre los temas que aparecen no están dos de los tres himnos de Héroes del Silencio en aquella época: “Héroe de leyenda” y “Entre dos tierras”. Pero no sólo sorprenden los temas no incluidos sino también algunos de los incluidos. Es el caso de “El mar no cesa”, únicamente publicado en el EP “Héroe de leyenda”, y “Hologramas”, una de las canciones más antiguas de Héroes del Silencio pero que todavía no había sido publicado en ningún LP.

“Senda ‘91” es un claro ejemplo de lo sobradísimos que iban Héroes del Silencio y de lo poco que les importaban las malas críticas. En el interior del álbum aparece una colección de recortes de prensa en los que diferentes periodistas se ensañan con la banda y entre los cuales pueden leerse las acusaciones de sus supuestos “playback”. Como muestra de todo lo contrario el grupo decide incluir en el disco el tema “Con nombre de guerra” con equivocaciones y repeticiones incluidas.

Musicalmente es un disco que refleja a la perfección el estado de forma en el que se encontraba el grupo durante aquellos años. Si “En directo” ya mostraba que Héroes del Silencio era una banda de directo, “Senda ‘91” no hizo más que confirmar este dato. La fuerza que transmite la interpretación de canciones como “Hace tiempo”, “Maldito duende”, “Oración”, la versión prolongada de “Decadencia” o “El cuadro” empalmada con “Hologramas” es una prueba de ello.

Al margen de los aspectos puramente musicales, “Senda ‘91” está plagado de rarezas y de elementos extraños. En primer lugar, el disco se abre con una supuesta sintonización radiofónica y se cierra de igual forma antes de oírse una grabación invertida de la frase “Y entre cada palabra y sílaba pronunciada como surco áspero al recorrer, quedarán mensajes sin descifrar que escondan mentiras aprendidas” pronunciada por Enrique Bunbury. Además, en este disco nacería toda la enigmática simbología que acompañaría a Héroes del Silencio durante sus siguientes cuatro años, simbología consistente en la asignación de un logotipo para cada uno de los miembros del grupo al más puro estilo Led Zeppelin, así como el logotipo oficial del grupo, el cual ha sido recuperado para su reciente gira de reunión. Todo este trabajo de grafismo corrió a cargo del diseñador Pedro Delgado.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Senderos de traición (Héroes del Silencio) 1990

2007-09-23T05:18:00.000Z

Posiblemente “Senderos de traición” sea el disco más importante de la discografía de Héroes del Silencio. Aunque musicalmente quizás no sea un álbum perfecto debido a la todavía juventud del grupo, de lo que no cabe ninguna duda es de que “Senderos de traición” marcó un antes y un después en la carrera profesional de la banda zaragozana, siendo el disco que consagraría al grupo como la banda de rock más importante e internacional de la historia de la música española.

Tras la publicación de “El mar no cesa” y después de ver los resultados obtenidos en la producción de éste, Héroes del Silencio se plantearon seriamente un cambio de productor para la grabación de su segundo LP. El grupo quería que aquel que fuera a producir su siguiente disco necesariamente tenía que haberles visto tocar en directo y haber captado la verdadera esencia del grupo antes de meterse con ellos en un estudio de grabación. Fue en plena gira de promoción de “El mar no cesa”, después de un concierto celebrado en Agosto en la localidad zaragozana de Calatayud, cuando el manager de Héroes del Silencio les presentó a Phil Manzanera, ex-guitarrista del grupo de rock progresivo Roxy Music, el cual había sido invitado para conocer al grupo de cara a convertirse en su nuevo productor. En ese primer encuentro Héroes del Silencio congeniaron tan bien con Phil Manzanera que ambas partes decidieron iniciar la grabación del nuevo álbum en cuanto finalizase la gira de "El mar no cesa".

Durante los meses de Septiembre y Octubre de ese mismo año, Héroes del Silencio y Phil Manzanera se encerraron en los estudios Kirios de Madrid y posteriormente en los estudios London Metropolis de Londres para dar forma al que sería su segundo larga duración. Durante todo el proceso de grabación del disco, Phil Manzanera trabajó de forma totalmente opuesta a como había trabajado hasta el momento Gustavo Montesano, dejando total libertad en las decisiones al propio grupo y realizando la grabación de la forma más directa posible sin arreglos innecesarios. Entre los cambios más significativos introducidos por Phil Manzanera destacaron la grabación simultánea del bajo y la batería con el fin de captar mejor el dinamismo y el “feeling” de una banda en directo, así como la supresión de los sonidos de teclado que Héroes del Silencio jamás utilizaba en sus conciertos.

El resultado final fue un disco titulado “Senderos de traición” en honor a la película del director francés Costa Gavras “El sendero de la traición”, formado por una colección de canciones entre las cuales se encontraban algunas de las que pronto se convertirían en himnos de la banda y del rock español. De entre todas ellas destacan por encima de las demás “Entre dos tierras” y “Maldito duende”, aunque temas como “La carta”, “Oración”, “Con nombre de guerra” o “Decadencia”, con el tiempo también recibirían el “status” de clásicos de la banda. Algunas como “El cuadro” o “Decadencia” eran canciones muy antiguas que se acabaron de reestructurar dentro del mismo estudio de grabación, siendo adaptadas al estilo y al sonido que el grupo tenía en ese momento. Otras como “Con nombre de guerra” fueron compuestas en el mismo estudio de grabación, algo que continuarían haciendo años después.

Con “Senderos de traición” Héroes del Silencio quedan plenamente satisfechos. Por primera vez consiguen grabar un disco que mostrara realmente lo que ellos eran: una auténtica banda de rock & roll. La voz de Enrique Bunbury adquiere esos tonos graves y profundos que le acompañarían durante toda su trayectoria en Héroes del Silencio, y la guitarra de Juan Valdivia se aleja cada vez más del sonido pop para aproximarse mucho más al hard rock. No en vano, tanto para la grabación del disco como para la posterior gira, Juan Valdivia abandonaría la Fender Stratocaster para usar diferentes modelos de Gibson Les Paul, un tipo de guitarras cuyo sonido es mucho más denso que el de las Stratocaster. Aún así, en "Senderos de traición" continúan predominando esos arpegios tan característicos de Juan Valdivia basados en la utilización de efectos chorus sin demasiada distorsión.

Por lo que respecta a las letras y su temática, éstas siguen estando cargadas de dudas, enigmas y mensajes ambiguos, entre los que se pueden llegar a deducir alguna alusión a las drogas y a los efectos de su consumo, al amor, al sexo, a la tristeza e incluso a la prensa, muy crítica con ellos desde un principio.

Con “Senderos de traición” Héroes del Silencio alcanzarían definitivamente el éxito, no sólo nacional sino también internacional. A partir de su publicación comenzarían a abrírseles las puertas de algunos países de Europa como Alemania, Bélgica, Suiza, Francia o Italia, algo que nunca había ocurrido con un grupo de rock español que cantara en castellano.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

En directo (Héroes del Silencio) 1989

2007-09-12T12:59:00.000Z

Pese al éxito de ventas y a la cantidad de puertas que se les abrieron con un LP en el mercado, Héroes del Silencio seguían sin estar satisfechos con los resultados obtenidos en sus anteriores grabaciones discográficas porque pensaban que ninguna de ellas reflejaban con exactitud la esencia del grupo ni su auténtica personalidad cuando se subían a un escenario. Héroes del Silencio se consideraban un grupo de directo y “El mar no cesa” no lo transmitía en absoluto. Para sacarse la espina que tenían clavada por este motivo, a finales de 1989 salía a la venta “En directo”, un nuevo EP de cinco temas grabados en directo, extraídos del concierto celebrado el día 9 de Septiembre en la localidad andaluza de Villanueva del Arzobispo (Jaén).

La idea original era la de registrar varios temas en directo para incluirlos como caras-b de algunos de sus singles, pero las grabaciones quedaron tan bien que finalmente se decidió editarlas todas juntas en un EP bajo el poco original título de “En directo”. La publicación se realizó en edición limitada como regalo para los fans más fieles, y ésta se agotó nada más salir. “En directo” serviría para demostrar lo que realmente era el grupo, para tantear el terreno de cara a la publicación de su segundo LP y como experiencia en las labores de producción para el mismo grupo, la cual fue compartida con el productor Carlos Martos.

Los temas incluidos en “En directo” son “Mar adentro”, “No más lágrimas”, “La visión de vuestras almas”, “El estanque” y “Olvidado”, todos ellos ejecutados con una perfección, una potencia y una energía más propia de un grupo de rock experimentado que de una banda con un único LP en su discografía. La gravedad y profundidad que va adquiriendo la voz de Enrique Bunbury con el paso de los años, y la versatilidad y soltura de Juan Valdivia en la guitarra, en aquella época único guitarrista de la formación, es lo que más llama la atención del disco. A pesar de haber pasado algo menos de un año desde que estos mismos temas fueran registrados en "El mar no cesa", la verdad es que el lavado de cara al que fueron sometidos en "En directo" fue espectacular.

Si hubiera que ponerle alguna pega a este disco serían las pocas copias que salieron a la venta y su corta duración. Quizás se eche de menos algún tema mítico como “Héroe de leyenda”, del cual no existe ninguna grabación oficial en directo realizada durante los inicios de la banda. Por lo que respecta al sonido, yo personalmente me atrevería a decir que se trata del disco en directo de la carrera de Héroes del Silencio con mayor calidad.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El mar no cesa (Héroes del Silencio) 1988

2007-09-06T05:03:00.000Z

Tras el éxito de ventas de su primer EP, “Héroe de leyenda”, la compañía discográfica EMI no tuvo más remedio que rendirse a la evidencia y grabar el primer larga duración de la carrera de Héroes del Silencio. Para ello se volvió a contar con los servicios de Gustavo Montesano en las labores de producción y, como era de esperar, el resultado tampoco acabó siendo del todo satisfactorio para el grupo.

El proceso de grabación tuvo lugar en los estudios Hispavox de Madrid. Enrique Bunbury sabía desde hacía mucho tiempo que su primer disco iba a llamarse “El mar no cesa”. El nombre surgió un día en Linacero, una conocida tienda de discos de Zaragoza, donde fue a comprar el disco de un grupo punk madrileño llamado "Mar otra vez" y, al no acordarse del nombre, lo pidió como el disco del grupo "El mar no cesa". Su error inspiró el título de una canción (publicada en el EP “Héroe de leyenda”) y posteriormente el del primer disco del grupo.

“El mar no cesa” cuenta con algunos de los mayores himnos de Héroes del Silencio como son “Mar adentro”, “Hace tiempo”, “Agosto”, “Flor venenosa”, “Olvidado”, “El estanque” o “Héroe de leyenda”; y con algunas de las melodías de guitarra más bellas jamás compuestas por Juan Valdivia, con el clásico efecto “chorus” aplicado sobre el sonido limpio de su Fender Stratocaster. Por lo que respecta a las letras, estas se siguen caracterizando por la utilización de un vocabulario épico, abstracto y surrealista dentro de unas frases confusas y caóticas. Aún así, en ellas se entrevén los sentimientos más íntimos de un joven de veinte años como pueden ser el amor, la soledad o el sexo entre otros.

En esta ocasión el estilo musical del disco sigue siendo un pop ochentero, aunque algo más próximo al rock. Los quince meses transcurridos desde la grabación del EP “Héroe de leyenda” hasta la del álbum “El mar no cesa” se notan en el sonido del grupo. Durante todo este tiempo Héroes del Silencio no dejaron de componer, ensayar y preparar algunos temas que ya llevaban mucho tiempo tocando en directo. La voz de Enrique Bunbury (ya con el apellido artístico que le acompañaría durante toda la vida) no suena tan adolescente como en el EP “Héroe de leyenda” y la guitarra de Juan Valdivia adquiere mucha más consistencia e incluso alguna que otra distorsión. En cuanto a la parte rítmica, ésta ya no suena tan enlatada y lo que se oye empieza a parecerse a un grupo de pop-rock en lugar de a un cantante y un guitarrista acompañados de un sintetizador.

A pesar de estas mejoras con respecto a su primera grabación, las ansias por llevar adelante el lanzamiento del disco les hizo aceptar determinados arreglos como la incorporación de algunos teclados (jamás utilizados por el grupo en sus conciertos) de los que más tarde se arrepentirían. Por suerte nunca llegaron a incluirse los sonidos de trompeta que se pretendían incluir, gracias a que las amenazas de Enrique Bunbury de abandonar la grabación y regresar a Zaragoza si esto se hacía tuvieron efecto. Lo que sí se incluyeron en el disco fueron los temas “La lluvia gris” y “Héroe de leyenda” extraídos directamente del EP “Héroe de leyenda” sin ser vueltos a grabar en unas condiciones un poco más óptimas.

“El mar no cesa” supondría la plataforma de lanzamiento hacia la fama de Héroes del Silencio dentro del panorama musical español.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Héroe de leyenda (Héroes del Silencio) 1987

2007-09-04T04:31:00.000Z

"Héroe de leyenda" fue la primera grabación oficial de Héroes del Silencio. Se trata de un EP de cuatro temas grabado bajo la producción de Gustavo Montesano (ex-guitarrista del grupo Olé-olé) hace ya una veintena de años. Los motivos por los cuales se grabó este EP y no un LP desde un principio fueron la falta de confianza de la casa discográfica EMI y las dudas que ésta tenía acerca del posible éxito de Héroes del Silencio. La condición necesaria que se le puso al grupo para poder grabar un LP completo fue que se vendieran más de 5.000 copias de "Héroe de leyenda". Finalmente fueron más de 30.000 las copias vendidas. Todos unos linces estos de EMI...

Es probable que si alguien que todavía no conoce a Héroes del Silencio (que alguno habrá) escucha este primer EP antes que cualquiera de los discos que vendrían después, se le quiten las ganas de seguir escuchando. El bajo presupuesto con el que se contó para la grabación, las escasas dos semanas invertidas en ella, la falta de experiencia de todos los miembros del grupo, y la mentalidad y estilo musical del productor Gustavo Montesano (procedente del tecno-pop más que del rock) les jugaron una mala pasada a los jóvenes Héroes del Silencio, ya que el sonido final del EP para nada coincidió con el sonido que el grupo estaba desplegando por aquella época en sus conciertos. Sólo la portada ya es un claro reflejo de la onda en el que se les pretendió encajar.

Los temas registrados en el EP son "El mar no cesa", "La lluvia gris" y "Héroe de leyenda, además de una remezcla de éste último que sirve como apertura del disco y que es preferible olvidar lo más rápidamente posible. El estilo musical de todas las canciones es un pop con claras influencias de las bandas londinenses de los 80's, ya pasado de moda en aquella época, con la típica utilización de cajas de ritmos electrónicas en la percusión. En estas tres canciones se puede apreciar que Enrique Bunbury (por aquel entonces aún Enrique Ortiz de Landázuri) todavía tiene la voz muy aguda y poco madurada, pero también empiezan a deducirse dos aspectos que caracterizarían a la banda durante toda su carrera: sus letras confusas y enigmáticas, y la compartición de protagonismo entre la guitarra de Juan Valdivia y la voz de Enrique Bunbury.

Como anécdota, decir que la versión de estudio del tema "El mar no cesa" no volvería a aparecer en ninguna otra grabación oficial del grupo, al contrario que el resto de temas, que un año más tarde formarían parte de su primer LP.

"Héroe de leyenda" fue el primer éxito de Héroes del Silencio pero sólo fue el principio de lo que todavía estaba por venir.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Hail! Hail! Rock 'n' Roll (Chuck Berry) 1987

2007-07-29T01:07:00.000Z

Si realizamos una encuesta preguntando “¿Quién es el Rey del Rock?”, es más que probable que la respuesta mayoritaria sea Elvis Presley. Si bien es cierto que la figura de Elvis Presley fue fundamental para que el rock n' roll dejara de ser una música marginal y se popularizara llegando a todo tipo de público, no es del todo cierto que éste sea el verdadero “Rey del Rock”. Después de ver “Hail! Hail! Rock 'n' Roll” y de escuchar los testimonios de algunos de los personajes más importantes de la música del siglo XX, a todo el mundo le debería quedar claro que el verdadero “Rey del Rock” no es otro que Chuck Berry.

Dirigido por Taylor Hackford, “Hail! Hail! Rock 'n' Roll” es un documental sobre la vida y la obra de Chuck Berry grabado en 1987 con motivo del 60 cumpleaños del artista. A través de una serie de entrevistas, el propio Chuck Berry explica en primera persona diversos aspectos de su carrera musical, tratando temas básicos como sus inicios en el mundo de la música, las motivaciones que le hicieron dedicarse profesionalmente a ella, cuales fueron sus primeros salarios, los problemas que en los años 50 tenían los músicos negros para llegar al público blanco, y toda una serie de anécdotas que forman parte de la historia del rock y de la música en general. Las entrevistas van realizándose en diversos escenanarios como el local en el que debutó (en el momento de la grabación del documental completamente abandonado); la casa de su padre, en 1987 aún con vida; o el Berry Park, una especie de parque natural propiedad de Chuck Berry, ubicado en Wentzville (Missouri) y pensado para celebrar grandes festivales de rock.

Durante todo el documental van apareciendo diferentes personas importantes en la vida de Chuck Berry como son su esposa, sus hermanos, su padre o su secretaria, que explican curiosidades y hablan sobre su parte más humana y más desconocida, eso sí, sin tocar el tema de sus problemas con la justicia, su estancia en prisión y la parte más escabrosa de su vida. Además de la familia, son varias las estrellas del mundo de la música que expresan su opinión sobre la importancia que Chuck Berry ha tenido en la historia del rock. John Lennon, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis, Little Richard, Bo Diddley, Bruce Springsteen, Eric Clapton o Keith Richards son algunos de ellos. Todos demuestran tenerle un enorme respeto y una grandísima admiración, llegando incluso a hablar de él como “El Rey” o calificándolo como el primer “trovador” del rock por ser el primer compositor-cantante-guitarrista de la historia del rock n' roll.

Pero el documental no es sólo un enjabonamiento general al abuelo Chuck. A uno también le queda la imagen de un personaje excéntrico, caprichoso, calculador, empresario a la vez que músico y, en definitiva, una máquina de hacer dinero que durante los 70's y 80's viajaba por el mundo haciendo bolos sin más compañía que una guitarra y una maleta, desconociendo por completo y no importándole en absoluto la banda que le iba a acompañar en sus shows mientras estos se supieran su reprtorio y él cobrara la parte acordada. En resumen, un artista de vuelta de todo que lo único que buscaba era disfrutar de sus últimos años en activo ganando la máxima pasta posible haciendo lo que más le gusta hacer. Nada que no haríamos ninguno de nosotros si pudiéramos, todo sea dicho.

Para mí la parte más interesante del documental no es tanto la biográfica como la puramente musical. Al margen de las entrevistas, declaraciones, anécdotas e historias varias, durante todo el metraje se van viendo una serie de ensayos y preparativos para la actuación conmemorativa del 60 cumpleaños de Chuck Berry que se celebraría el día 6 de Octubre de 1987 en el Fox Theater de St. Luis (Missouri). Aunque parezca increíble, toda la organización de la actuación y de la parte musical del homenaje corrió a cargo de Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones. En el documental pueden verse diversas discusiones entre ambos y, a pesar de sentir un gran respeto y admiración por él (no en vano los Rolling Stones empezaron su carrera versionando temas del propio Chuck Berry), Keith Richards no pierde ninguna oportunidad de criticar todos los aspectos criticables de Chuck Berry sin morderse la lengua, llegando a afirmar que éste le produce más dolor de cabeza que el mismísimo Mick Jagger.

El resultado final es un concierto de Chuck Berry donde se repasan todos los clásicos de su carrera como "Maybellene", "Memphis, Tennessee", "Too much monkey business" , "Johnny B. Goode" o "Roll over Beethoven" entre otros. La banda que le acompaña durante el show está formada por Johnnie Johnson (piano), Keith Richards (guitarra), Joey Spampinato (bajo), Steve Jordan (batería), Ingrid Berry (coros), Chuck Leavell (piano) y Bobby Keys (saxofón), con la colaboración especial de Eric Clapton, Julian Lennon, Robert Cry, Etta James y Linda Ronstadt en alguno de los temas.

Bajo mi modesta opinión, "Hail! Hail! Rock 'n' Roll" es un documento que debería ser de obligada visualización para todo aquel que se considere un amante del rock n' roll. Ya estáis tardando.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Still the same... Great rock classics of our time (Rod Stewart) 2006

2007-07-07T02:14:00.000Z

Posiblemente este sea uno de los discos más patilleros que haya escuchado jamás en la vida. Me pongo en el lugar de Rod Stewart y me lo imagino un buen día mirando el calendario tras levantarse de la cama y pensando: “¡Coño, si estamos en Octubre, faltan dos meses para Navidad! Vamos a ver. Si en el 2001 publiqué un recopilatorio de toda mi carrera y desde el 2002 hasta el 2005 me he pegado recopilando los clásicos de la música americana en cuatro volúmenes... ¿Qué puedo hacer ahora?... Bah, voy a grabar un disco de versiones de clásicos del rock”. Unas cuantas llamadas de teléfono, unos cuantos pagos de derechos de autor, unas semanitas de grabación y, hala, ya tenemos disco para estas Navidades: “Still the same... Great rock classics of our time”. ¿Quién necesita encerrarse en un estudio para componer canciones pudiendo vivir durante seis años editando recopilatorios y grabando discos de versiones?

Tras ver el título del disco, “Still the Same... Great rock classics of our time”, uno puede pensar que dentro se va a encontrar “I can’t get no (Satisfaction)” de los Rolling Stones, “Smoke on the water” de Deep Purple, “Jailhouse rock” de Elvis Presley, “Johnny B. Good” de Chuck Berry y, en definitiva, todos los grandes clásicos del rock de todos los tiempos cantados con la voz de Rod Stewart. ¿Qué cojones? Los supuestos grandes clásicos del rock de nuestro tiempo son algunos de los temas más facilones de la historia del pop-rock: "Have you ever seen the rain" de la Creedence Clearwater Revival, "Still the same" de Bob Seger, "It’s a heardache" de Bonny Tyler, "Crazy love" de Van Morrison y bueno, un largo etcétera de canciones que son de todo menos los temas más clásicos de la historia del rock. Son buenos temas, nadie dice que no, pero que te los vendan de esta forma suena un poco a chufla.

Dejando al margen el debate sobre si son o no son los mejores clásicos del rock del mundo mundial, que seguro que alguien podría discutírmelo, lo más gordo de todo es que las versiones registradas en el disco han sido desrockerizadas a más no poder. Los temas más "duros" se han suavizado al máximo, las guitarras eléctricas en muchos casos han sido reemplazadas por guitarras acústicas y, sin ser un gran entendido en la materia, yo diría que incluso la batería la tocan con escobilla para no hacer mucho ruido. Claro, hay que entender que los fans de Rod Stewart que se compraran este disco para Navidad deben rondar los 55 o 60 años y, con esas edades, tampoco tiene uno el cuerpo para muchos sobresaltos... Vocalmente sólo puedo decir que el pobre Rod Stewart está bastante hecho caldo y que nada tiene que ver su voz actual con la que tenía en los 70’s. Pero bueno, la verdad es que poco hay que objetar sobre este tema puesto que los años y un cáncer de garganta a cualquiera le pasan factura.

Por último sólo me queda analizar la portada del disco. En ella se nos presenta a un Rod Stewart repantigado en un sofá en posición “tómalo, tuyo es, mío no”, con pantalones vaqueros rotos y americana brillante al más puro estilo Faemino y Cansado. Vamos, todo un derroche de actitud rockera.

Total, una tomadura de pelo de disco que no merece que siga perdiendo más el tiempo escribiendo sobre él.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Live at Pompeii (Pink Floyd) 2003

2007-06-05T14:16:00.001Z

Cada vez son más los discos que incluyen un DVD con el making off y con alguna que otra estupidez del grupo en cuestión en su interior, y la verdad es que ya aburre un poco ver al artista de turno en zapatillas y sin afeitar grabando sus temas y diciendo obviedades delante de la cámara. Hoy en día está todo inventado en el mundo de los DVD’s musicales y nada de lo que vemos nos sorprende ni nos fascina porque, o bien ya lo hemos visto antes, o bien lo que se nos muestra es del todo previsible o artificial. Como mucho nos pueden llegar a llamar la atención cosas tan extravagantes como ver a Metallica encerrados con un psiquiatra en una especie de casa - estudio de grabación plagado de cámaras a lo Gran Hermano, o ver a Madonna crucificarse en directo, pero poco más. Sin embargo, en 1971, ¿a quién se le hubiera ocurrido grabar un documental sobre el proceso de grabación de un disco intercalado con un concierto celebrado en medio de las ruinas de un anfiteatro romano con absolutamente nadie entre el público? Pues a Pink Floyd.

Eso es ni más ni menos “Live at Pompeii”, una actuación de Pink Floyd grabada en directo en medio del anfiteatro romano de Pompeya allá por 1971, mezclada con un documental registrado durante el proceso de grabación del mítico “Dark side of the moon” en los estudios Abbey Road de Londres. En él, además de secuencias de la grabación de diferentes pistas del disco, también se incluyen otras de los Pink Floyd almorzando y bromeando (todo un espectáculo ver a Roger Waters hablando con la boca llena mientras se zampa unas cortezas), y algunas entrevistas con los miembros del grupo en las que se les pregunta sobre temas tan diversos como la relación personal y profesional entre ellos, la metodología de grabación y de composición de sus discos, su relación con la prensa, el consumo de estupefacientes, las giras, y todo eso que se les suele preguntar a los músicos cuando se les hace una entrevista.

Centrando la atención en la parte más interesante del DVD, que no es otra que la actuación en el anfiteatro, decir que ésta ha sido tratada de una forma bastante particular. Por un lado choca el hecho de que no haya ni un alma entre el público y que las únicas personas ajenas al grupo que pueden verse sean los cámaras y los técnicos de sonido. También son curiosas, y en algunos casos hipnotizantes, toda la sucesión de imágenes que van apareciendo a modo de videoclip mientras suenan los temas en directo; con planetas, cohetes, satélites y diferentes paisajes y escenas espaciales; mezcladas con tomas de los montes y las ruinas de Pompeya, con el volcán Ethna en plena erupción incluido. Si lo que se pretendía con toda esta realización audiovisual era transmitir la sensación de estar viajando en el espacio y en el tiempo con la única compañía de la música de Pink Floyd, la verdad es que está bastante logrado.

Durante la actuación tocan básicamente temas de “Meddle” y “Saucerful of secrets”, siendo toda ella una demostración de “rock progresivo” con temas que se eternizan y en los que cada uno de los músicos tiene la oportunidad de demostrar su respectivo virtuosismo en vivo y en directo. Son especialmente espectaculares las puestas en escena de “Echoes” (dividida en dos partes, la que abre y la que cierra el DVD), “Careful with that axe Eugene”, “Set the controls for the herat of the sun” y “Saucerful of secrets”, esta última con un brutal Nick Mason a la batería acompañado de la rabia de Roger Waters aporreando el gong, y las psicodélicas idas de olla con el teclado y la guitarra de Rick Wright y David Gilmour respectivamente.

Como único punto negativo habría que destacar que las entrevistas están subtituladas únicamente en inglés, danés, finés, sueco, noruego, alemán, húngaro y polaco. Ni castellano, ni francés, ni italiano ni portugués. Resulta que graban un concierto en un anfiteatro romano y no tienen cojones a subtitular las entrevistas en ninguna lengua latina…

Aprovechando el tirón de la gira de Roger Waters, actualmente se puede encontrar este DVD a menos de 10 Euros en cualquier gran superficie. Yo de vosotros no desaprovecharía la ocasión de conseguirlo porque es de lo mejorcito que se puede encontrar de Pink Floyd en lo que a DVD’s musicales se refiere.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

El shock de Leia (Lagartija Nick ) 2007

2007-06-04T11:11:00.000Z

Se ha hecho esperar, pero ya está en la calle el noveno disco de Lagartija Nick. Tres años después del sobresaliente ‘Lo imprevisto’, la banda de Antonio Arias vuelve con ‘El shock de Leia’, catorce canciones que mantienen su esencia e indagan en su lado más pop.

Antonio Arias lo deja claro desde el primer corte: hay que “perder un poco el juicio / saltar al precipicio”. Y lo dice alguien combativo con la industria del disco, guarecido en la autogestión y ahora exiliado en la independiente Everlasting Records. Durante el trienio de gestación, Antonio ha sido padre y ha puesto a Los Ángeles en su sitio. De alguna manera, este trabajo estaba destinado a las melodías cristalinas, de distorsión moderada y voces armoniosas. Lo último con la ayuda de los “angelicos” Noni y Alejandro (Lori Meyers) en el tema que titula el compacto. Además, el famoso Dj Sergio Bastida aporta sensaciones espaciales con el theremin.

El compositor, cantante y bajista, que comenzó en 091, siempre ha defendido la universalidad de lo local en Granada. No extraña, por tanto, que Honest John Plain, el ídolo ‘boy’ del punk británico, cierre el viaje lunar con ‘Going to Mars’ y que la misma pieza en castellano (’20 versiones’) suene a ‘hit planetero’. Como tampoco sorprende que los rumores sobre un ‘Omega 2’ con Morente y Sonic Youth se hayan evaporado. Antonio Arias bucea en familia. Recupera con su hermano Jesús –que fue componente de TNT y Exxon Valdez– alguna idea aparcada desde ‘Su’, en 1995. Así como el esqueleto de ‘Cosmos’, que ya pululaba por las sesiones de ‘Inercia’, en 1992. Y ‘Carmen Celeste’ es un canto de felicidad paternal a medio camino entre Bauhaus y Love and Rockets. Los momentos álgidos quedan muy dosificados, lo que produce una escucha mucho más excitante hasta el final.

Por si hay algún confuso, Leia es la princesa de la película de George Lucas, aunque también el nombre de la perra de Antonio, quien reconoce que su animal sufrió un ‘shock’ durante la grabación. En cualquier caso, el cancionero rebosa ciencia ficción, que en Lagartija Nick es identidad lírica a partir de la cosmovisión de Arias, un auténtico estudioso de lo que llama “lenguaje anticipativo”. La canción ‘Un marciano envía una portal a casa’ se acerca al surrealismo del poeta Craig Raine. Y podemos tomar ‘Anoche soñé demasiado’ como la actualización del clásico demencial de los Electric Prunes rodado por la poesía de Valente.

En fin, que los Lagartija de 2007 no tienen pelos en la lengua y su música suena aguerrida con la rítmica afianzada de Erik Jiménez, y Víctor Lapido presidiendo la sección de guitarras. Con su universo misceláneo e inclasificable, la formación sobrevivió a los noventa y le ha cogido el tono al presente siglo, que les pega. Hay nebulosas para rato.

Eduardo Tébar

P.U.L.S.E. (Pink Floyd) 2006

2007-03-04T18:22:00.000Z

Pink Floyd, una banda disuelta hace más de 10 años, están de moda. No cabe duda que su aparición estelar en el festival Live 8 en julio de 2005 ha tenido mucho que ver en este asunto. A raíz de aquel evento David Gilmour y Roger Waters han salido de sus respectivos sarcófagos y actualmente se encuentran en plena actividad musical con discos y giras multitudinarias en solitario. Si a esto le sumamos el reciente fallecimiento de Syd Barrett, miembro fundador y primer líder espiritual y musical de la banda, obtenemos como resultado la situación actual: conciertos de bandas tributo a todas horas, fiestas homenaje al grupo y a Syd Barrett a porrillo, infinidad de publicaciones de libros biográficos y revistas especiales con diferente grado de interés para los fans de la banda londinense y reediciones de material audiovisual remasterizado a punta de pala.

Uno de los últimos ejemplos de esta neo-fiebre Pink Floydiana ha sido la edición de P.U.L.S.E., un doble DVD en directo fruto de la digitalización y lavado de cara de las grabaciones realizadas en el Earl’s Count de Londres el día 20 de octubre de 1994 durante la gira de presentación del álbum “The division bell”. El concierto se presenta en un digipack de cartón con portada del eterno diseñador gráfico Storm Thorgenson, en el interior del cual, además de los DVD’s y libreto con fotos y track list del show, sorprendentemente nos encontramos con una postal promocional de “On an island”, el último disco en solitario de David Gilmour (la voz y guitarra de Pink Floyd como bien se indica por si alguien todavía no lo sabía). ¿Oportunismo?... Por supuesto. Pero dejemos al margen el embase y centrémonos en el contenido.

A pesar de lo espectacular del evento por el despliegue de medios, por el mastodóntico escenario, por el derroche de energía eléctrica con focos, rayos láser y demás, y por la meticulosa puesta en escena de todos los temas (tanto es así que en ocasiones no parece ni directo), a mí personalmente el DVD me transmite más bien pocas emociones. En primer lugar porque se me erizan los pelos de la nuca al llamar Pink Floyd a un grupo en el que no está Roger Waters en sus filas. Es probable que el oxigenado bajista que lo sustituye sea un fiera con las cuatro cuerdas y que musicalmente no se note la ausencia de bueno de Roger, pero evidentemente no es lo mismo. En segundo lugar, la actitud del grupo sobre el escenario es fría, seca, prácticamente pasiva, como si estuvieran de vuelta de todo. El simple hecho de que cuenten con un segundo batería un segundo teclista, un segundo guitarrista y una sección de coros y vientos, hace que los propios David Gilmour, Rick Wright y Nick Mason parezcan tres músicos más dentro de una gran orquesta. Ni siquiera David Gilmour es el encargado de hacer todos los solos de guitarra del concierto. Parece como si las luces y los efectos visuales fueran los protagonistas de la actuación en lugar de ser los propios músicos, llegando a haber más planos alejados del escenario que primeros planos de Rick Wright o de Nick Mason.

Pero como siempre hay que sacar algo positivo de las cosas, y más cuando estas te cuestan 20 Euros, he de reconocer que, si bien los temas de “The division bell” sean infumables y provoquen somnolencia, todos los clásicos de la banda como “Shine on your crazy diamond”, “Confortably numb”, “Wish you were here”, “Another brick in the wall (Part II)” o “Run like hell”, y la interpretación completa del álbum “Dark side of the moon”, siempre son dignos de ser vistos y escuchados en directo por muy viejos que estén los Floyd. Sólo por esto ya vale la pena la adquisición de este DVD aunque, no nos engañemos, en absoluto tiene algo que ver con aquellos conciertos de los años 70 donde los cuatro músicos se bastaban y se sobraban para ponerte la piel de gallina interpretando temas como “Echoes”, “Astronomy Domine”, “Set the controls for the heart of the sun”, “A saucerful of secrets” o “Cymbaline” por poner sólo unos ejemplos. Pero de esos conciertos ya hablaremos en otros artículos porque también han sido reeditados en DVD.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Sam O (Sam O) 2006

2007-02-07T18:59:00.000Z

Autobautizado con la firma del difunto pintor moderno Jean-Michel Basquiat, Sam O es la propuesta unipersonal más llamativa que se ha visto en Granada en los últimos años. Un artista irreverente, teatral, provocador ante la política de la nada. Se lo guisa y se lo come todo a razón de música minimalista con glotonería y envenenados mensajes de impacto publicitario. Al igual que Antonio Luque, Sam O dice cosas que otro jamás expresaría en una canción. De ahí su genio, la singularidad que le hace imprescindible en este tiempo. Descarga el disco gratis en su web (www.samoextra.net), déjate de 'peros' y baila. Aunque no lo creas, estás en su lista.

Eduardo Tébar

The great cold distance (Katatonia) 2006

2006-11-25T23:13:00.000Z

Un Doom muy clásico y romanticón es el que practican esto nórdicos de ambientes oscuros y sombríos. Algo así como lo que hoy practican To/Die/For y Lake Of Tears es lo que más puede asemejarse al sonido Katatonia. Eso sí, la uñas y pestañas de negro; signo evidente de oscuridad y penumbra.

Hace tiempo que pulula por mis estanterías una caja que recopila lo mejor de ellos en audio y vídeo en un formato impecable, hasta que salió ésta, por ahora su última entrega de estudio: “The great cold distance”.

Katatonia no pierde un ápice de su sonido primigenio, y nos lleva por pasajes oscuros llenos de melodía (nada que ver con Anathema o similares), con una voz que sabe acristalar las canciones y romperlas con enérgicas sacudidas vibrantes y con unos teclados muy subidos que hacen eco de la propia melodía que conllevan sus temas. Las guitarras que cobran apellido en los versos, muestran su verdadero nombre en los estribillos, muy trabajados y con puentes varios.

“My twin” fue el primer sencillo, y creo que hasta ahora único del disco, que muestra la cara más comercial y conocida de Katatonia, pero hay otros temas que merecen especial atención dentro del compacto, cortes como “Consternation” donde se puede observar rabia y densidad de inicio y sonido industrial; “Increase”, donde las guitarras “clean” con el envolvente sonido chorus de Nyström y Norrman cobran especial dimensión, o “July” en la cual el hard rock se hace muy presente y donde se nos recuerda que a ellos también les gustan Michael Monroe o Slash.

Producido por su vocalista y cara visible siempre de la banda Jonas Renkse junto a Andres Nyström, han sabido compactar un excelente trabajo de metal melódico dentro del género Doom.

Jesús Cabezas (Noko)

1 (JigKorova) 2006

2006-11-07T06:44:00.000Z

Péguele una patada a una piedra en Granada y saldrán nuevos grupos de alto nivel. JigKorova nacieron en los entreverados locales de ensayo de Prodemu hace dos años. Sus integrantes, claro está, son ex muchas cosas. Pero esta aventura ya cristaliza con una primera maqueta de palos fuertes (y no de ciego). Ellos definen su música como “rock duro psicodélico”, a pesar de que hubo quien se adelantó tachándoles de “grunges sinfónicos”. Basta escuchar la voz del cantante-bajista Luís El Moga para sospechar que el “hermano secreto” de Eddie Vedder anda por aquí. Rock clásico para exquisitos. En directo juegan a las sorpresas.

Eduardo Tébar

Burst the bubble (The Company of Snakes) 2002

2006-11-01T08:59:00.000Z

Hard rock melódico guitarrero es este disco que nos presentó a los renovados Company of Snakes con Berggren a la voz, lo cual da un pelín más de dulzura al compacto. Anteriormente, y con formación distinta en algunos instrumentos, pululaban como “Snakes in Paradise”, hasta que decidieron dar el salto a la compañía. Fundados como grupo de versiones de Whitesnake fueron creando su propia música hasta que lograron fichar por SPV y editar un par de discos más que decentes, tanto como Snakes in Paradise como ahora con The Company of Snakes.

Abre el trabajo un tema interesante y pegadizo, propio de las composiciones de su muy buen guitarrista Bernie Marsden, donde todo queda perfectamente ordenado. Se van sucediendo los temas, uno tras otro, y encontrarás medios tiempos cargados de melodía, propios de los Snakes, guiños perfectos al blues-rock en “Back to the Blues” y baladas de infinita dimensión.

El álbum se presenta con quince temas a los cuales tras quitarles introducciones y reprises de temas lentos nos quedamos con doce. A tener en cuenta el ya mencionado “Labour of love”, “Burst the bubble”, “What love can do” y “Hurricane”.

El salto que ha dado Stefan Berggren en su proyecto paralelo junto a Rolf Munkes con Razorback, más orientado al rock duro, es, cuanto menos, muchísimo más interesante. Berggren se explaya a gusto en este último proyecto, dando de sí todo lo que su voz tiene, quedando aquí más limitado a la melodía que empalaga todas las composiciones de los Snakes.

Jesús Cabezas (Noko)

Gov’t Mule (High & Mighty) 2006

2006-10-19T18:47:00.000Z

Nueva entrega de Warren Haynes, antaño compositor y miembro de Allman Brothers Bands. Siete nominaciones a un Grammy avalan la trayectoria de Haynes, cabeza visible y líder absoluto de Gov’t Mule.

Este tipo es capaz de componer un rock profundo de raíces sureñas, un blues de lo más genuino, un jazz encajado, un soul vibrante o un medio tiempo hardrockero que noquea. Lo tiene todo para triunfar en esto de la música y sin embargo no tiene un nivel de popularidad entre el público de a pie como sí lo tiene entre la prensa especializada. Gov’t mule es de esos grupos de culto poco valorados con potentes directos de los que quedan pocos, con sabor a cochera y garaje antiguos, de los de sorbo de Jack Daniel’s, de aquellos que saben mejor componer que interpretar, de los grandes en definitiva.

Doce cortes completan este “High & Mighty”, que a mi entender se diluye un poco a medida avanza el disco. Encontrarás potentes y pegadizos riffs en “Mr High & Mighy”, viajes al country más desperado en “So weak so strong”, su típico medio tiempo en “Child of the Earth”, y viajes alucinatorios por la mente de Haynes en temas tan artesanales como “Million miles from yesterdays” o el bonus incluido en el digipack 3 “String George”.

Con cuidada presentación digipack desplegable, el disco ha sido producido durante unos cuantos meses (¿será eso bueno?, ¿será eso malo?) por Gordie Johnson y el propio Haynes en algún lugar de los estudios Water Music de New Jersey. El álbum en si está dedicado a Little Milton, reconocido músico bluesero donde los hubiere que falleció en Julio pasado víctima a sus 71 años de un derrame cerebral. Va por él este disco.

Jesús Cabezas (Noko)

Por la boca vive el pez (Fito & Fitipaldis) 2006

2006-10-13T10:03:00.000Z

Tres años después de la publicación de su anterior trabajo discográfico de estudio, Adolfo Cabrales “Fito” vuelve con “Por la boca vive el pez”, su quinto disco al frente del proyecto Fito & Fitipaldis si contamos el CD-DVD en directo que publicó en el año 2004.

Desde que en 1998 Fito iniciara su andadura como Fito & Fitipaldis, el estilo musical de cada uno de sus discos ha ido evolucionando de una forma bastante notoria. Si el primero, “A puerta cerrada”, era un álbum donde lo que predominaban eran las guitarras acústicas, más apropiado para ser llevado al directo en bares y tabernas que en palacios de deportes; en el siguiente, “Los sueños locos”, el sonido empezó a rockerizarse algo más, y las guitarras acústicas dejaron paso a las Fender Stratocaster y Telecaster. A partir de ahí, tanto en “Lo más lejos a tu lado” como en “Por la boca vive el pez”, el estilo de Fito & Fitipaldis parece que se ha asentado en un pop-rock (el cual recuerda mucho al de Dire Straits y The Police) ligeramente aderezado con unas gotas de jazz, blues, rockabilly y ritmos latinos, donde los teclados y el saxofón tienen casi tanto peso como las guitarras eléctricas.

Para la grabación de “Por la boca vive el pez” Fito ha estrenado nuevos Fitipaldis. En esta ocasión le acompañan Carlos Raya en las guitarras, Candy Caramelo en el bajo, José “El Niño” Bruno en la batería y Joserra Semperena y Luís Prado en los teclados; músicos todos ellos con una dilatada carrera profesional acompañando a artistas de la talla de Andrés Calamaro, M-Clan o Duncan Dhu por poner sólo unos ejemplos. El saxofonista Javier Alzola es el único superviviente de la formación original. No podría ser de otra forma puesto que su saxo se ha convertido en un pieza imprescindible para el sonido de Fito & Fitipaldis. En cuanto a la producción del disco, son el propio Carlos Raya y Joe Blaney (el norteamericano afincado en Brunete que ha trabajado con gente tan dispar como The Clash, Tom Waits, Steve Earle, Keith Richards, Los Rodríguez o Andrés Calamaro) los que se ocupan de ella. Atrás quedan pues las colaboraciones de su amigo Iñaki “Uoho” Antón, guitarrista de Platero y tú y Extremoduro, el cual produjo sus anteriores trabajos.

A nivel compositivo “Por la boca vive el pez” es un disco mucho más reflexivo e íntimo que todos los anteriores. En él, Fito le canta más a la paz y al amor y menos a las juergas, a los bares y a las sustancias psicotrópicas. Por lo que respecta a las canciones, el álbum parece estar cortado con el mismo patrón que “Lo más lejos a tu lado”, habiendo incluso claros paralelismos entre los temas de uno y otro. En ambos, el tema que abre el disco es el single de promoción de éste: “La casa por el tejado” y “Por la boca vive el pez”. En los dos hay espacio para las historias contadas en tercera persona sobre personajes, quién sabe si reales o inventados: “Soldadito marinero” y “Como pollo sin cabeza”. También hay un tema instrumental en cada uno de ellos (aunque de diferentes estilos), que más que temas en sí son Jams improvisadas: “Vamonó” y “214 Sullivan Street”. Y en ambos aparece una canción grabada con el único acompañamiento que el de dos guitarras: “Las nubes de tu pelo” y “Abrazado a la tristeza”. Así pues, podría decirse que “Por la boca vive el pez” y “Lo más lejos a tu lado” son hermanos mellizos, que sin ser exactamente iguales tienen un gran parecido.

Como curiosidades destacar la participación de Carlos Tarque de M-Clan haciendo algunos coros; y la grabación de las versiones de “Deltoya” (el clásico de Extremoduro) y de “Abrazado a la tristeza”, un tema cuya versión original quedó registrada en “Poesía básica”, el disco del proyecto “Extrechinato y tú” en el que Fito participó en el año 2001 junto a Robe Iniesta, Iñaki “Uoho” Antón y el poeta andaluz Manolo Chinato.

En definitiva nos encontramos ante un nuevo Fito bastante alejado de su faceta más canalla y alternativa. Ahora Fito llena pabellones deportivos, aparece en los 40 Principales y en portadas de revistas, y trabaja acompañado de músicos y productores con amplio curriculum y profesionalidad contrastada. Nada criticable en un músico siempre y cuando todo esto no vaya seguido de una bajada en el listón de la creatividad y de la calidad de lo único importante que es la música.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Hey, where’s your brother? (Jonny Winter) 1992

2006-10-10T20:21:00.000Z

El blues es un concepto de música que conlleva sentimiento, que duele, que respira fatigosamente entre el delta del Mississipi, Nueva Orleáns y aquellas pequeñas poblaciones norteamericanas que un día dejaron las pistolas para escuchar lo que “los negros” eran capaces de hacer.

Grandes de la escena han alumbrado el devenir de Johnny Winter, su estilo se ha forjado a base de acompañar a Muddy Waters en sus infatigables giras de los últimos años cincuenta y en la posterior reunión de finales de los setenta.

Eric Clapton es un genio, pero muy ortodoxo, muy cerrado a la improvisación que el blues necesita, a la vertiginosa forma de hacerte sentir el tío más grande y afortunado del mundo cuando escuchas Caldonia de la leyenda Muddy. Esa harmónica la toca Dios. Pero, como decía, Eric Clapton es uno de los mejores, supo adaptarse desde sus comienzos más rockeros para acabar implantándose en el blues y el blues rock. Desde una perspectiva lejana y recogiendo lo mejor de los mejores; pero a mi entender se queda en un sonido muy producido, muy sesgado a la necesidad de que la canción vuele por si misma. Johnny Winter es de los últimos que nos quedan que interpreta el blues como se parió. Dejando que sus canciones tengan vida propia, grabando lo que sale de sus dedos y masterizándolo lo justo para que el ruido de fondo tan molesto en otros estilos cobre vida y dimensión en el bluesy que practica.

Este documento sonoro es una obra de arte; podemos escuchar un Rythm and Blues y unas bases bluesrock muy intensas. Podemos captar desde “Johnny guitar” a “Blues this bad” sentidos de ritmo propios del baile de salón de los cuarenta, de cuando John Lee Hooker, Robert Johnson, Sony Boy Williamson y Big Joe Turner hacían que las jóvenes americanas movieran sus caderas al ritmo y antojo de sus músicas. También queda espacio para el medio tiempo en “Hard way” con un ritmo muy tribal y profundo donde el doblado de las guitarras y el bajo recoge a la perfección el sentir de la batería. Johnny sabe usar en sus discos una característica muy esencial del Jazz como los bombos sordos para hacer más compungidas las canciones lentas. Sabe, de igual forma, utilizar la guitarra de forma vertiginosa para crear punteos y solos que llenan la parte central del tema. Pero lo básico de Johnny es su sentido del ritmo, algo que el blues moderno ha perdido para dejar paso al sentimiento en exclusiva.

Muy recomendable para amantes del género, en especial para aquellos nostálgicos de los viejos vinilos y las grámolas de aguja de hierro donde el dolby que tanto daño ha hecho a la música no se aprecia.

Jesús Cabezas (Noko)

In the eyes of fire (Unearth) 2006

2006-09-26T18:56:00.000Z

Unearth vuelven para desenterrar el metalcore que parecía dormitar entre algodones, tras la separación de Sentenced, los discos de salón que se han marcado últimamente los In Flames, o las salidas de tono de bandas como Eidolon o los grandísimos Grip Inc (con Lombardo delante de los bombos) que han dejado saber amargo tras su último trabajo.

Este trabajo recupera la vieja esencia del “Hell awaits”, de los primeros Nuclear Assault, de aquellos lejanos Ludichrist, incluso de Dark Angel y todo su imperio de Dark Metal, muy aderezado también con tintes propios de la escuela germana de principios de este milenio tipo en ocasiones Crematory y en otras Rage. Si apuramos la opinión, merecen un respeto especial cuando son capaces a mi entender de llegar más fácilmente a la parroquia metalera con este disco que los propios Slayer han hecho con su “Christ illusions” de reciente factura.

Tal vez los oídos más endurecidos los tachen de blandos, de falso death, de simulacro de Slayer, pero es muy probable también que lo que esté blando ya sea su cerebro de tanto DeathMetalGrindCore como han aguantado sus pobres tímpanos. Unearth han engendrado un animal con nombre propio, que sabe hacia donde va y lo que quiere, y no se asusta al estirar los estándares del metal porque su propia furia y rabia lo hace poderoso.

Ken Susi y Buz McGrath junto al redoblante Mike Justian nos presentan un disco lleno de matices, de cambios de ritmo, de afilados riffs y vertiginosos punteos, con una producción más que notable y una masterización prodigiosa. Un trabajo excelente dentro de metal más potente y desgarrado.

Si lo tuyo es la caña, prueba a desenterrar la bestia, pero si tiendes a sonidos más lights, mejor déjala dormir tranquila.

Jesús Cabezas (Noko)

Phobia (The Kinks) 1993

2006-09-16T10:32:00.000Z

Hasta ahora el ultimo álbum de estudio de los legendarios Kinks. Infinidad de recopilaciones desde esa fecha, pero nada nuevo.

The Kinks son ese tipo de grupos surgidos de las profundidades de Inglaterra, que entre la neblina y los atardeceres han sido capaces de ganarse un puesto específico en la historia de la música rock. Teñidos siempre por la figura de los Beatles merodeando constantemente a su alrededor, ya desde sus comienzos allá por los primeros sesenta, denotaban un estilo muy propio, allá donde sólo saben moverse los grandes de la escena. Ray Davies no paraba de engendrar canciones para sus discos desde esa fecha. En una época dominada por los Beatles, los primeros Rolling, los estertores de Elvis, Cochran y los Crickets, en la que era muy difícil desenvolverse, The Kinks supieron adaptarse perfectamente y sellar un puñado de discos que ahí quedan para el deleite.

“Phobia” es el final de la cadena, es el grupo sonando en los noventa; está hecho de retazos, de pedazos, de retales, de grandes canciones que quedaron aisladas en los anteriores trabajos, tal vez eclipsadas por soberbias composiciones que merecían un lugar más elevado, no sé, pero lo que el señor Davies nos presenta en este trabajo es un extraordinario conjunto de temas rockeros que enganchan desde el primero. Tal vez sea un disco más excepcional por sus composiciones que por sus interpretaciones. Requiere tiempo su escucha, pero merece la pena. Como es capaz de modular la voz en “Wall of fire Mr Davies”, sólo se lo he oído a Willie Dixon, a algunas canciones de Tom Waits y poco más.

El cd en si es simple, con presentación normal semicutre, típico de los primeros noventa, aún sin remasterizar como sus predecesores, pero presenta 16 canciones con calidad extrema. Aprovecha la ocasión. Los Kinks acaban en “Phobia”.

Jesús Cabezas (Noko)

A matter of life and death (Iron Maiden) 2006

2006-09-13T19:55:00.000Z

Los amantes del heavy metal genuino y de raíces pueden estar de enhorabuena. La doncella de hierro ha vuelto con su último trallazo bajo el brazo y con una calidad extraordinaria. No merece la pena entrar a repasar la carrera de Maiden para situarnos, probablemente todos los que hemos oído su nombre también nos suena su biografía y legado.

Este “A matter of life and death” es un ataque directo a la yugular de aquellos que criticaron su predecesor “Dance of death”. El continuismo es la base esencial de Iron Maiden y esas líneas de bajo gomoso de Harris la esencia del éxito.

El disco en sí recoge diez temas muy estructurados, que dan cabida en “Different world” a bases maidenianas de los ochenta y en “For the greater good of God” a progresiones más típicas de sus álbumes de finales de los noventa y sobre todo a “Brave new world”. Es cierto, que, tras la escucha del último disco en solitario de Dickinson (avalado y compuesto en su mayoría por su eminencia Roy Z), se estaba demasiado alerta sobre lo que la doncella era capaz de dar en estudio (el directo es otra cosa, simplemente es suyo). “The Pilgrim”, “These colours don’t run” y varias más suponen un perfecto engranaje de la máquina en estudio. La participación de Janick Gers en la composición de algunos temas los ha hecho lógicamente más guitarreros y eso que Steve Harris suele bajar en las labores de producción y coproducción a gusto propio las guitarras sobre todo de Murray, y para exceso, en los discos en directo, pero no es el caso. Tanto Kevin Shirley como Steve Harris han sabido producir un disco exquisito, lleno de matices, con una buena canción de entrada y un recorrido bastante ameno.

Iron Maiden suenan a sí mismos, y dentro de su extensa carrera, este trabajo se gana un puesto privilegiado. Atrás quedan joyas del heavy como "Piece of mind" o "Powerslave"; pues bien, no dista mucho este álbum de aquellas obras maestras que encandilaron la música dura de los ochenta.

El cd se presenta en formato simple y en formato con caja acompañado con DVD que contiene el making off del disco, el vídeo de promoción y algunas galerías de fotos.

El único pero es la portada. Yo no sé de quién fue la idea de dejar marchar a su mejor dibujante, Pero siendo esto así, la verdad es que no se entiende muy bien como pueden salir a la luz portadas como la de su anterior disco de estudio. Esta no está mal, pero sigue rompiendo con la línea maestra de sus grandes álbumes.

Jesús Cabezas (Noko)

On an island (David Gilmour) 2006

2006-08-21T11:45:00.000Z

David Gilmour, como bien indica la enorme pegatina circular que viene pegada en la portada de este disco, es la voz y guitarra de la mítica aunque desaparecida banda londinense Pink Floyd. David Gilmour y Roger Waters, los dos líderes del ya extinto grupo, no se cansan de afirmar y confirmar que Pink Floyd no volverán a juntarse nunca más; que su histórica reunión en Londres el pasado 2 de Julio del 2005 durante el festival Live 8, no fue más que una anécdota motivada por el fin benéfico del festival en cuestión. Lo que parece estar claro es que, tanto uno como el otro, no le hacen ascos al hecho de utilizar el nombre de la banda que les hizo mundialmente conocidos ni al de aprovecharse de la enorme repercusión que tuvo dicha reunión, con tal promocionar sus proyectos en solitario. Mientras que Roger Waters se está recorriendo el mundo entero interpretando en directo el álbum “Dark side of the moon” (grabado hace 33 años ya); David Gilmour, actual propietario de los derechos y nombre del grupo, se presenta como “The voice and guitar of Pink Floyd” en este “On an island”. ¿Oportunistas?... quizás, pero teniendo en cuenta que individualmente jamás han logrado ni acercarse a lo que hicieron juntos, es comprensible esa necesidad de recordar a todas horas y a todo el mundo lo que hace tiempo fueron, para así hacer llegar sus discos en solitario al público y atraer a la gente a sus conciertos. En esta ocasión dejaremos a un lado al señor Roger Waters y nos centraremos en “On an island”, el nuevo trabajo en solitario de “The voice and guitar of Pink Floyd”, o sea, David Gilmour.

“On an island”, como no podía ser de otra forma tratándose de un álbum firmado por David Gilmour, es un disco en el que se han creado y trabajado cuidadosamente los ambientes sonoros y los paisajes musicales como en su día ya hiciera con Pink Floyd. La mayor parte de los temas tienen un fondo melancólico, incluso en ciertos momentos triste, y en todos ellos la guitarra eléctrica adquiere el papel protagonista, eso sí, compartido con el de las guitarras acústicas, los teclados y los sonidos sintetizados. Escuchándolo resulta inevitable acordarse de “A momentary lapse of reason” y de “The division bell”, los dos últimos discos de estudio de Pink Floyd, ya sin Roger Waters.

La voz susurrante y los solos de guitarra siguen conservando esa seña de identidad tan particular y característica de David Gilmour, aun llevando éste más de 12 años sin pasar por un estudio de grabación. No ocurre lo mismo con el espíritu de las canciones de este disco. Los temas están cargados de emoción y sentimiento, pero están totalmente carentes de fuerza. Es un disco ideal para ser escuchado en determinados estados de ánimo, aunque no es para nada aconsejable escucharlo en según que otros a menos que lo que se desee sea cambiar de un estado al completamente opuesto. Pero claro, no se puede obviar que “On an island” es un disco grabado por un señor de 60 años con todo lo que eso supone (sí, ya sé que hay unas cuantas excepciones). Al margen de composición, guitarra y voz, en "On an island" David Gilmour también se atreve con el banjo e incluso con el saxofón en el tema “Red sky and night”.

A pesar de ser un álbum de David Gilmour en estado puro, en este trabajo no está solo ya que cuenta con algunas interesantes colaboraciones. De entre todas ellas podría destacarse la de su esposa Polly Samson escribiendo y cantando algunas de las canciones del disco; la de la orquesta sinfónica dirigida por Zbigniew Preisner, presente en “Castellorizon”, el tema que abre el disco; la del que fuera teclista de Pink Floyd, Rick Wright, tocando el teclado en “On an island”, en el segundo corte del disco; o la de Graham Nash y David Crosby haciendo los coros también en “On an island”. Además, hay que hacer especial mención a la participación de Chris Thomas y Phil Manzanera en las labores de producción junto al propio Gilmour.

“On an island” es un disco correcto, algo alejado del notable pero correcto. Aunque las comparaciones sean odiosas, me veo en la obligación de decir que el que busque un bálsamo anti nostalgia Pink Floydiana, quizás aquí no lo encuentre del todo o sólo lo encuentre a medias. Como suele ocurrir en la mayoría trabajos en solitario de los componentes de tantas otras bandas disueltas.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Marathon (Saga) 2003

2006-08-17T12:49:00.000Z

Incombustibles. Con este ya son quince los álbumes de estudio de los canadienses Saga, desde que se formaron en 1977 en la ciudad de Toronto, bajo el nombre de Pocket.

La definición de su estilo siempre ha dado paso a discusiones, y es que hacen música de una manera muy personal y todos sus discos son inconfundibles, con sólo oír una pequeña parte de alguno de ellos ya sabes que esos son los Saga. Para poder orientarte te diré que se les acaba encasillando generalmente como rock progresivo, pero si eres adicto a este estilo puedes no estar de acuerdo, ya que no practican un progresivo puro.

Sus dos discos anteriores fueron “Full circle” (1999) y “House of cards” (2001), y hago referencia a ellos porque “Marathon” sigue con la tendencia marcada en estos trabajos. Por ello notaremos que la forma de trabajo es más fiel a los principios de la banda y no hacen arriesgadas experimentaciones como en otras ocasiones hicieron.

En Marathon encontrarás una interpretación actual del estilo clásico, obteniendo como resultado unos temas frescos y fáciles de escuchar.

La labor en los teclados es excelente y consigue crear las mejores atmósferas posibles para cada ocasión. Después de todo, las atmósferas han sido siempre una de las principales características de la banda, juntamente con la voz clara y muy personal de Michael Sadler. Precisamente la voz es uno de los elementos principales del álbum.

Las guitarras muestran en gran cantidad de ocasiones su faceta más dura con sonidos heavy y la batería mantiene un ritmo muy continuo que junto con el bajo consigue ese toque clásico.

Entre los once temas de los que se compone Marathon se encuentran tres entregas más de sus tradicionales temas-capítulo.

El primero que encontramos es el capítulo 14, al que llaman "Streets of gold", que empieza con una atmósfera con unos teclados sencillos y algo surrealistas, la cual no tarda en ser quebrantada por la guitarra con un ritmo rockero. Pero la voz y los teclados no tardan en hacerse protagonistas, situando a la guitarra en un plano secundario limitándose a alternar y repetir, hasta que se deshace de esa opresión para mostrar su maestría.

Respetando el orden de los temas, el segundo capítulo que encontramos es el número doce, y se titula “You know I know”. La canción muestra un diálogo entre susurros y la melodía de Michael Sadler, que transcurre bajo la supervisión de guitarras y teclados muy progresivos, hasta que llega el sencillo y atractivo estribillo que simplemente menciona el nombre del tema. Después de esto guitarra y teclados se lucen con un ambiente que comparte frescura y tensión.

“Worlds apart” cierra el disco, siendo el capítulo dieciséis. Empieza con unos coros y guitarra que te harán pensar que se trata de un cuento para niños, pero rompe esa sensación con unas guitarras contundentes y una voz con mucho ritmo. La melodía del tema es muy atractiva y posiblemente hará que vuelvas a escuchar el álbum entero sin dejar pasar ni un minuto.

Los temas, aún estar siempre en la misma línea, son bastante diferentes. “Hands up” es uno de los más destacables y en él se muestra de forma clara ese sonido tan clásico adaptado para los tiempos modernos. Lo mismo encontramos en el tema “Return to forever” en el que, además, las guitarras suenan metaleras.

Lástima que con tan buen panorama encontremos elementos no tan atractivos. Me refiero a la faceta más popera mostrada en los temas “Rise and shine” y “Breathing lessons”, que sin duda hará que muchos pasen por alto estas canciones cuando las escuchen.

Andrés Lorenzo (Crimson)

Honkin’ on bobo (Aerosmith) 2004

2006-08-06T18:06:00.000Z

Buenas noticias. Parece ser que Aerosmith han sentado la cabeza y vuelven al redil del rock & roll clásico que tan bien han sabido hacer durante toda su carrera y con el que a tantas bandas han influido a lo largo de la historia del rock. Desde la publicación de “Get a grip”, allá por 1994, hacía muchos años que no se podía nombrar a Aerosmith en círculos hard rockeros sin que esto fuera motivo de sonrojo. Quizás en todos estos años los de Boston hayan contado con las tías más buenas de Norte América para el reparto de los videoclips de sus baladas. Quizás hayan asistido a más desfiles de moda y estrenos de Hollywood que en toda su vida. Quizás hayan sido los protagonistas de la cadena musical MTV y hayan ido a todas las ceremonias de entrega de premios habidas y por haber, dejándose retratar con toda clase de personajes y personajillos del mundo de la música. Lo que está claro es que musicalmente no han dejado de hacer el ridículo, llegando a conseguir que muchos de sus antiguos seguidores dejaran de serlo.

Se podría decir que “Honkin’ on bobo” es un intento de reconciliación por parte de Aerosmith con el rock & roll y por extensión con sus seguidores de toda la vida, y digo intento porque este álbum no es otra cosa que un disco de versiones de clásicos del blues, por lo tanto habrá que esperar un poco más y ver qué hacen en el momento en que tengan que encerrarse en el estudio para componer y grabar sus propios temas.

Como ya he dicho en más de una ocasión, creo que todos los grupos con una carrera musical lo suficientemente amplia como para no tener que preocuparse por aparecer en los rankings de ventas, deberían hacer un disco de versiones de sus máximas influencias. No sólo porque siempre está bien rendir tributo a aquellos músicos gracias a los cuales uno es lo que es, sino también porque es una forma de darlos a conocer a sus seguidores más jóvenes. En este caso Aerosmith no homenajean a ningún músico en particular sino a un género musical tan importante para el origen y evolución de lo que hoy entendemos por rock, como es el blues.

Por “Honkin’ on bobo” desfilan temas clásicos de músicos como Muddy Waters, Fred McDowell, Little Walter o Peter Green, todos ellos interpretados con el particular sonido de Aerosmith. Steven Tyler ya puede cumplir los años que quiera que, a diferencia de otros vocalistas más jóvenes que él, no ha perdido ni una gota de su potencia, de su garra ni de su personalidad frente al micrófono. En cuanto a Joe Perry, parece como si sus tratamientos de rejuvenecimiento facial y de estiramiento de careto también se hubieran prolongado hasta los dedos de sus manos porque sigue conservando ese estilo en las seis cuerdas con el que tan buenos temas ha facturado a lo largo de su carrera. Si bien es cierto que Dios no le ha llamado por el camino de la interpretación vocal, los dos temas que canta Perry en este disco son más que aceptables. Además de los rasgos más característicos de Aerosmith como son la guitarra y la voz, en este disco tiene una gran importancia el sonido de la armónica, imprescindible en cualquier blues que se precie. Tanto es así que es una armónica la que preside la portada del disco y en algunas ediciones de coleccionista incluso se regalaba una en miniatura en forma de llavero.

“Honkin’ on bobo” son tres cuartos de hora de buena música repartidos en doce cortes de los cuales no sobra ninguno. Es posible que el disco se haga un poco corto de duración, pero como lo importante no es la cantidad sino la calidad, siempre es mejor quedarse con las ganas de volver a escucharlo de nuevo que no tener que pasar alguna pista antes de que ésta acabe. En resumidas cuentas “Honkin’ on bobo” es un más que merecido homenaje al blues, de una de las bandas más importantes de la historia rock.

Como dice el siempre útil refranero popular español, “nunca es tarde si la dicha es buena”, y si “Honkin’ on bobo” ha de ser el disco que devuelva la dignidad musical a Aerosmith y va a suponer el retorno al buen camino del que nunca deberían haberse alejado, pues bienvenido sea, pero no nos precipitemos y esperemos a la publicación de nuevo material discográfico propio antes de hacernos ilusiones. Dios quiera que no tengamos que ponernos las manos en la cabeza de nuevo.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Surfin’ Tenochtitlan (Los Coronas) 2006

2006-07-31T07:03:00.000Z

El rock en España está relegado al ‘underground’ perpetuo. Si hablamos de instrumental sobran las disertaciones. Pero a veces las cosas caen por su peso: el tiempo las pone en su lugar. A mediados de los noventa Quentin Tarantino consiguió con ‘Pulp fiction’ que sus imágenes impulsaran comercialmente el rock and roll surfero. De repente, muchos se interesaron sin extrañeza por los discos de Dick Dale. Algunos años antes, en 1991, Fernando Pardo y su séquito (la columna vertebral de Sex Museum) formaron Los Coronas, la primera banda hispana que practicaba música surf.

Quince años que ahora aparecen resumidos en ‘Surfin’ Tenochtitlan’ (Gaztelupeko Hotsak, 2006), un recopilatorio apetitoso, ya no sólo por reunir material difícil de encontrar, sino porque todas las canciones han sido grabadas de nuevo. Óscar Ibarra se incorpora con su trompeta y Néstor “El Chivo” aporta percusiones, con lo que cortes como ‘Youza’ o ‘Supertubos’ suenan todavía más poderosos. Además, abre el disco la versión inédita de ‘Polk salad Annie’, original de Tony Joe White.

La imaginería azteca de la portada responde a la conexión latina con el rock and roll. Es un paseo por los paisajes del surf. Las playas, el desierto, la carretera, la cerveza fresca… No se puede decir más sin un cantante, ¿quién lo necesita? El líder y guitarrista Fernando Pardo es una enciclopedia sonora, un catedrático del rock bien entendido y un sagaz disparador de riffs. Los Coronas limpian, fijan y dan esplendor a una tradición musical chispeante, que tiene sus referencias básicas en aquellos años cincuenta y sesenta de seriales policíacos en televisión y en las canciones de The Ventures, The Sentinals...

En México pueden permitirse giras y honores, mientras que en España apenas costean el estudio de grabación con los bolos. Pero que nadie se engañe. Los Coronas no es un grupo de serie B. En semejante tesitura están Los Straitjackets, abanderados del género en Estados Unidos desde hace dos décadas, que confiesan en ‘petit comité’ la supremacía de los madrileños. Y todo un gurú radiofónico de la costa californiana como Phil Dirt también está en la cola de aduladores de Los Coronas.

Las viandas están servidas. Prueben el diálogo a las seis cuerdas de Fernando Pardo y David Krahe (apellidos genealógicos y músicos de pedigrí), al vigoroso Javi Vacas en el bajo, o los ritmos convulsos del baterista Roberto Loza. Sienta bien esta ración de Los Coronas. Es la música que convierte en buenos los malos ratos y que hace aún mejores los días de sol. ¡Porque la vida puede ser maravillosa!.

Eduardo Tébar

Neighbourhell (Eldritch) -2006-

2006-07-19T07:52:00.000Z

La todopoderosa compañía y sello SPV edita el que ha sido sin lugar a dudas el mejor trabajo de los italianos Eldritch.

Italia aporta cantidad de grupos de la escena heavy al mercado, pero no necesariamente la calidad va ligada a la masa. Se me vienen a la cabeza nombres como Domine o Luca Turilli en solitario, con sus interminables discos. No es precisamente Italia un país prolijo en calidad musical de matiz duro y metalero. No obstante, excepciones tipo Lacuna Coil o los propios Eldritch confirman la regla.

Este álbum abre caminos nuevos para la banda, adentrándose con suma perfección en un powertrash muy logrado con riffs asesinos que marcan la diferencia con sus anteriores trabajos más ligados al power y a la melodía. Terence Holler tiene y muestra una versatilidad vocal que permite al grupo afrontar canciones con solvencia natural en distintos tonos.

Hay que ser muy buen cantante para entonar “Still Screaming” y no quedarse ronco en las partes “lights”. Por momentos suenan a los Agony y Anvil canadienses, por otro lado mantienen líneas directas con Helloween, y el estilo progresivo de cada tema con distintos cambios de ritmo los acercan a unos Symphony X sin que Michael Romeo planee demasiado. Toda una amalgama de sonidos que los conceptúan dentro un genero poco definible y que los hace a la vez grandes y preparados para el gran salto.

Tras quince años de trabajo queda muy bien celebrarlo con este “Neighbourhell”. Dentro de una escena italiana y europea superpoblada de material metálico es una obligada escucha para los amantes del género. Quedarán prendados de la voz y la capacidad de Holler y del grupo en general.

Jesús Cabezas (Noko)

The party ain’t over yet (Status Quo) 2004

2006-06-27T17:45:00.000Z

Cuidada presentación la de la segunda reedición de la última entrega de lo Quo. Les ha dado tiempo de girar, de grabar, de filmar y de editar otra vez el mismo disco con un suculento segundo compacto de mixes, directos, medleys y contenidos multimedia varios. Es lo que tiene la industria. Te compras el cd en el 2005 a 18 Euros y en menos de un año está más barato y con más contenidos. Amén de cuidadas presentaciones. Menos mal que no está remasterizado; tanto no ha cambiado el sonido.

En fin, cuestiones varias aparte, este disco de uno de los grupos más grandes que ha parido el circuito rock internacional, mantiene la atención de sus seguidores y sigue la línea de su antecesor "Heavy Traffic", si bien en este trabajo encontramos más reminiscencias al rock de los cincuenta. No en vano, justo antes de editar “Heavy Traffic”, dieron rienda suelta a sus gustos lanzando al mercado un cd de covers de los años cincuenta titulado "Famous in the last centuries".

En mi opinión Status no han alcanzado nunca una cota que los sitúe en un nivel en el que su música sea reconocida sólo al oírla. Siempre han pecado de mostrar en sus canciones enormes influencias del rock y R&B de los años dorados. Aunque si bien hay que reconocer que en esto, en saber plasmar con maestría soberbia sus influencias rockeras, son únicos. Nadie en este planeta sabe recoger lo mejor del rock cincuentero y mezclarlo con el sonido actual para dar a la luz brillantes trabajos. Es como escuchar nuevas composiciones de Bo Diddley o Little Richards (de la época anterior a su proyecto cristiano) en el salón de tu casa en los años ochenta, noventa y dos mil.

“The party ain’t over yet” tiene temas comerciales (precisamente el que da título al álbum), medios tiempos a lo Memphis Tenesse, líneas de guitarras que rozan el hard rock y mucho rock. “Gotta get up and go” resume en una canción lo mejor de Berry, de Bo Diddley, de Ray Charles y de Gene Vincent pasado por la coctelera que Francis Rossi (uno de los guitarras y uno de los cantantes) tiene en su cabeza a la hora de componer.

Tienen trabajos mejores, y también peores. Esta es su última entrega y se queda en un correcto disco de rock, discreto, pero correcto.

Jesús Cabezas (Noko)

The complete Gratest Hits (Eagles) 2003

2006-06-11T10:42:00.000Z

Buen recopilatorio el que nos traemos entre manos de los conocidos Eagles. Editado en formato de lujo, caja con relieve y en doble cd con libreto de 30 páginas a todo color con explicaciones de cada una de las canciones, su creación y su grabación, nos encontramos con una muy buena selección de los temas más representativos de este grupo. El hecho de que el álbum en cuestión haya sido producido por los mismos Eagles y que la selección de las canciones haya corrido por su cuenta, es un punto a favor en detrimento de tantos y tantos recopilatorios malos (que no baratos) que nos hacen tragar las compañías revendiendo una y mil veces lo mismo. Canciones remasterizadas y en orden cronológico de edición al mercado.

Eagles son un grupo que practica un rock suavón de los setenta, a veces impregnado de raíces y matices country rock como podemos observar en “Witchy woman”, en “Doolin-Dalton” y sobre todo en “Midnight flyer”. Muy conocidos por “Hotel California” básicamente, este doble cd nos acerca un poco más a los entresijos del grupo mostrándonos grandes canciones como la balada “Desperado” de su homónimo álbum con un piano delicioso que bien podría haberlo firmado el mismísimo Johnnie Johnson, o la inicial “Take it easy” muy cargada de melodía. Muy apoyados en guitarras acústicas y en pianos eléctricos, se mueven entre la canción fácil recogiendo esencia Who de los sesenta y Beatles y el rock inicial de los primeros setenta en temas como “Already gone” que nos hacen recordar mucho a Status Quo. Tampoco debemos llevarnos a engaño pensando que Eagles son parecidos a multitud de grupos de aquellos años o anteriores, tienen personalidad suficiente como para que sus composiciones sean signos evidentes de su propio estilo, de eso se han encargado muy bien todos sus miembros, desde Don Henley, Glenn Frey o Don Fólder, entre otros.

Volviendo al álbum seguimos tropezando una y otra vez en temas de corte acústico, muy entremezclados con otros de matiz hard rockero, podemos prestarle atención a “James Dean” para comprender mejor la situación rockera de Eagles. Es, en definitiva un viaje por la escuela Eagles, atendiendo a materias de orden melódico y fraseos rockeros de guitarras Fender.

Como curiosidad comentar que su álbum “Hotel California” debe su título al fallecido Antón La Vey, fundador de la iglesia satánica (qué miedo), que tenía su primera sede en un hotel reformado de la calle California. De hecho, Antón La Vey sale en las fotos del álbum. Así que, cuidado, no escuches lo que Eagles pueden decirte.

Jesús Cabezas (Noko)

IV (Godsmack) 2006

2006-06-08T06:03:00.000Z

La banda de Sully Erna vuelve al asalto del postgrunge de la mano de este su cuarto trabajo de estudio de título cuanto menos curioso: IV. Llama la atención que en su primera semana ya haya vendido 200.000 copias sólo en los EE.UU.

Atrás quedan tres discos repletos de melodía entre los que se sonsacaban buenos cortes que hacían y hacen recordar a los Metallica del “Load” un pelín edulcorados, pero que tal y como andan los reyes del Trash mejor esto que otra cosa.

Godsmack suenan muy compactos, con un estilo que es predecible desde la primera canción, es más, creo que han dado el salto definitivo en su sonido para instalarse con soberbia en un rock duro de matices hard rockeros. Su primer single para radios “Speak” deja claro el derrotero que va a seguir el disco, punteos muy logrados con el Wah Wah de fondo y rasgueos en las estrofas denotan claramente un estilo que hace tiempo se puso de moda. Con la fuerza y la rabia del rock duro, pero muy asentados. Si escuchamos atentamente “The enemy” observaremos la faceta más Trash de Godsmack volando y planeando sobre estribillos a lo Metallica. De igual forma también son capaces de introducirnos en melódicas composiciones acústicas en “Hollow” o de incluir algún que otro guiño tribal en “Voodoo too”.

Personalmente me dejó mejor sabor de boca su “Faceless” que este último trabajo, pero también hay que reconocer que moverse con soltura y con equilibrio en esto del rock, hoy día, es algo muy difícil, y que la innovación y la rienda suelta de los instintos musicales de los músicos a veces se queda en casa porque de ello dependen las ventas.

Godsmack ha editado un buen disco de rock, de hecho tienen una discografía bastante buena, que impacta más en EE.UU. que en Europa, y que su multinstrumentista Sully Erna sabe conducir con maestría dentro de un genero en el que el anclaje definitivo en las estereotipias básicas del rock dejan claro la apuesta de estos cuatro músicos.

Jesús Cabezas (Noko)

The Village Lanterne (Blackmore's Night) 2006

2006-06-05T12:43:00.001Z

Hablar de Ritchie Blackmore es prestarle atención al creador de las bases del rock duro. Desde “In Rock” con los Purple hasta sobre todo su discografía en Rainbow, ha sido un estandarte e icono en el mundo del rock como alguien que creó y crea escuela.

Ritchie es un tipo extraño, huraño, y al parecer, arisco. Pero como lo que importa de un músico es su música, su personalidad interesa más bien poco. Magnas obras del calibre de “Burn”, “Highway Star”, “Smoke on the water”, “Eyes of the World” o “Makin love” han salido de la cocina del hombre de negro. No es de extrañar que sus más acérrimos y fieles seguidores se rasguen las vestiduras cuando escuchan su proyecto Blackmores’s Night que nos mantiene en un aura romántica con tiempos acústicos-medievales que tanto gustan a su mujer, pionera Candice Night en tirar de la cuerda de Ritchie para este proyecto.

Centrados en el álbum, y sin recordar quién es el que compone y toca, nos topamos con un trabajo muy sobresaliente, sin salirse del parámetro medieval y de las mandolinas, pero con temas verdaderamente bonitos, cargados de melodía y de sentimiento. Candice se sale literalmente en su papel de cuentacuentos cantarín. Tiene un registro magnifico e impregna cada una de las canciones a las que presta su sutil voz. Parece, o me da la espina, que este álbum es la antesala de algo grande; nunca Ritchie en sus anteriores trabajos en Blackmore’s Night había utilizado la guitarra eléctrica tanto, y mucho menos alguna leve distorsión de colchón para determinados compases de algunas canciones. De todos es sabido que sus malas relaciones con Purple se relacionan con el manager de éstos. La etapa de Blackmore’s Night toca techo con este disco a mi entender, y planea la expectación de una nueva reunión del Mark II o quien sabe si del Mark III.

Se presenta en formato simple y en formato doble enmarcado dentro de tela negra con un segundo cd en el que Joe Lynn Turner canta uno de los temas. Tal vez sea la contrapartida por dedicarle éste último un tema en su disco del pasado año “The usual suspects” de título “Unfinished bussines” (trabajos interminados), curioso cuanto menos.

SPV sigue apostando fuerte editando estos trabajos dentro un ámbito puramente metálico. Aunque, alguien como Blackmore no se debe dejar pasar; y es que, a nadie amarga un dulce.

Jesús Cabezas (Noko)

Classic diamonds (Doro) 2004

2006-06-02T19:48:00.001Z

Doro Pesch es, junto a Lita Ford y Sabina Classen de los resurgidos Holy Moses, el estandarte femenino del Heavy Metal de los ochenta. Rubia, alta y con soberbia delantera se atrevió en su época a lanzarse al estrellato del rock duro con una base de buen rock y pesado metal. Supo adaptarse a las críticas y conseguir junto a sus compañeros de viaje de Warlock algunos álbumes más que notables, especialmente “Triumph and Agony”. Supo, de igual forma, traspasar la frontera que suponía ser frontwoman en el escenario heavy de entonces. Hoy día Nightwish, Within Temptation, Arch Enemy, Tristania y muchos otros apuntados al carro del rollo gótico, deben agradecer a Doro el estatus que actualmente poseen.

Doro, lejos de achicarse cuando Warlock arrivó a puerto allá por los muy primeros noventa, supo desenvolverse con soltura como solista y lanzó al mercado algunos trabajos muy dignos (“Angels never die” y "Love me in black”, amén del multiventas “Fight”).

Con un single de adelanto de su nuevo trabajo para este 2006 llamado “Warrior Soul” presentamos por el contrario su anterior compacto de título recopilatorio (“Classic diamonds”). Resulta ser un recorrido por la historia de Doro, desde Warlock a Doro-Warlock y hasta su etapa como Doro solista. Títulos de la talla de “All we are”, “Für Immer”, “Metal Tango”, “Love me in black” e incluso “Burn it up” se mezclan en este disco con una orquesta que hace que estos himnos cobren un sentido especial y distinto del propósito con el que nacieron y vieron la luz. Recoge el álbum una versión de Judas Priest que no deja de ser curiosa en su interpretación con respecto a la original, y que hace pensar que, ya que son muchas las bandas que se han apuntado al carro de orquestar sus temas antiguos, podrían haber sido Judas Priest quienes, en lugar de editar otro tedioso recopilatorio con lo mismo de siempre, podrían, digo, haber lanzado un disco en condiciones como ha hecho Doro, reinventándose dentro de su concepto.

El cd se presenta en digibook muy cuidado y con un video clip de “Let love in rain” muy logrado.

En definitiva, si quieres un paseo por la carrera de Doro, este es tu disco. Mientras unos y unas escuchaban y escuchábamos a Susana Hoffman y sus “Bangleadas” en aquellos ochenta, otros y otras también (o no) escuchábamos a Warlock con Doro al frente.

Jesús Cabezas (Noko)

Mejor morir en pie (Tierra Santa) 2006

2006-05-27T20:26:00.001Z

Vuelven a la carga los riojanos con una nueva entrega bajo el brazo de nombre “Mejor morir en pie”. Parece que poco a poco van entonando su propio estilo y dejando clichés que los anclaban en estilos “maidenianos” y en el heavy más clásico. Este disco es el tránsito natural desde “Apocalipsis” donde ahondaban en raíces rockeras del tipo Motorhead para adentrarse en el hard rock más setentero, bebiendo directamente de fuentes tan sublimes como los primeros Deep Purple con esos teclados a lo John Lord y esas guitarras que se solapan, con mucho ingenio, con las propias bases de teclados.

Que nadie piense que se trata de un disco totalmente distinto a lo que en realidad Tierra Santa representa, pero sí que supone una nueva vuelta de tuerca en sus principios rockeros. Más bien parece como si a Ángel (cantante, guitarrista y mayor compositor) le vienen las musas en función de la música que va escuchando. Y, sin en discos como “Legendario”, “Sangre de Reyes” o “Indomable” se notan claras influencias de los de la doncella, en este nuevo trabajo se notan influencias setenteras. Y, en mi opinión, con mucho más regusto que en sus anteriores lanzamientos.

Otro aspecto de definitivo despegue es el tratamiento de las letras. Tierra Santa siempre ha lanzado al mercado temas con letras y temáticas medievales o de historia antigua contadas a modo de cuentos, lo cual en la parroquia Heavy del país no sentaba ni sienta excesivamente bien. Este álbum tiene una temática diferente, parece que se han hecho eco de las críticas y han decidido dejar de contarnos la vida de grandes caballeros, la cultura egipcia o monstruos tan perversos como Drácula, para adentrarse en temáticas tan diferentes como el amor, la amistad y la condición humana. No estamos tampoco ante ningún poeta urbano, pero el sabor de boca y regusto final del disco en cuanto a letras es diametralmente opuesto al de sus anteriores entregas.

Para terminar, Tierra Santa tiene un lugar privilegiado en lo alto del panorama Heavy nacional y se está haciendo un hueco importante en Latinoamérica y Europa gracias a su constancia y entrega. Bandas como Warcry, Avalanch y otras muchas deberían aprender de los de Logroño en cuanto a tenacidad y valentía en otros mercados no nacionales.

Recorrerán la piel del toro durante todo Junio y Julio. En directo, aunque muy pasivos, clavan sus temas con precisión milimétrica y merece la pena tomarse una copa viendo a estos músicos.

Jesús Cabezas (Noko)

Made in Switzerland (Gotthard) -2006-

2006-05-11T19:20:00.000Z

Han vuelto a sorprendernos. Mucho se había especulado sobre la salida al mercado de este pack CD+DVD en directo de los suizos, pero al final ha visto la luz y con una producción más que notable. Hoy día los directos requieren un algo que los haga distintos de lo habitual, es difícil encontrar ese algo, pero este disco lo tiene, tiene feeling.

Gotthard han escogido su tierra natal para grabar su directo (se echa en falta más público en el DVD para ser su país) y se nota cómo la audiencia corea cada una de las canciones. Rompe el directo con “All we are” y “Dream on” de su multiventas “Lipservice”, no baja el nivel en temas como la famosa “Let it be” o la enorme balada “One life, one Soul” que definitivamente se ha convertido en himno sagrado de este grupo. Y, aunque se echa en falta el hecho de haberse quedado cortos en el repertorio y sobre todo falta de temas de etapas anteriores como “Lonely people” o “Human zoo” sin remontarnos tanto, sí que la comunión entre público-grupo-producción-sonido es extraordinaria. Temas como “Lift U up” y “Homerun” suenan sublimes y atronadores.

Gotthard se han ganado un puesto privilegiado en el Hard rock melódico, por algo llevan ejerciéndolo desde hace más de una década.

Si tienes oportunidad y no los conoces demasiado hazte con este trabajo que en realidad recopila casi lo mejor de su último lustro, y así de paso se le echa un buen vistazo a su último trabajo de estudio “Lipservice”.

Jesús Cabezas (Noko)

Hollywood Zén (Matt Sorum) -2003-

2006-04-22T19:06:00.000Z

Matt Sorum, el "monstrenco" que se recorrió medio mundo tocando la betería con los Guns N' Roses, se baja del taburete para colgarse una guitarra, ponerse delante de un micro y empezar a componer. El que en mi opinión es uno de los mejores baterías de la historia del rock, publica el que en mi opinión es uno de los peores discos salidos de Hollywood de la historia. Aquí lo hace todo: compone, canta, toca la guitarra y toca la batería; pero como dice el famoso dicho popular español: "Zapatero a tus zapatos".

Con una voz de conejo para nada acorde con el aspecto físico con el que todos lo conocimos y unas composiciones musicales de lo más vulgar, Matt Sorum se atreve a publicar un disco de once temas que dan tumbos entre el pop, el rock y la música electrónica. Hasta sonidos hindús y guitarras españolas mete el colega. La verdad es que el disco empieza medio normal con "The forgiving kind", un tema de rock ligerito que no es nada del otro barrio pero que aún tiene un pase; aunque no hace falta esperar mucho para darse cuenta de que el disco no vale ni dos cigarros. El segundo corte, "Hallucination Lullabye", yo lo calificaría como una combinación musical entre Lou Reed y Massiel. El estilo de canción es claramente Reediano con unos versos entre cantados y hablados al más puro estilo "Walk on the wild side", y el estribillo consiste en un inacabable "Lalala" que da vergüenza ajena escucharlo. Y aquí se acaba el disco, no vale la pena continuar escuchando los nueve temas restantes a no ser que se sea un amante del sadomasoquismo musical.

Como único apunte positivo o que puede despertar el interés de alguien por este "Hollywood Zén", es que en "The blame game", el cuarto tema del disco, Matt cuenta con la colaboración de Slash (sobran presentaciones), el cual debería de elegir mejor los proyectos en los que colabora y valorar más la calidad de estos si no quiere acabar dándole la razón a su gran amigo Axl Rose sobre este tema.

En fin, está visto que el actual batería de Velvet Revolver parece estar más por la labor de figurar, vestir caro, peinarse moderno e ir a mil y una fiestas con modelos que bien podrían ser sus sobrinas; que por hacer lo que mejor sabe hacer que es tocar la batería. Y si eso pasa por grabar un disco como solista, pues la calidad de éste es lo de menos, lo importante es salir en la portada y que te monten una página web con poca información pero con una galería fotográfica y una sección de enlaces en la que se haga referencia a tus marcas de ropa preferidas.

"Hollywood Zén", un grandísimo disco para lanzárselo a tu perro y que te lo vaya a buscar en una tarde tranquila por la playa. Lástima de CD virgen...

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Greatest Hits (Chuck Berry) -1997-

2006-04-07T20:53:00.000Z

El Rey del Rock. Esta frase la tenemos grabada a sangre y fuego en nuestra cabeza ya que las compañías se han dedicado a esculpirla concienzudamente en cada reedición de los discos de Elvis.

Chuck Berry es negro, toca la guitarra desde los años cincuenta y tiene a sus espaldas tantos éxitos que es difícil definirlo por uno de ellos solamente. En aquellos años cincuenta en los que para los norteamericanos lo que primaba tras el Soul era Elvis, los Everly Brothers, los Shadows quizás, y demás artistas de raza blanca, Chuck Berry junto a Little Richards despuntaban con su rock and roll fresco y talentoso; eran estupendos arreglos de la música negra de los años treinta y cuarenta. Chuck Berry era el verdadero rey del rock, aunque fuese negro y aunque no hubiese creado un estilo de vida o un movimiento social basado en el tupé y el baile.

Cincuenta años después, sus canciones se suceden en todo el planeta y se le rinden tributos a una de las pocas leyendas vivas del rock and roll que nos queda hoy día. Recuerdo grandes versiones de Status Quo de “Memphis” y de “Roll over Beethoven” entre otras.

Recomiendo este grandes éxitos porque es una manera muy sencilla de acercarse a la música de la que han mamado tantos grupos setenteros y sesenteros. Escuchar “Johnny B. Goode” tocada originalmente por Berry con las guitarras de la época y la saturación de sus amplificadores para distorsionar el sonido es todo un lujo.

Es probable que pasar de escuchar a los Nickelback, Nirvana, Nine Inch Nails e incluso Metallica, a degustar temas de Chuck Berry sea complicado si antes no has mamado mucho Rainbow, Led Zeppelin, Rolling, Black Sabbath, Status Quo y si se me apura Kiss, Yes, Judas o Eric Burdon, pero lo cierto es que como curiosidad queda bien, y, si te gusta, puedes adentrarte en toda su discografía, que es amplia y variada.

Destacar entre todas estas canciones del cd que nos ocupa temas representativos de la carrera de Berry como “Memphis”, “Thirty days”, “Roll over Beethoven”, y, por supuesto “Reelin’ and Rockin’”.

Jesús Cabezas (Noko)

System X (Impellitteri) -2002-

2006-03-31T19:02:00.000Z

A la caza y acecho de Graham Bonnet

Impellitteri es el grupo del guitarrista Chips Impellitteri, que, para la ocasión que nos ocupa, ha fichado para los trabajos vocales a Graham Bonnet, el afamado cantante de Rainbow. No voy a esconder mi debilidad por este hombre, de hecho, por mi nunca se hubiera producido la transición de Bonnet a Joe Lynn Turner. Del "Down to Earth" a los tres siguientes hay abismos de diferencias.

El caso es que, movido por los hilos de la búsqueda continua de material de Graham. Bonnet, me encontré con este trabajo del año 2002 que a mi entender resulta bastante interesante. Es un Heavy Metal muy bien definido, con ciertos aires y guiños a los ochenta. Los riffs y los punteos son propios de alguien que monta un grupo en base a su propia creatividad, en este caso Impellitteri. Este hombre no es tan pesado en el escuchar como Malmsteen pero se nota su ego y su delirio en la guitarra. Se apoya más en los riffs que los punteos y sabe sacar mucho provecho de sus composiciones, aunque, como en tantos otros grupos similares, lo que prima es la guitarra, relegando a un tercer plano el resto de instrumentos e incluso me huele que algunas partes de batería están programadas.

En este disco, cobra protagonismo la voz, lógico por otra parte siendo Graham Bonnet. Este cantante lleva en la brecha del rock duro treinta años largos y casi todos sus trabajos como sus colaboraciones me han resultado siempre exquisitas. Siempre ha sabido escoger aquellos ofrecimientos que resultaban interesantes. Graham Bonnet, dentro de la escena Heavy tiene un puesto elevado. Se mueve con soltura y su sobrada voz partida y cervecera le hacen encajar perfectamente por ejemplo, en este "System X" de Impellitteri.

A tener en cuenta "Rock and Roll Heroes", "Perfect crime" y "Gotta get home".

Jesús Cabezas (Noko)

La última carta de Sandinoche (El Alquimista) -2005-

2006-03-26T08:58:00.000Z

Estaba totalmente convencido de que jamás llegaría a escuchar este disco. Han pasado más de dos años y medio desde que, en Julio de 2003, Gonzalo Valdivia comenzara la grabación de “Sandinoche”. Desde entonces hasta el momento de su “publicación”, no han sido pocos los acontecimientos que han ido sucediendo en el entorno de El Alquimista.

A través de su página web, el propio Gonzalo fue escribiendo un diario en el que explicaba de forma pormenorizada cada una de las sesiones de grabación, y desde el principio ya se empezaba a intuir que “Sandinoche” no iba a ser un disco normal. Los diversos problemas con las herramientas de grabación y mezcla, las incomprensibles pérdidas de algunas pistas de audio, la peregrinación por diferentes estudios de grabación de Zaragoza, o las duras negociaciones con diferentes empresarios del sector discográfico por tal de encontrar alguna editorial que quisiera publicar el álbum, fueron algunos de los problemas más notables de los que fue víctima “Sandinoche” durante su proceso de gestación. Tomándoselo en todo momento con sentido del humor, Gonzalo hacía referencia a “Sandinoche” como “El disco imposible”, llegando incluso a solicitar la ayuda de un exorcista para acabar con los malos espíritus. Bromas aparte, lo más duro aún estaba por llegar.

Finalizada la grabación y masterización del LP, desde la casa discográfica se tomó la decisión de distribuirlo inicialmente sólo en México. El Alquimista siempre tuvo una gran aceptación por tierras mexicanas pero existían dudas sobre el éxito que podría tener el disco en España tal y como están las cosas en el mundo de la música de nuestro país. En enero de 2005 “La última carta de Sandinoche” (como finalmente se había rebautizado al disco) aterrizó en México, pero por una serie de problemas burocráticos nunca salió de la aduana. “El disco imposible” ni llegó a las tiendas españolas, ni llegó a las tiendas mexicanas, y a día de hoy, todavía permanece requisado por la policía de México. Los únicos ejemplares que actualmente existen son los 300 que se consiguieron recuperar y que Gonzalo Valdivia puso a la venta durante la gira de presentación de “The Wall Performance”, el espectáculo homenaje a Pink Floyd en el que se embarcó en invierno de 2005, y las que actualmente están siendo vendidas en esta y en otras páginas web. Una de esas copias salvadas es la que yo poseo y que a continuación, después de este “breve” prólogo, pasaré a analizar.

Cuando abrimos “La última carta de Sandinoche” nos encontramos con un disco de El Alquimista cien por cien. Pese a que el tándem formado por Gonzalo Valdivia y Salva Honrubia no se encontraba en un estudio de grabación desde 1996, año en el que se registró su primer trabajo homónimo; y que “Babia”, el anterior LP de El Alquimista, fue grabado en 1999; la huella dactilar musical de El Alquimista permanece totalmente intacta. “La última carta de Sandinoche” es un disco plagado de matices musicales y de ambientes sonoros cuidadosamente creados, en el que unas melodías melancólicas de piano combinadas con unas letras enigmáticas y unos optimistas solos de guitarra, dan como resultado un cóctel de géneros musicales marca de la casa. Hay temas instrumentales como todas las partes de “Sandinoche” (que son tres) y “Claro”, en los que el piano adquiere el papel protagonista. Hay otros como “TV ICE” y “Crepus”, también instrumentales, que tienen un corte claramente rockero con unas guitarras eléctricas de elevada ganancia en los amplificadores. Y el resto, de estilo difícilmente clasificable, son temas cuyas letras invitan a la reflexión y en los que las guitarras y el piano se mezclan de una forma muy elavorada. Todas las canciones han sido muy trabajadas y se aprecia que durante su grabación no se ha pasado por alto ningún detalle. “La última carta de Sandinoche” es el resultado perfecto de unir todos los elementos esenciales en esto de la música: la composición, la interpretación, la grabación y la producción.

Cabe destacar las colaboraciones en el disco de una serie de amigos de la familia Alquimista. Entre ellos se encuentra David Casanova en las guitarras de “TV ICE”; Magida Nihlaui en las voces femeninas de “Un nuevo color” y “Crepus”; el Dr. Melo en la guitarra de “La canción del pastor” y algunas voces de “Saber que no sonríes”; Eduardo Sánchez en el teclado de “TV ICE”; y evidentemente Juan Valdivia en la composición de las melodías de “La canción del pastor” y “Crepus”, en esta última marcándose un solo de guitarra como los que únicamente él sabe hacer. Además, en esta ocasión El Alquimista cuenta con la activa participación de Quique Casanova en la batería y Senda Romero en el bajo, dos Alquimistas de toda la vida.

Algunos ven señales de la influencia de Pink Floyd en este disco, otros ven mucha similitud con algunos temas de “Trigonometralla”, el disco que Gonzalo Valdivia grabara y produjera junto a su hermano Juan Valdivia en el año 2001. A mí personalmente “La última carta de Sandinoche” me suena a El Alquimista y sólo a El Alquimista. Era difícil superar un disco plagado de grandes temas como fue “Babia”, pero yo me atrevería a decir que Gonzalo lo ha conseguido. En “La última carta de Sandinoche” se ve a un Gonzalo Valdivia más maduro y mucho más experimentado musicalmente, aunque su corta discografía no lo demuestre. Pero es lo que tiene ser un músico de alto nivel aunque desconocido por el gran público en este país, que o te juntas con alguien de renombre para darte a conocer, o tienes que mover cielo y tierra para grabar un disco, y cuando lo consigues, te tienes que ir a venderlo a México. De todas formas siempre nos quedará Internet para poder acceder y disfrutar de la música y las canciones de El Alquimista. Yo de ti no desaprovecharía la ocasión de comprar este disco ahora que puedes. No te va a defraudar.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Trigonometralla (Juan Valdivia) -2001-

2006-03-08T20:49:00.000Z

No vamos a esconder que cualquier melodía que sepa sacar de sus dedos este hombre la vamos a alabar como merece, y tampoco vamos a negar que el que suscribe estas líneas siente una profunda admiración personal y por supuesto artística por este genio zaragozano escondido.

Juan Valdivia es el guitarrista y mayor compositor de la aletargada banda Héroes del Silencio que tanto bueno dio y será capaz de dar en el panorama rock nacional, europeo y americano. Magnas obras del calibre de “Maldito duende”, “Tumbas de sal” o “Hace tiempo” salieron directamente de la fábrica de ingeniería musical de Juan Valdivia, que, tras pasarlas por la batidora Héroes del Silencio se convirtieron en grandiosas.

Las mejores y únicas declaraciones de Juan hasta la fecha han sido este puñado de canciones. Prefiero eso que cientos de entrevistas ridículas hablando de lo mismo.

A Juan no se le ha olvidado dar de sí todo el feeling con el que sabe impregnar cualquier melodía que le ronde la cabeza. La muestra y fe de todo ello se plasma en este "Trigonometralla", un disco creado desde la intimidad, desde el Silencio, desde el más profundo de los anonimatos y desde la más sincera amistad. Cuenta para el trabajo con diferentes artistas y amigos del panorama musical. Un disco que, por otra parte, bien podría haber cuajado el esqueleto del siguiente álbum de estudio de Héroes del Silencio. Hay grandes canciones en este compacto e iremos desgranando algunas de ellas con brevedad.

Lo más importante es poder escuchar de nuevo a Juan Valdivia con su guitarra, que tras cinco años de ausencia y una sufrida operación, era algo que demasiado público ansiaba. El cd se presenta en sus primeras copias con una púa de regalo firmada en imprenta con la rúbrica del propio Juan.

“Entrantes” supone el primer corte del álbum y una primera toma de contacto con los más básicos conceptos que definen la música que este hombre es capaz de componer. Sencillez en la composición pero un alto grado de captación y de asimilación por parte del oyente. En ocasiones no se trata de ser un virtuoso en la guitarra ni de ser un dedos rápidos, sino de saber transmitir con pocas notas preciosas melodías. En este caso, muy rockera. "Entrantes" se complementa con unos arpegios y una grabación casera que Juan tenía escondida en su baúl de las sorpresas.

“Cactus” es La Canción. Es probablemente la mejor del disco y la que más suena. Es arte en estado puro. Segundo single de promoción.

“Ya lo ves” recuerda mucho a los propios Rolling, despide tal tufo rockero que podría ser perfectamente Mick Jagger quien diese sus típicos aplausos al ritmo de la armónica inicial. No obstante la encuentro un pelín floja, ya que este tema podría cuajar algo mejor con un ritmo más profundo y compacto, tal vez una base más dura.

“De frente o por la espalda” es el tema más duro que nos encontraremos en este disco, una canción donde se descarga toda la rabia y furia que la Gibson de Juan lleva dentro.

“Blues del Bosque” es un homenaje a la calidad, al saber hacer, al buen gusto y a los principios más elementales del rock que parte del blues. Aquí esa guitarra habla, aúlla, llora y se ríe. Un lujazo.

“A veces me equivoco”, con esos harmónicos que preceden a la entrada de la batería se queda como un tema lleno de identidad, muy cargado de guitarras y bien mezclado con el piano.

“Lago” es una canción que todos los amantes de la música que supo ofrecernos Héroes del Silencio ya hemos oído. No es nada nuevo, y a gracias que no lo es. Esta canción no sorprende en absoluto porque ya habíamos oído algo parecido. Y qué grande es.

En definitiva, "Trigonometralla" es un disco muy variado, donde cabe la programación, el rock duro, la melodía, el medio tiempo, los riffs más afilados y hasta maquetas caseras. Un disco que rebosa esencia Valdivia por sus 360 grados. Aquellos que quieran ver este trabajo como inacabado es que no comprenden que un disco y un trabajo de este calibre acaba donde quiere que acabe su autor. Juan quería este disco así y de esta forma vio la luz. Se me viene a la cabeza el St Anger de Metallica, un disco grabado y producido así porque ésa es precisamente la terminación que se le quería dar a ese compacto. Cada cual hace con sus creaciones lo que cree y le parece bien. Y a fe que este "Trigonometralla" es una joya que no se debería dejar pasar en cualquier colección de rock. En la mía tiene su sitio privilegiado.

Gracias "Trigonometralla" y gracias Juan por dejarnos escucharte una vez más.

Jesús Cabezas (Noko)

Eclipse (Amorphis) -2006-

2006-03-04T19:42:00.000Z

Nuevo trabajo de los finlandeses Amorphis este “Eclipse”. Han cambiado de vocalista; un tal Tomi Jousten con registros mucho mejores que su antecesor en el cargo, del que, por cierto, habiendo sacado dos discos de Black-Death clásico con Ajattara (su proyecto personal), se ha perdido en el más lúgubre de los anonimatos. Una pena.

Pero bueno, este Tomi apunta alto, logra hacer vibrar su garganta al más puro estilo Grindcore y mantiene el tipo de muy buena forma dentro del metal tradicional, amén de deleitarnos con melosas voces en algún que otro fragmento más melódico, y es que, entrando en materia, este “Eclipse” eclipsa, como mínimo, sus dos anteriores trabajos de estudio, mucho más ligados al compás electrónico y por tanto industrial. Han sabido renacer de sus cenizas componiendo temas que recuerdan su multiventas “Elegy” y otros que relajan el disco bastante alejándolo de la prisa y la corriente principal que los ha hecho grandes desde hace quince años.

Amorphis se reinventa con este trabajo y nos hace ver que en temas de tres minutos cabe de todo. Hay grandes bandas de la escena que practican un Doom bastante interesante, tipo Katatonia, Sentenced, o los propios Paradise Lost, pero su música se centra mucho en la melodía sin sacar provecho al cambio hostil dentro de cada tema. Amorphis con este disco lo consigue; se centra desde “Two moons” hasta “Stone woman” (esta última bonus track del brillante digipack) en demostrar que la melodía, los medios tiempos y el Death Metal pueden convivir con serenidad en tan sólo tres minutos.

No sé, tal vez pueda parecer un acercamiento a la masa Heavy en su totalidad el hecho de compartir distintos estilos en un mismo tema, pero la verdad es que les queda muy bien.

En definitiva, para el público metalero en general que no se entretenga en beber de únicas fuentes blackmetaleras o los true metal warriors que lucen ahora tanto, les recomiendo que permanezcan atentos a este disco, que, probablemente, ande bien posicionado dentro de los discos del mes de febrero de este año que ha comenzado tan irregular.

Jesús Cabezas (Noko)

Contra la ley de la gravedad (Los Planetas) -2004-

2006-02-09T15:44:00.000Z

“Contra la ley de la gravedad” se trata del sexto y, hasta ahora, último disco de estudio de Los Planetas (tercero producido por el grupo). A medida que pasa el tiempo es frecuente que este tipo de grupos encuentren, cada vez en mayor medida, una cierta amenaza a ser comparados con su anterior legado; y en este caso no se trata de una amenaza sino de un hecho. Sin duda se trata del disco más flojo de los granadinos, sin que ello signifique que sea malo. Un trabajo que consta de doce canciones (incluyendo una versión de la maravillosa “Podría volver” de Bambino), dos de ellas instrumentales y una ya editada en “Los planetas se disuelven “(2003) cuyo título es “Experimentos con gaseosa”. Con estos datos no es de extrañar que sepa a poco esta nueva entrega bienal del quinteto. No obstante, hablemos de las canciones. El Lp arranca con una gran “Golpe de gracia”, seguida de una canción con gran fuerza instrumental “Devuélveme la pasta”, en tercer lugar aparece el single y, para mí, la peor canción de largo del disco (y quizás de toda la trayectoria del grupo) “Y además es imposible”. Un extraño tema titulado “Canción del fin del mundo” y una pletórica “Nunca me entero de nada” componen los cortes cuatro y cinco para seguir, con la ya mencionada “Experimentos con gaseosa”. La segunda parte del disco esconde algunas gratas sorpresas como la instrumental “124” y la sencilla pero hermosa “Sale el sol”. “Deberes y privilegios” y “Cumpliendo compromisos contractuales” son las últimas canciones propias del disco; por último cierra el disco la versión de “Podría volver”.

Lo primero que llama la atención de este disco respecto de los anteriores es un nuevo estilo aflamencado que, en mi opinión, no sienta nada bien al grupo. Las letras, salvo algunas excepciones, han perdido la originalidad e impacto de sus anteriores trabajos. Ciertos rumores apuntan a que el estilo de álbum tendrá continuidad en los próximos proyectos del grupo; en ese hipotético caso, quedarán atrás esas joyas de discos como “Una semana en el motor de un autobús”, “Encuentro con entidades”, “Unidad de desplazamiento” o “Super 8”. El tiempo, como siempre, nos hará salir de dudas. Mientras tantos disfrutemos de las escasas joyas que componen este último LP.

Arturo Martín (Atybun)

El regreso (Andrés Calamaro) -2005-

2006-01-28T01:54:00.000Z

Cualquiera que conozca la carrera musical de Andrés Calamaro y viera la publicación de un disco en directo como antesala de una mini gira de tres conciertos por España, pudo llegar a pensar: “Andrés Calamaro anda justo de dinero y necesita aumentar sus ingresos urgentemente”. Por el contrario seguro que hubo quien pensó: “Andrés Calamaro, tras tanto tiempo en el retiro, tiene la intención de volver a retomar la vida de músico en activo, no sin antes tantear un poco el terreno y ver la respuesta de sus seguidores a su retorno”. Yo me incliné más por la segunda opción, y después de comprobar, tanto en el disco que nos ocupa como en el Palau Sant Jordi de Barcelona, el magnífico estado de forma musical en el que se encuentra el argentino, todavía estoy más convencido de ello.

“El regreso”, registrado en el Hotel Luna Park de Buenos Aires, evidentemente no es un disco en directo grabado para salir del paso en sus compromisos con la casa discográfica como hacen tantos otros artistas. Tras publicar “El salmón”, un quíntuple LP con ciento seis canciones, y “El cantante”, un disco de versiones de temas clásicos de la música latinoamericana; está claro que Andrés Calamaro no tiene que dar cuentas a nadie de lo que hace o deja de hacer, sencillamente hace lo que le viene en gana. Éste es un directo con una altísima calidad en la grabación, en la post-producción y en la interpretación de las canciones, lo cual aún hace convencernos más a los “bien pensados” de que realmente se trata de un disco sincero y espontáneo, y no obligado o hecho por encargo.

Exceptuando la grabación de alguna que otra cosa con Los abuelos de la nada y algunos temas aislados con Los Rodríguez, este es el primer álbum en directo que graba Andrés Calamaro en toda su dilatada carrera. El que escribe no es que sea un enamorado de los discos en directo si no van acompañados de sus correspondientes imágenes en DVD, pero esta puede que sea una de esas excepciones que confirman la regla. Son diversos los motivos. En primer lugar, este disco tiene el atractivo de ser una prueba empírica, sin trampa ni cartón, del estado de forma actual de Andrés Calamaro después de 6 años de baja voluntaria de los escenarios. En segundo lugar, “El regreso” hace las funciones de “souvenir” para todos aquellos que pudimos disfrutar de alguno de sus últimos concierto, debido a la gran similitud que hubo entre los repertorios de la gira española y el registrado en el LP. Por último, y puede que sea el motivo más importante, los temas no son calcos de las correspondientes versiones originales de estudio sino que prácticamente todos tienen un aire diferente, algo de novedoso. No en vano, en esta ocasión es la banda “Bersuit” quien acompaña a Andrés y no sus eternos compañeros de viaje Candy Caramelo, Gringui Herrera, Gille Martín, Niño Bruno y Ciro Fogliatta.

Por lo que respecta al contenido, "El regreso" es básicamente un recopilatorio de grandes éxitos grabados en vivo con alguna que otra rareza. Están prácticamente todas las que tienen que estar: “Flaca”, “Loco”, “Paloma”, “Media Verónica”, “Los aviones”, “El salmón”, “Te quiero igual”, “Estadio Azteca”, etc., alguna de ellas nunca antes llevada al directo. Además, dentro las 21 canciones que contiene el disco también se incluyen algunas versiones como el tango de Carlos Gardel “Por una cabeza”, con Juanjo Domínguez en la guitarra clásica; el blues “Desconfío” del recientemente fallecido Papo, con Juanse de Ratones Paranoicos a la guitarra eléctrica; el tema de su hermano Javier Calamaro “No me nombres”, interpretado a dúo con el propio Javier; y el ya clásico de Los Rodríguez “Para no olvidar”. En cuanto a la banda “Bersuit”, únicamente decir que demuestran una gran profesionalidad y un alto grado de compenetración con Andrés, y que a pesar de ser la primera vez que le acompañan en una gira, en ningún momento se echa de menos a sus habituales músicos de directo. Está claro que Andrés sabe elegir muy bien sus compañías.

No cabe duda que el 2005 ha sido un año repleto de buenas noticias en lo que a música se refiere, pero para mí, una de las más importantes ha sido la inesperada reaparición en los escenarios y en las estanterías de las tiendas de discos de este grande de la música llamado Andrés Calamaro. Todos sus seguidores deseamos que no se trate de un acontecimiento puntual sino del principio de una vuelta definitiva. Esperamos que las cerca de 30.000 personas que acudimos a verle a sus conciertos, no sólo sirvamos para engrosar sus arcas a 26 Euros por cabeza, sino también para hacerle reflexionar sobre el hambre de Calamaro que aún hoy existe en este país. De todas formas aún falta la parte más importante de su regreso: la composición y grabación de nuevo material. Habrá que ver cómo se porta cuando llegue ese momento.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Animal anger (Razorback) -2004- & Criminal justice (Razorback) -2005-

2006-01-14T11:57:00.000Z

Hablar de Razorback es hablar de calidad, y la calidad hoy dentro del sello Massacre está muy reñida. Massacre se ha dedicado, como muchas otras, a apilar gran cantidad de grupos con contratos leoninos para ver si pueden atisbar una luz que les haga salir del pozo negro en el que dicen que están. Léase y aplíquese también esto último a compañías internacionales como Roadrunner o Metal Blade, así como los españoles Goimusic e incluso los capa caída Avispa que editan trabajos de grupos inimaginables que ni siquiera ellos conocen al módico precio de 18 €.

Estos Razorback no son unos cualquiera, atesoran grandes rasgos que los hacen diferentes en esto del rock duro, que los hacen propios; signos de identidad que dirían. El grupo lo forman Steffan Berggren en las labores vocales (otrora cantante de Snakes in Paradise), Rolf Munkes en las guitarras (con trabajos anteriores editados en solitario y varias colaboraciones), y Chris Heun apoyando rítmicamente las guitarras de Rolf, así como Andre Hilgers y Marcus Bielenberg para dar las bases rítmicas del proyecto Razorback.

Comienzan hace dos años a componer (básicamente se ocupan de esta faceta Rolf y Stefan) y llevan a término el parto de “Animal anger”, un disco muy marcado por las guitarras de Rolf, más cercano al Metal que al propio hard rock. Este primer trabajo tiene muy buenos cortes, “One by one”, “Dead man’s song” o la genial “Eye of the storm” donde Stefan Berggren juega con el falsete y le queda de lo más increíble. Aunque podamos dejarnos llevar por la historia de Massacre o por las anteriores carreras de los miembros del grupo, Razorback no es un grupo de heavy metal, es una banda de rock muy potente y "Animal anger" demuestra, para ser el primero, que ya hay tablas detrás de todo esto.

No hará todavía tres meses que han editado su reciente trabajo “Criminal justice” de 2005. En esta ocasión se nota mucho más la mano de Steffan en las composiciones. Si en “Animal anger” estaba un poco apagado o eclipsado por las guitarras de Rolf, para esta publicación ha sido capaz de aderezar los afilados riffs de guitarras que iban al local para convertirlos junto a su voz en melodías rockeras que entran gratamente. El tema definitivo e himno que va a ser de Razorback es “It’s alright”, muy a lo Whitesnake pasado por la batidora de Munkes-Berggren. Son nueve temas, nueve joyas. Y, aunque es cierto que para amar a Razorback hay que mamar mucho rock duro, este álbum tiene canciones que no necesitan tener endurecidos los oídos para sacarles jugo y esencia rockera.

Los dos trabajos han sido producidos por Rolf Munkes y coproducidos por la banda al completo. Las grabaciones y masterizaciones se han realizado en los estudios Empire de Alemania, excepto algunas fases vocales que se han registrado en los estudios de los Snakes Pit en Estocolmo, donde realmente vive y crece Stefan.

Muy recomendables, sobre todo el último "Criminal justice". Que siga la racha.

Jesús Cabezas (Noko)

In absentia (Porcupine Tree) -2002-

2006-01-07T15:11:00.000Z

Que Steven Wilson bebe de Alan Parsons y similares en cuanto a nulidad de imágenes y fotografías del propio grupo y de su persona, es innegable hoy día. Todavía no lo hemos podido ver en ninguno de sus discos, tan sólo en los créditos que dicen que él ha trabajado en el mismo, o mejor dicho, que lo ha hecho casi todo.

"In absentia" es un disco bueno, muy bueno. Es el justo paso entre su primogénito "Voyage 34" y su última entrega "Deadwing". La frontera definitiva que lo aleja de la psicodelia y lo adentra en terrenos más rockeros y acústicos. Y, aunque Porcupine Tree nunca dejarán las bases progresivas, los ambientes atmosféricos y la concentración de sonidos, sí que los samples y los “ruiditos” de base electrónica los saben conjuntar mejor en este disco que en cualquiera de los anteriores.

"Blackest eyes" supone el primer corte del álbum y es prueba evidente del cambio y reorientación del grupo hacia otros terrenos sin perder la esencia con la que Steven suele impregnar todos sus trabajos. Marcados riffs rockeros y melodías acústicas para deleitar. El compacto (doble en Europa con tres temas más) transcurre entre bases melódicas y exagerados momentos de profundas raíces progresivas.

Steven Wilson toma las riendas de la interpretación de casi todos los instrumentos que podemos escuchar en "In absentia" así como de la propia producción, no en vano se trata de un productor casi tan bueno como compositor (Opeth). El álbum se graba en Nueva York de marzo a abril y se mezcla en Los Angeles en mayo del 2002.

Aunque escuchamos mucha guitarra en este trabajo, no es precisamente el instrumento favorito de Steven Wilson. Declarado admirador de Robert Fripp (guitarrista de King Crimson), siempre ha mantenido que no tiene un instrumento favorito, su dedicación oscila entre la composición y la producción. En definitva, Steven en un hombre que vive constantemente creando y dando vida a proyectos musicales que lleva dentro de sí. Este "In absentia" es prueba evidente de ello. A por él.

Jesús Cabezas (Noko)

The usual suspects (Joe Lynn Turner) -2005-

2005-12-28T18:49:00.000Z

¿Somos tontos/as?, ¿no nos gusta la música?, o es que tal vez nos encanten Il Divo, Bisbal y la Macarena. Digo esto porque no entiendo por qué carajo las compañías se empeñan en ponerle titulillos a las portadas de determinados cd’s de grandes de la historia del rock. En concreto este cd, lleva, ojo, no una pegatina, sino directamente impreso en la caja de cartón que lo protege, una reseña que pone literalmente: “New Studio album from ex Deep Purple and Rainbow singer” en amarillo, bien grandote sobre fondo azul. Ahí es nada. Lo dicho, los chavales se comprarán el cd porque este tío resulta que cantó con los Rainbow, ¡oh qué cosas!, ¡no lo sabíamos!. En fin.

Joe Lynn Turner conoce el rock and roll. Es veterano en esto de rockear. Lo demuestra a cada trabajo que edita. Y este Usual Suspects no lo es menos; de hecho, en mi modesta opinión de rockero de medio pelo, creo que es su mejor obra en solitario hasta la fecha. Supone la novena entrega de la carrera como solista de este cincuentón de New Jersey, y como digo, la mejor. Joe ha prestado su voz y su arte en Rainbow, en Deep Purple, de mercenario con Yngwie Malmsteen y como comparsa de Al Pitreli en las guitarras, amén de decenas de colaboraciones. Todo un lujo.

Cierto es que la etapa del Arco iris no fue precisamente la mejor con la entrada de este Turner, ni que tampoco salió bien parado a su paso por los Purple, pero que el rock fluye por sus venas arrugadas hoy nadie lo duda, sobre todo después de escuchar y vibrar con temas como “Unfinished business” (bonus tracks, ¡¡qué curioso!!), directa al corazón del hombre de negro Blackmore en torno a trabajos inacabados antaño en la época Rainbow.

Entrando en materia y terreno del cd en cuestión nos encontramos con exquisitas melodías propias de la escuela Turner (Power of Love) con esa voz pastelosa que a muchos hace vomitar y a otros hace suspirar (la buena dualidad de los buenos maestros), tenemos temas eléctricos como “Jacknife”, y verdaderos asaltos al hard rock más setentero en cortes como “Blood Money” y “Devil’s Door”. El resto del álbum transcurre entre medios tiempos y mucho rock and roll.

Si tenéis oportunidad no deberíais dejar pasar joyas de este calibre en un mundo este de la música en el que el plagio y el abandono están tan a la luz del día. Joe Lynn Turner se reinventa para ofrecernos lo mejor de su repertorio rockero en este año que se nos va.

Jesús Cabezas (Noko)

Deadwing (Porcupine Tree) -2005-

2005-12-15T22:43:00.000Z

Último trabajo de la banda de Steven Wilson este “Deadwing”. Siguiendo derroteros más cercanos al hard rock que al rock experimental y psicodélico se sitúa este trabajo que cruza la línea entre su “In absentia” y “In the sunday of life…”. Tal vez los seguidores más acérrimos no anden muy contentos con este nuevo lanzamiento, mucho más entretenido para las escuchas prontas y sin deleite; más fácil su entrada y más ameno a primera vista, pero no tan extravagante como casi todos sus anteriores trabajos de estudio.

Esto, evidente pasa factura. Aunque, a veces, la factura, si se convierte en mejores resultados en cuanto a ventas, resulta ser harto interesante, siempre y cuando ganes más adeptos que pierdas. Y lo es, cosecha ya varios cientos de miles de copias por Europa.

Steven Wilson, aún siendo una máquina que no para de vomitar engendros psicodélicos, también es capaz de desenvolverse con buena nota dentro de la canción fácil, del rock tradicional acústico, dejando la progresión a un lado y centrándose más en melodías apoyadas en piano que en los propios ruiditos electrónicos que tanto le gustan.

En “Deadwing” nos encontramos con temas evidentemente hardrockeros, de los de la escuela Gibson Les Paul, léase el primer y séptimo tema, con medios tiempos como “Lazarus” (a la postre single de promoción) y con algún que otro guiño a su pasado no tan reciente con fases un poco traslúcidas de experimentación con samples incluidos, amén de sus temidas, para mi, baladas techno-rock.

Ciertamente no es su mejor obra hasta la fecha, pero seguro que para empezar con Porcupine es bueno tener a mano esta su última edición.

Jesús Cabezas (Noko)

Takk (Sigur rós) -2005-

2005-12-13T19:00:00.000Z

Finalmente, tras más de tres años de espera, llega el cuarto disco de la banda islandesa por excelencia -con permiso de Björk- cuya tierra natal probablemente sea la causa de tan particular forma de entender la música y el mundo en un lugar distante de todos sitios y clima eternamente gélido.

Lo primero que llama la atención de Takk (cuyo significado en castellano es “gracias”) es el aparente deseo de obtener una mayor penetración en el mercado discográfico gracias a una música más accesible, el fichaje con una multinacional como EMI y la utilización de la lengua inglesa en algunas canciones; en mi opinión, signo claro de mayor comerciabilidad. No obstante, y a pesar de ser un disco bastante distinto, sigue teniendo esa esencia caracterizadora del grupo: atmósferas mágicas, paisajes de una imaginaria Islandia en donde luce el sol, grandes estructuras musicales y, ante todo, sensibilidad.

El álbum finalmente consta de once temas, de los cuales ocho son joyas: consta de una introducción elegante, un destacable "Glósóli" en donde el bajo cobra vida propia sobretodo en el comienzo, y unos inconmensurables "Hopípolla", "Sé Lest", "Sæglópur", "Milanó" y "Gong" donde se detecta la esencia de anteriores trabajos.

Por el contrario, sus tres últimas canciones son más flojas de lo habitual (aunque interesantes); éstas son: "Andvari", "Svo Hljótt" y Heysátan. Cabe destacar que Takk configura un álbum que sirve para acallar cierta duda surgida a raíz de su anterior, y más criticado disco: el disco anónimo oficialmente conocido como “( )”.

El tiempo sigue transcurriendo y Sigur rós ya no son aquellos que tanto sorprendieron con Ágætis byrjun; nos encontramos ante un nuevo grupo que ha madurado y ha dado un pequeño salto tanto en estilo, idioma y pretensiones. No obstante, a día de hoy Sigur rós sigue marcando huella en todos y cada uno de sus oyentes y, ante todo, confirmando que es una de las bandas europeas con mayor potencial y directo imparable. Todo un lujo para los oídos en estos tiempos de vacas flacas musicales.

Arturo Martín (Atybun)

One way ticket to hell... and back (The Darkness) -2005-

2005-12-01T19:37:00.000Z

Esperado segundo disco de la banda inglesa que revolucionó el panorama musical en el año 2003 con el magnífico álbum de debut "Permission to land".

Para empezar nos encontramos con cambios en la formación de la banda ya que durante la grabación del disco se produjo el abandono del bajista Frankie Poullain por desavenencias internas. Un mal síntoma para una banda que debe afrontar la importancia de un segundo disco en el que se juega el crédito de su éxito inicial.

Tras una primera escucha la conclusión que se puede sacar es que el buen hacer, las buenas composiciones y la arrolladora personalidad de la banda siguen en plena forma. El falsete de Justin Hawkins alcanza notas incluso más altas que en el anterior disco y la variedad de registros y modulaciones con la voz confirman que nos encontramos ante un grandísimo cantante. No obstante, sigue jugando aunque sin llegar a quemarse con el abuso de estas cualidades vocales. En cuanto a las guitarras de los dos hermanos Hawkins nos encontramos con unos riffs cuidados, con fuerza e inspiración.

Este disco sigue teniendo muy buenos singles, aunque no tantos como había en su anterior disco. Algunos ejemplos de ellos pueden ser el acertado corte inicial y actual single "One way ticket" que le abrirá seguro muchas puertas de éxito por la frescura del tema aunque todo hay que decirlo, un tanto poco arriesgado. Otro ejemplo sería "Is it just me?" o "Dinner lady arms" que a mí personalmente me parece junto con "Hazel eyes" de lo mejorcito del disco. Este último corte me ha traído recuerdos de Led Zeppelin en "The battle of Evermore" aunque en un estilo folk céltico cuanto menos curioso.

El hueco a la frivolidad y el sentido del humor lo encontramos en el corte "Girlfriend" y las influencias más directas con Queen (el productor del disco es Roy Thomas Baker que se encargó de producir entre otros discos el "A night at the opera") se observan en los elaborados juegos de coros y muy especialmente en el último corte del disco “Blind man” (sorprende la manera tan reposada elegida para finalizar el disco).

En el aspecto menos positivo podemos destacar la presencia excesiva de arreglos orquestales en la balada "Seemed like a good idea at the time" y los escasos 35 minutos de duración del disco que tras dos años de espera se quedan un poco cortos, aunque eso sí te permite escucharlo entero a poco que dispongas de media hora.

Seguro que el disco se venderá muchísimo puesto que resulta muy agradable de escuchar, sobre todo para aquellos que descubran a The Darkness con este disco. Quienes ya les conocíamos agradecemos estos diez nuevos temas pero como a los buenos alumnos hay que exigirles un poquito más, así que digamos que superan con nota el examen aunque bajen un poquito la media. ¡No se relajen!

Ángel Díaz

Ahora piden tu cabeza (Ariel Rot) -2005-

2005-11-13T16:49:00.000Z

Octavo disco en solitario de Ariel Rot, el que fuera guitarrista y co-compositor de dos de los grupos de rock más influyentes de este país: Tequila! y Los Rodríguez. A pesar de llevar más discos grabados en su carrera en solitario que con cualquiera de sus dos formaciones anteriores, ambas fueron tan grandes que resulta imposible no hacer referencia a ellas cuando se habla de Ariel Rot.

Fuimos muchos los que pensamos que tras “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”, en “Lo siento, Frank”, su siguiente disco de estudio, Ariel se había relajado considerablemente. Para la grabación de “Hablando solo” Ariel se desplazó a los estudios “Du Manoir” del sur de Francia y contó con The Atractions (la banda que acompaña a Elvis Costello desde hace más de 25 años) y con el productor Joe Blaney (que ha trabajado con Keith Richards, Prince, The Clash, Ramones, Los Rodríguez y Andrés Calamaro). “Cenizas en el aire” también fue grabado en “Du Manoir” y fue producido por el mismo Ariel con Joe Blaney haciendo las labores de ingeniero de sonido. Esta vez no se rodeó de veteranos músicos de estudio sino de la banda que le había acompañado en los conciertos de su anterior gira. En ambos trabajos el resultado fue magnífico ya que grandísimos temas fueron registrados de una forma exquisita y muy profesional, alcanzando prácticamente la perfección sonora. En cambio “Lo siento, Frank” olía a disco barato, a poco trabajado y de escasos medios. Esta vez no viajaría a Francia ni contaría con la colaboración de Joe Blaney, sino que lo grabaría en los estudios “La Cabaña Sonora” con José Nortes en la producción. Pero al margen de este detalle, eran las letras y la música en sí lo que flojeaba. Sus anteriores trabajos estaban plagados de temas excelentes y en éste muy pocos llegaban al notable. Daba la sensación de que lo más interesante del disco era el estuche de cartón diseñado por el modisto y diseñador David Delfín y el elenco de colaboradores que le acompañaron (Andrés Calamaro, Germán Vilella, Dani Nel.lo, Jaime Urrutia, Andy Chango...).

De todas formas sería injusto y falso decir que “Lo siento, Frank” fue un mal disco, todo lo contrario (yo incluso lo destaqué como uno de los mejores discos del 2003 en el ranking de los discos Olvidados 2003), el problema estuvo en que el mismo Ariel se puso el listón tan alto con “Hablando solo” y “Cenizas en el aire” que su relajación en todos los aspectos fue demasiado evidente y algo decepcionante para los que admiramos su trabajo. Pero como rectificar es de sabios, Ariel Rot deja atrás la simplicidad, la comodidad y el trabajo casero, y dos años después vuelve a la carga con “Ahora piden tu cabeza”.

“Ahora piden tu cabeza” es un disco de Ariel Rot en estado puro. En él hay espacio para el rock, para el pop, para el swing, para el jazz, para el funky e incluso para el folklore argentino. El disco abre con “Ahora piden tu cabeza”, un tema pop cuyo mensaje viene a decir más o menos lo que acabo de explicar en el párrafo anterior, que un músico no puede relajarse nunca si no quiere dejar de estar en la cima. Justo después nos encontramos con “Los tipos duros no bailan”, un tema con clarísimas reminiscencias de las baladas Rolling Stones. Más adelante tenemos “Dulce y solitario”, un funky; “Swing”, un swing (valga la redundancia) con letra de Sergio Makaroff (es casi imposible concebir un disco de Ariel Rot sin una sola letra de Sergio Makaroff); “Adiós carnaval” y “Muñeca rota”, un par de baladas; “Ya no sé dónde estaría”, una chacarera argentina; y una colección de temas pop-rock como “Fakir”, “Como la cigarra”, “Promesas de ayer” e “Historia incompleta”, temas muy en la línea de lo que ha venido haciendo Ariel Rot desde que trabaja en solitario. En definitiva, son 40 minutos de buena música desde que empiezan hasta que acaban.

Para la prensa, cada disco que publica Ariel Rot es el disco más maduro o más adulto de su carrera. No sé si se refieren al mensaje de sus letras, si se refieren a su música o si lo dicen porque queda bien. A mí “Ahora piden tu cabeza” no me parece más maduro que “Hablando solo” ni que “Cenizas en el aire”. Está claro que la línea musical que ha elegido Ariel Rot desde que abandonó Los Rodríguez ha sido el utilizar el rock como hilo conductor entre otros estilos como por ejemplo el jazz o el funky, que le apasionan y que se nota que domina, pero que en sus anteriores bandas no pudo desarrollar, eso sí, siempre sin abandonar el rock.

En mi opinión “Ahora piden tu cabeza” se aproxima mucho pero no supera a “Hablando solo” y “Cenizas en el aire”. Aún así, no cabe duda que ha sido la mejor manera de reivindicar que Ariel Rot es uno de los grandes músicos del panorama musical actual y que en absoluto se le ha olvidado cómo se hacen canciones, cómo se toca la guitarra y cómo se graban buenos discos. Esperemos que vengan muchos más iguales y parecidos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Underground (Graham Bonnet) -1996-

2005-11-07T20:05:00.000Z

Aunque este trabajo del genio vocal se realizó íntegro en 1.996 no vio la luz hasta mediados el 1.997, siendo que sólo lo podemos encontrar de importación japonesa hasta la fecha. Y caro. Lo cierto es que localizarlo hace honor a su título: Underground.

Tal vez si este disco se llegase a editar en Europa pudiésemos asegurar el reconocimiento comercial y crítico que merece este artista y su preciado disco, porque al entender del que suscribe estas líneas, es, con diferencia, el mejor trabajo de Graham desde que dejó Rainbow. No olvidemos que este hombre ha facturado junto a Blackmore temas de la calidad de "Eyes of the world" o la propia "Makin’ love". Casi nada. Y eso que ha pasado por grandes grupos con grandes guitarristas a su lado, desde Michael Schenker en los primeros ochenta, a Yngwie, Steve Vai y Danny Johnson en Alcatrazz.

La producción corre a cargo del cotizado Pat Regan, que entre otros trabajos de producción, ha metido mano en Blackmore’s night y Deep Purple.

El disco cuenta con temas rápidos, medios tiempos y algún que otro soplo y guiño al hard rock setentero que te dejan de piedra. Ahí encontramos “Whiplash”, todo un acercamiento a Rainbow. No en vano, el disco cierra con una versión de “Lost in Hollywood” del arco iris. La piel de punta y los pelos como escarpias. Veinte años después es capaz de cantar con la misma fuerza. Increíble.

Jesús Cabezas (Noko)

Mar de cuernos (Gigatron) -2005-

2005-11-03T19:19:00.000Z

Nos encontramos con un ¿nuevo? trabajo de estos Gigatron. Recopilan lo esencial de su carrera y lo aderezan con algún nuevo tema que seguro pasará a la historia de la música rock de este país. Incluso el CD lleva un regalo para poder acceder a descargarte un trabajo suyo perteneciente a su más antigua y oscura etapa que anda ya descatalogado.

La verdad es que no entiendo por qué grupos con una determinada calidad en sus componentes se dedican a hacer pamplinadas y soplapolleces varias. Este "Mar de cuernos”, mal que le pese a su legión de fans risometaleros, es un trabajo infumable, más digno de grandes de la escena como los Mojinos que de ellos; no hay por dónde meterle el oído; es probable que cantando en turco o en Ruso, o incluso presentando un disco instrumental, pudiese pasar desapercibido y contemplarse como lo que debe ser, un disco directo de heavy rock estatal; pero no, no es así, nos encontramos con un aburrido y soso cd que a poca gente gustará, excepto a ellos y a los fanáticos de su foro. Y lo que es más extraño: que Locomotive Records se haya fijado en ellos. ¿Quién lo entiende?.

En definitiva, y para no aburrir más que el propio trabajo que comentamos, un disco totalmente prescindible.

Jesús Cabezas (Noko)

Mighty Rearranger (Robert Plant and The Strange Sensation) -2005-

2005-11-01T20:17:00.000Z

Han pasado tres años desde que Plant nos presentara su último disco de estudio, Dreamland. Aquel disco supuso el regreso al estilo caracaterístico de su música con Led Zeppelin, influenciado notablemente por los sonidos electrónicos. Ahora, en el 2005 y hace unos cuantos meses ya, sacó a la venta la poderosa reordenación de todos sus sonidos en un digipack fantástico.

En cuanto al disco es para saborearlo, disfrutarlo lentamente y repetir, repetir y repetir. En un primer momento da la impresión de no tener lugares por donde agarrar el disco, pero un poco de paciencia porque Plant ha sabido seleccionar muy bien el orden de los temas de tal forma que la escasa hora de duración se agota apenas sin darse cuenta.

Es un disco con mucha garra, algunos momentos muy eléctricos y otros con una gran carga de sentimiento. Lo más positivo del disco es, sin duda, ver a Plant y la banda que le rodea (sensacional a la guitarra Justin Adams) en un trabajo que deja entrever lo que posiblemente hubiera deparado el sonido de la banda zeppeliana de no haberse separado. Bien es cierto que las influencias de sonidos africanos estarían en debate. Plant deja fluir su voz a torrentes desgarrados en ocasiones, y en otras a profundas melodías cargadas de sentimiento sin tener reparo alguno.

Es por una parte criticable la sensación de desequilibrio en el disco, de confusión debido a la amalgama de estilos e influencias musicales, que derivan tanto en canciones blues-rock, folk, rock electrónico o rock en una gran pureza y fidelidad a los trabajos con su ex-banda. Por otra parte en el compacto tenemos un remix de "Shine it all around" escondido tras el tema que dedica al que denomina su Hermano Ray, Ray Charles por supuesto. Hacer un remix versión discotequera de un tema (¿tal vez el más comercial del disco?) es, a mi entender, superfluo y sin ninguna cabida en el disco. Eso sí, podría sonar fácilmente en cualquier discoteca.

En definitiva tenemos 12 temas que no pasarán desapercibidos por todos los seguidores de la mítica banda y por todos aquellos, como sino, que sigan a su vocalista. Porque el trabajo realizado es uno de los mejores de lo que llevamos de 2005, y si los más conocedores del panorama, indican que este año lo salvan las viejas figuras. Hay que contar con este hombre.

Hugo Nuño

Out of exile (Audioslave) -2005-

2005-10-20T19:38:00.000Z

Segundo trabajo discográfico de Audioslave, el “supergrupo” formado por los veteranos Chris Cornell (vocalista de Soundgarden), Tom Morello, Tim Commerford y Brad Wilk (guitarra, bajo y batería respectivamente de Rage Against the Machine). La voz y letras de uno de los grupos pioneros del movimiento grunge de Seattle, y la guitarra y base rítmica de una de las bandas más contundentes y revolucionarias del panorama musical americano, vuelven a unirse para consolidarse como uno de los proyectos musicales más importantes de los nacidos en esta década.

Es evidente que ni Soundgarden ni Rage Against the Machine eran bandas del montón y que, cada una a su manera y en su estilo, ambas tenían un sonido inconfundible y característico. Tanto Soundgarden como Rage Against the Machine, eran de esas pocas bandas que no suenan a nada sino a sí mismas. ¿A qué suena entonces Audioslave? Es curioso pero suenan tanto a Soundgarden como a Rage Aganist the Machine. Hay temas que empiezan sonando tanto a Rage Against the Machine que esperas que en cualquier momento aparezca la voz de Zack de la Rocha cagándose en los muertos de alguien. Pero no, de repente da un giro la canción y es Chris Cornell quien, con su entre agónica y enrabiada voz, comienza a cantar. Hay otras que suenan tanto a Soundgarden que esperas otro tipo de solos de guitarra diferentes a esos “scratchings” guitarreros tan propios de Tom Morello. Cualquiera que lea esto y no haya escuchado ninguno de sus discos puede llegar a pensar que Audioslave, más que una banda de rock, es una olla de grillos en la que hay una mezcla de estilos, melodías, ritmos y ruidos con los que uno puede acabar volviéndose loco. Nada más lejos de la realidad. Es todo tan natural y suenan tan sumamente compenetrados que parece que los miembros de Audioslave hayan estado toda la vida tocando juntos.

Centrándonos “Out of exile”, decir que, sin llegar a sonar ligero ni comercial, no es un disco tan crudo como “Audioslave”, su anterior trabajo. El paso del tiempo y las largas giras de conciertos han conseguido solidificar el sonido del grupo y fijar mucho más las dos piezas fundamentales de las que se compone, sonando todo mucho más homogéneo. Aunque hayan sido tildados de artificiales y postizos, el que escribe esto encuentra del todo admirable que, tanto un cantante como una banda de músicos al completo, se adapten con tan buen resultado a un estilo musical que no es propiamente el suyo. Temas como “Your time has come”, “Be yourself”, “Doesn’t remind me”, “Man or animal” o “Dandelion”, son una clara muestra de su enorme grado de compenetración. "Out of exile" es una magnífica combinación de melancolía y agresividad perfectamente mezcladas.

Al contrario que otros grupos creados a partir de la fusión de varias bandas, Audioslave no pretenden romper con el pasado ni que la gente deje de relacionarlos con sus anteriores formaciones. Son conscientes de la importancia y repercusión que Rage Against the Machine y Soundgarden tuvieron hace unos años; y de que si hoy por hoy son conocidos, venden discos y la gente va a sus conciertos, es porque antes pertenecieron a sus anteriores bandas. Por esta razón no es de extrañar que en sus conciertos hagan versiones de temas tan emblemáticos como “Killing in the name” o “Black hole sun”.

Visto el gran éxito que está teniendo el grupo, el volumen de ventas de sus dos trabajos discográficos publicados hasta el momento y los llenazos en la gira de promoción de “Out of exile” (a pesar del precio de las entradas), me da la sensación que tenemos Audioslave para rato. Id despidiéndoos de Soundgarden y de Rage Against the Machine.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

667, The neighbor of the beast (Wig Wam) -2004-

2005-10-13T19:21:00.000Z

Cuando parecía que el glam-rock era un fenómeno musical que formaba parte del pasado, que estaba muerto, enterrado, en estado de putrefacción y totalmente pasado de rosca; de repente suceden una serie de acontecimientos que hacen cambiar esta situación: Desde el corazón de Inglaterra, The Darkness, una banda que ya llevaba varios años versionando a Queen por todos los clubs del Reino Unido, saltan al estrellato. Grupos como Mötley Cruë, Hanoi Rocks, Alice Cooper o W.A.S.P. salen de sus respectivos sarcófagos para recorrerse los escenarios de medio mundo. Europe publican un “Greatest Hits” y lo promocionan en directo. Y lo más asombroso de todo, Noruega se presenta al Festival de Eurovisión con Wig Wam, una banda fiel a todos los patrones estéticos y musicales del susodicho estilo.

A pesar de su definitivo noveno puesto en el Festival de Eurovisión, estos cuatro noruegos “llamados” Glam, Teeny, Flash y Sporty, no pasaron inadvertidos ni en el festival ni durante la previa promoción del tema con el que iban a representar a su país. Ataviados con la indumentaria clásica de todo buen glam-rockero que se precie (botas de plataforma, lentejuelas, plumas, mallas metalizadas, laca y maquillaje, mucho maquillaje), Wig Wam defendieron su tema “In my dreams” en un más que digno “singback” (voces en directo sobre música pregrabada), tema al cual le fue extirpado el solo de guitarra para reducir su duración. Semejante escaparate no sólo sirvió al grupo para encabezar las listas de ventas de todos los países escandinavos con su single “In my dreams”, sino también para darse a conocer en el resto de Europa. Wig Wam empezaron a salir en televisión y en revistas especializadas, de manera que todos los amantes del hard rock nos interesamos por ellos y por su carrera discográfica. No ganaron, pero el “Planet Wig Wam” acababa de nacer. Por cierto, España sólo les dio dos puntos, algo normal viendo la representación que llevamos nosotros...

Antes de la edición de su single “In my dreams”, Wig Wam ya habían publicado “667, the neighbour of the beast”, un álbum de hard rock rematadamente comercial, con unos temas de estribillos hiperpegadizos que parecen ideados para ser coreados por el público en los conciertos. Escuchado el disco se pueden intuir por donde pueden ir los tiros de sus influencias: los primeros Bon Jovi, Kiss y, aunque ellos lo nieguen, The Darkness.

“667, the neighbour of the beast” es un álbum con una producción un tanto extraña, la cual corre a cargo de Teeny, guitarrista del grupo. Empieza con una especie de sermón diabólico parodiando u homenajeando (quién sabe) a Iron Maiden en su “The number of the beast”, y a partir de ahí, tan pronto podemos escuchar temas de estudio, como temas con sonido de público enlatado, como temas en acústico, como temas en directo real con un solo de guitarra aislado del propio Teeny. No sé si será la forma de trabajar de los noruegos pero parece fruto de la falta de experiencia. Además, al margen de la voz, guitarra, bajo y batería, el sintetizador y los efectos digitales tienen un peso importante en el sonido del grupo. De entre todos los temas del álbum yo destacaría “I turn to you”, una magnífica versión del tema de Mel C (la ex-Spice Girl).

Es una incógnita si Wig Wam saldrán alguna vez de los países escandinavos. Es una incógnita si Wig Wam es un producto de marketing generado para explotar la repercusión de Eurovisión en todos aquellos países. Es una incógnita si Wig Wam es simplemente un nuevo proyecto de Glam (el polifacético vocalista del grupo), el cual ha sido actor y cantante en musicales como “Hair”, ha publicado un disco en solitario, ha trabajado en televisión, e incluso ha diseñado la portada del disco. Todo es una incógnita en Wig Wam, pero mientras todas ellas se despejan, la única realidad es que ahí está “667, the neighbour of the beast” y que tienen otro disco cociéndose en el estudio, por lo tanto disfrutemos del “Planet Wig Wam” mientras podamos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

River (Izzy Stradlin') -2002-

2005-10-06T14:05:00.000Z

Cuarto disco de estudio de la carrera en solitario de Izzy Stradlin’, el que fuera co–fundador, guitarrista rítmico y compositor de la banda de rock más grande de todos los tiempos: Guns N’ Roses.

Siguiendo el camino musical iniciado en 1992 con su álbum de debut “Izzy Stradlin and the Juju Hounds” y mantenido en sus posteriores trabajos “117º” y “Ride on”, en “River” nos encontramos nuevamente ante un disco de rock clásico con toques sureños, donde se entremezclan ritmos reagge, líneas de guitarra acústica tocada con “bottleneck” y unos más que aceptables solos de guitarra eléctrica. Además, como ya sucediera en “Ride on” y en la mayoría de los temas de “117º”, el bajo ha sido grabado por Duff McKagan, el ex-Guns N’ Roses y actual Velvet Revolver.

Por lo que respecta a las cualidades vocales de Izzy Stradlin’, decir que lo suyo es escribir canciones más que cantarlas. De todas formas, ese tono de voz grave, roto y en ocasiones susurrante con el que ya se dio a conocer en temas como “Dust n’ bones”, “Double talkin’ jive”, “14 years” y tantos otros de “Use your illusion”, siempre queda bien en este estilo de música.

En cuanto a la guitarra, cualquiera que escuche el disco sin el libreto delante puede llegar a pensar que Izzy Stradlin’ fue un talento desaprovechado ejerciendo únicamente de guitarrista rítmico de un grupo desde 1986 hasta 1991. La guitarra solista que puede escucharse tanto en este disco como en todos los anteriores nada tiene que envidiar a las guitarras solistas de más de un grupo de fama reconocida (evidentemente no es el caso de Slash). La gran decepción viene cuando descubrimos que la guitarra principal no la toca Izzy sino un tal Rick Richards. En principio debería dar lo mismo mientras el resultado final sea óptimo, pero no cabe duda que muchos hubiéramos preferido que fuera el bueno de Izzy quien tocara tan bien.

Resumiendo, “River” es un disco correcto, de ese tipo de música que nunca pasa de moda, fácil de digerir para todo buen amante del rock and roll clásico americano, bastante alejado del estilo de Guns N’ Roses y algo corto de duración. A pesar del aprobado justillo que yo le daría a “River”, tengo que reconocer que jamás hubiera adquirido este disco ni escrito sobre él si su autor no fuera el mismo que el de “You could be mine” o “Don’t cry” entre otras. Es lo que tiene el haber pasado por grandes bandas, que hagas lo que hagas tu trabajo no pasa inadvertido por vulgar que sea.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Joe Perry (Joe Perry) -2005-

2005-09-23T09:11:00.000Z

Tercer disco en solitario de Joe Perry, el guitarrista de la mítica banda Aerosmith. Allá por los años ochenta ya grabó tres discos bajo el sello de “The Joe Perry Project”, pero por lo visto ha querido hacer borrón y cuenta nueva de aquello y comenzar otra vez como hacen los artistas que empiezan: firmando y titulando el disco únicamente con su nombre. Posiblemente peque de indocumentado diciendo que no sé cómo serían aquellos discos de los cuales el propio Joe Perry renuncia, pero hijo mío, qué descansadico te lo has ganao con éste... He de decir que me he interesado por este disco después de leer una entrevista que les concedió Joe Perry en su rancho de Boston a los redactores de la revista Guitarra Total, en la cual lo enjabonaban hasta la saciedad y ponían el disco como si de la resurrección de Jimi Hendrix se tratase. Como a mí no me ha concedio ninguna entrevista ni me ha invitado a tomar café a su rancho de Boston, me puedo permitir el lujo de ser “sincero” en esta reseña.

Lo primero que tengo que decir es que escuchando “Joe Perry” me he aburrido como una ostra. El disco empieza con "Shakin' my cage", un tema hard rockero de los de toda la vida, de esos que si los escuchas por la calle te hacen llegar más pronto al sito al cual vas. Lamentablemente, cuando entra la voz en acción no se escucha ningún “yeyyeah” ni ningún “mmmmmmmmm.... uaaayayayayaya” ni ningún otro sonido estridente de esos que Steven Tyler sabe hacer tan bien y yo sé transcribir tan mal, no señor, el que canta es el mismo Joe Perry. Como buen guitarrista y compositor de ritmos y melodías que es, por lo general la guitarra suena bastante bien, en su línea y con ese estilo tan característico que le ha hecho merecedor de un modelo de guitarra “Gibson Les Paul Joe Perry Signature” (horripilante, por cierto). El problema principal del disco radica en la voz.

Joe Perry ya cantó algún tema aislado con Aerosmith, pero claro, un tema es un tema y un disco entero es un disco entero, y un Seat 600 puede ir muy bien para ir a comprar al Sabeco pero no se le puede hacer correr en el Gran Premio de Mónaco de Fórmula 1 y encima pedirle que haga pódium. A pesar de esto, yo creo que no se puede cantar con menos gracia, con menos sentimiento y con menos voz. El problema de fondo no es la carencia de voz, ya que en la historia ha habido pésimos cantantes que han hecho magníficos discos; el problema está en la monotonía y la poca sangre con la que canta el amigo Perry. Se le nota acartonado, inseguro, no muestra ni una pizca de implicación en la interpretación de sus propias canciones, como si estuviera obligado a cantar. Gracias a todo esto ha conseguido cargarse completamente un disco musicalmente aceptable. Salvo algunas paranoias que le entran con ritmos hindús de garrafón, una versión de “Crystal Ship “ de The Doors y alguna que otra cosa rara más, muchos de los temas podrían pertenecer a un buen disco de Aerosmith si en lugar de cantarlos Joe “Sosainas” Perry los cantara Steven Tyler. Sólo me queda decir que los mejores temas del disco son “Twilight “ y “Mercy”, los dos instrumentales.

Nunca he sido muy aficionado a los discos de guitarristas Juan Palomo, yo me lo guiso, yo me lo como. Creo que los guitarristas deberían dedicarse a tocar la guitarra y no a cantar, y si quieren desarrollar sus propios temas o sus propias inquietudes musicales de forma paralela a su grupo, lo que deberían hacer es buscar un vocalista como Dios manda para que interpretara sus canciones y no hacerlo todo ellos, porque en la mayoría de ocasiones lo único que consiguen es hacer la risa.

Después de esto dudo mucho que Joe Perry me invite a su rancho de Bostón, pero bueno, todo sea por Olvidados Magazine.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

La increíble aventura (Migala) -2004-

2005-09-18T12:34:00.000Z

El lema que se intuye inmediatamente tras observar “La increíble aventura” es la selva, el tigre, lo salvaje… y, al menos en este caso, las apariencias son certeras. Diez son los temas que finalmente forman esta nueva (y al parecer última) entrega de una de las bandas más heterogéneas y cambiantes del panorama nacional. Y es que el estilo caótico y anarquista con la que se desenvuelven los integrantes de Migala tenía que pasar factura; si este aspecto es la causa de creaciones tan maravillosas también ejerce su condición de “arma de doble filo” llevando, al parecer, a una nueva desaparición.

No obstante el disco supone un giro de 180 grados con respecto a trabajos como “Arde” (2000) o “Así duele una noche de verano” (1998), ya que abandonan esas atmósferas intimistas y cuidadosamente poéticas para presentarnos un rock progresivo de una calidad indiscutible. Como ya he comentado, el LP se adecua perfectamente a la imagen que presenta en la portada así como a su título. Se trata de una aventura tanto para el grupo como para el oyente: lejos de los convencionalismos, incluso lejos de lo que nos tiene acostumbrados Migala.

La famosa voz de Abel Hernández queda prácticamente relegada a excepción de en “Your Star, Strangled”, “El gran miércoles” y en varias canciones más a modo de frases sueltas sin demasiada claridad para dar paso a una variedad de instrumentos y sonidos electrónicos desconocida hasta la fecha.

El disco se abre con “El imperio del mal” que junto con “El tigre que hay en ti” son canciones instrumentales casi en su totalidad, sorprendentemente enérgicas y con gran calidad instrumental. “Dear Fear” es toda una joya en la que intervienen notablemente violines, guitarras y pianos creando un ambiente sublime. Más experimental suena “WWW (Searching for the Wicked Witch of the West)” en la que se pueden observar constantes cambios de ritmo y un estribillo melódicamente muy variante. “Sonnenwende” y “Tuscon, Game Over” son, al parecer, el punto de inicio de este proyecto, en el que se gesta el cambio temático y musical con respecto a trabajos anteriores y en las que más fiablemente se puede encontrar las características del rock progresivo. “You Star, Strangled” es una canción muy melódica difícil de entender en este trabajo pues se sale de la estructura general. “El gran miércoles” es una preciosa canción más acústica que las demás y con un breve guiño a la poesía de anteriores trabajos. Por último tenemos “Lecciones de vuelo con Mathias Rust” que además cierra el disco; se trata de una gran canción con multitud de movimientos independientes que casi parecen varios temas sueltos.

Además, “La increíble aventura” está editado junto a un interesante DVD con imágenes tomadas e interpretadas por varios de miembros del grupo que tratan de componer una “banda visual” del disco tratando temas tan dispares como el hogar, las ferias, el folklore, la playa o el propio grupo. Lo único que echo en falta en este contenido adicional es la inclusión de alguna entrevista o fragmentos de algún directo, pero es tan sólo una opinión personal.

¿Nos encontramos ante una nueva despedida (como ya ocurrió tras Arde) de Migala? ¿Será, esta vez, definitiva? Nada hay seguro, tan sólo que estaremos esperando nuevos movimientos.

Arturo Martín (Atybun)

A bigger bang (The Rolling Stones) -2005-

2005-09-11T09:36:00.000Z

Primer disco de estudio de los Rolling Stones del siglo XXI. Han pasado ocho años desde que en 1997 los Stones grabaran “Bridges to Babylon”, su anterior trabajo. Esto no ha supuesto un periodo de ocho años de inactivadad stoniana sino todo lo contrario. Tras “Bridges to Babylon” vino su extensa gira mundial entre 1997 y 1998, la cual generaría un disco en directo titulado “Not security” y un DVD de una actuación completa registrada en Nueva York. En el año 2001 Mick Jagger publica su cuarto disco en solitario “Goddness in the dooway”, y en el 2002, con motivo de la celebración del 40 Aniversario de la banda, sale a la venta “Forty Licks”, un recopilatorio con 40 temas de la banda, tanto de la época en la que pertenecieron a la casa discográfica DECCA como de la época de VIRGIN. Este es el primer recopilatorio de los cientos que existen que contiene temas de ambas discográficas. Dentro de “Forty licks” también se incluyeron un par de temas de estudio nuevos pero evidentemente nada que ver con el proceso de grabación y composición de un disco completo. Tras el disco vino una nueva gira mundial durante los años 2002 y 2003, un cuádruple DVD con diferentes actuaciones de la gira y nuevamente un disco en directo titulado “Live licks”. Ahora, tras un par de años de descanso, vuelven a la carga con nuevo material.

Cuando se escucha “A bigger bang” por primera vez da la sensación de haberlo escuchado antes y no sólo en una ocasión, es como si fuera un disco de los que tienes desde toda la vida. Con 16 temas, “A bigger bang” es el álbum más largo de la historia del grupo junto con “Exile on Main Street”. Bastante alejado de los patrones comerciales típicos de hoy en día, el disco recopila todos los sellos de identidad de los Rolling Stones: contiene tres pelotazos rockeros como “Rough justice” (el cual abre el disco), “Oh no, not you again” o “Driving too fast”; algún funky al más puro estilo de la época de “Undercover” como “Rain fall down” o “Look what the cat dragger in”; una balada de las de Jagger como “Streets of love”; un blues con slides de guitarra acústica y armónica como “Back of my hand”; dos temas cantados por Keith Richards como “This place is empty” o “Infamy”, ideales para ser interpretados mientras Mick se cambia de camisa y toma aire durante los conciertos; y un largo etcétera de buenos temas. Además, en este disco los Stones se mojan metiéndole caña a George Bush con “Sweet Neo Con”, donde hacen referencia implícita a su política belicista, llegándole a llamar desde hipócrita hasta montón de mierda. El mariquita de Paul McArtney debería de tomar ejemplo, que el muy desgraciado no tuvo huevos ni de condenar la guerra de Irak durante la gira de promoción de su disco “Back in the U.S.A.” a pesar de que el público se lo pidiera.

Es posible que “A bigger bang” no contenga ningún himno como “I can’t get no, satisfaction”, “Jumping Jack Flash”, “Brown sugar” u otros más recientes como “Saint of me” o “Out of control”, pero es que tampoco les hace falta hacer un himno por disco porque la mayor parte de los himnos del rock les pertenecen. Más de un artistilla de medio pelo de esos que se creen mierda y no llegan a pedo se daría con un canto en los dientes por publicar un disco como éste cuando tenga 61 años (incluso con 30 o 40), por dar los espectáculos en directo que dan los Stones, o por tener la energía y capacidad creativa que ellos tienen a esas edades y con 43 años de carrera a sus espaldas.

En definitiva, otra muesca más en el revolver de esta incombustible banda, que lleva así como 10 años publicando su último disco y haciendo su última gira mundial. Por favor, que llegue pronto la gira a España que quiero volver a verlos por tercera vez.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Theatre of pain (Mötley Crüe) -1985-

2005-08-03T19:12:00.000Z

Escoger un disco de Mötley Crüe para reseñarlo no es tarea fácil para los amantes, como yo, de la música de estos cuatro gamberros norteamericanos. Escoger un disco, digo, de los que merecen la pena de Mötley, es decir, hasta el “Dr. Feelgood” del ’89, porque lo siguiente fue, a mi entender, simplemente patético: un Mötley Crüe sin Vince Neil en 1994, o una extraña reunión para editar un “Generation Swine” en 1997 que pasó tan inadvertida como la propia simpleza del disco.

A lo que vamos, a este “Theatre of Pain”, que ha sido escogido por el menda por ser el más simple de sus cinco obras maestras, o como diría el propio Vince Neil recientemente, ”ese disco fue un error en la carrera de Mötley”. A tanta critica negativa no llego yo ni mucho menos, pero sí que es cierto que este disco baja el nivel y la calidad de su discografía que como media se lleva un notable por culpa de este teatrillo del dolor. No encontramos ningún “Looks that kill” exitoso dentro del cd (muy aderezado para la ocasión con jugosos regalos en forma de bonus tracks de todo tipo, hasta siete regalos nos aporta esta nueva edición), aunque desde luego es obra de Mötley (eso no hay duda) y canciones como “Home sweet home” así lo certifican, o la propia “Smokin’ in the boys room” muy al estilo propio de ese glam roquero y metalero que supieron ofrecernos en aquellos años ochenta.

Los riffs de Mick Mars no son tan pesados en este disco como en su anterior “Grito al Diablo”, pero las estructuras de los temas siguen siendo sólidas, con buenos ganchos y sobre todo buenos coros. Nikki Sixx sigue aporreando su bajo (en este disco de ocho cuerdas nada menos) y creando grandes canciones (no se nos olvide que es el máximo exponente de composición de Mötley). Este disco fue el antecesor a su despegue definitivo que los catapultó a lo más alto del firmamento rockero con “Girls, girls, girls”.

Ahora andan reunidos girando por mediomundo, o más bien, por mundo y medio, y dando un espectáculo digno de mención por su especial directo plagado de fuegos, de enanos, de saltarines y payasos (que váyase usted a reír de otras “cosas”) y llenando estadios como en sus mejores tiempos. Madrid y Zaragoza (aaay Zaragoza acogiendo a Judas Priest, a Metallica, a Mötley…) han sido las ciudades escogidas por el grupo para presentar su nuevo show, dejando un buen gusto inacabable para aquellos que pudieron asistir.

Welcome to the Theatre…Welcome to Mötley Crüe.

Jesús Cabezas (Noko)

Execution (Tribuzy) -2005-

2005-07-24T21:55:00.000Z

Tribuzy es la banda de Renato Tribuzy, vocalista brasileño de pequeña edad, que, la verdad, no sé cómo carajo ha conseguido las colaboraciones que ha conseguido para su primera obra como Tribuzy. Nada más y nada menos que el señor Bruce Dickinson presta sus cuerdas vocales para algún tema, y nada más y nada menos que Mr Kiske (ex-Helloween, Supared) que también participa en las labores vocales del disco con bastante protagonismo en uno de los temas. Éste último que dice que se va del metal, pero que no lo deja ¿por qué será?. En fin, además de estas figuras nos encontramos colaboraciones continuas de Roy Z (si, el que le compone los temas a Dickinson en sus discos en solitario), a Loureiro de Angra, a Sinner de Sinner, precisamente en un tema que versionea de él mismo, a Roland Grapow (Masterplan, Helloween) y de ahí para abajo; ¡pero vaya colaboraciones!.

¿Quién sabría del trabajo de este Renato Tribuzy sin esas colaboraciones?, y es que donde hay enchufe lo hay. El disco se ha grabado en varios años (las colaboraciones no son fáciles de encontrar y menos de buscar fechas para sus interpretaciones nada menos que en Rio de Janeiro).

Entrando en materia nos encontramos con un disco de heavy metal con tintes ochenteros y con pinceladas power, que se mueve desde riffs básicos a preciosos punteos obra como no de Loureiro. La voz de Renato (al rey lo que le es propio) es una gran voz, con tonos agudos que merecen la pena escuchar. Por lo demás, poca cosa nueva que ofrecer.

El interés del disco recae en las colaboraciones y sobre todo en saber que Michael Kiske es capaz de entonar buenos himnos sin problemas (algo que hacía morderse las uñas a los metaleros). Sin embargo, en esto del heavy metal comienza a estar manido el tema de las colaboraciones. Ya huele a rancio.

Jesús Cabezas (Noko)

Picture (Kino) -2005-

2005-07-20T18:09:00.000Z

A la caza de la vanguardia

Parece que desde el pasado año muchas son las ocasiones y muchos son los trabajos en los que un buen puñado de músicos de distintas formaciones se reúnen para lanzar al mercado productos de distintas calidades. Esto se da mucho dentro del rock progresivo. Desde la reunión de los fundadores de Asia bajo otro nombre, pasando por colaboraciones de miembros de Yes en otros proyectos, los mismos Transatlantic, y llegando a estos Kino que no son sino más de lo mismo (en cuanto a reuniones curiosas se refiere). Mucho se había especulado con esta formación nunca sabiéndose a ciencia cierta si llegaría a puerto. Grandes músicos para grandes proyectos. Y con todo esto, los “progrers” alucinando.

Pete Trewavas de Marillion, Chris Maitland de Porcupine Tree (Dios como maneja este hombre las baquetas), John Beck de It Bites y el gran John Mitchell de Arena (que a su vez hace de vocalista con su ya conocida bufanda “hippilonga”), los grandísimos Arena, que con trabajos como Contagion y su última obra maestra "Pepper’s Ghost" han pasado de llorar con discos como "Cry" a reir y llenar con "Contagion".

El truco del disco es saber qué camino iba a tomar el contenido del mismo ya que precisamente no son sus compositores músicos que hayan practicado un estilo particularmente parecido. De ahí que dentro del mismo nos encontremos con reminiscencias de Yes dentro del arcaico sinfónico, con toques progresivos de nuevas tendencias tipo Spock’s Beard, sin rozar siquiera un poco de los adorados Dream Theather e incluso los propios Symphony X, que se quedan para eso, para los metaleros (y bien quedados por cierto), y con melodías grandiosas propias del pop actual más definido y señorial como lo refleja su tercer tema “Leave a light on”. El caso es que pienso que la democracia ha hecho mella en este trabajo y podemos apreciar desde temas cargados de intensidad propios de Chris Maitland, hasta preciosas bases melódicas directamente insertadas por Pete Trewavas. Todo un lujo.

Exquisita presentación en doble digipack con DVD que contiene curiosamente su primera actuación que casualmente fue para un programa de Televisión. No deja de ser curioso que la parte de vídeo que introducen en el material sea su primer concierto, y que éste además haya sido para una Televisión. Prueba evidente de confianza y grandeza. Tablas por todos lados.

Lo dicho, Kino, para amantes del progresivo, y para prestarle atención.

Jesús Cabezas (Noko)

Lipservice (Gotthard) -2005-

2005-07-16T21:39:00.000Z

¿Quién dijo Krokus?

Estos suizos, como los Krokus, practican un hard rock melódico, que no suavón, pero sí bastante melódico. No llegan a tonos de Dare o Rain, pero se mezclan perfectamente entre los primeros aires de Bon Jovi y algunos guitarreos propios de AC/DC.

Gotthard llevan moviéndose por esta escena roquera ya varios años, más bien lustros, con un buen arsenal de canciones y discos a sus espaldas. De su mismo país, Krokus, que en sus comienzos fueron tachados de calco de AC/DC y que ahora practican un mediocre hard rock, quedaron atrás en capacidad compositiva e incluso en puesta en escena. Los representantes del rock suizo son Gotthard. Este “Lipservice” los acaba de consagrar. Nuclear Blast ha sabido llevar a toda Europa este disco de cuidada presentación digipack, más bien como ahora vienen en llamar biblepack, con buen libreto e incluso relieve.

La verdad es que la primera canción que escuché de este nuevo trabajo fue “Lift U up”, y como casi en todos sus trabajos, saben acertar siempre con el primer single de promoción. Ni largo ni corto y con estribillos bastante trabajados. El sencillo es una prueba evidente de cómo va a transcurrir el resto del disco y a buen recaudo que no defrauda. Desde “All we are” hasta “The other side of me” o incluso “Dream on”; caben varios singles en este disco.

No me canso de decir lo malo que supuso la entrada en vigor de los cd’s en detrimento de mi querido vinilo por tanto en cuanto supuso que la capacidad de almacenaje de minutos musicales se podía ver superada por el cd respecto al vinilo, mucho más limitado. Esto hizo, y hace, que nos encontremos con trabajos de 70 minutos de los cuales 20 ó 25 son infumables; pero hay que rellenar la galleta. Pues bien, no es el caso, gracias a Dios (bueno, a Gotthard más bien) de “Lipservice”. Completito completito de principio a fin. Muy recomendable para prestarle atención y cuando se pueda hincarle el diente.

Para los amantes del genero os recomiendo, también de estos maestros, una joyita de balada acústica, que, si me hicisteis caso en la recomendación de “Forever Autumn” de los Lake Of Tears, os va a encantar. “Lonely People” de Gotthard. Probad, probad y saboread.

Jesús Cabezas (Noko)

American idiot (Green Day) -2004-

2005-07-14T19:05:00.000Z

Disco de consagración de la banda californiana. Cada vez más alejados del punk y más cercanos del pop rock, Green Day bordan un disco plagado de singles como "American idiot", "Holyday", "Boulevard of broken dreams" y un larguísimo etcétera.

Con un sonido mucho más pulido y con alguna que otra incorporación de teclados, saxofones y guitarras acústicas en alguno de sus temas, Green Day consiguen hacer uno de los mejores discos de su, ya podría decirse, larga carrera musical. Resulta complicado superar "Dookie", primer álbum de la banda con el que se dieron a conocer por las masas, pero "American idiot" no se aleja mucho de éste en cuanto a la calidad de sus temas. El vocalista y guitarrista Billy Joe sigue en su línea desplegando una de las mejores voces del panorama musical actual y los temas siguen siendo tan adhesivos como sus ya clásicos "Basket case", "Welcome to paradise" o "Where I come around".

Según lo visto en alguno de sus últimos conciertos, ha sido necesaria la incorporación de un teclista, un guitarrista de apoyo y algún que otro músico más en sus shows. Con esto uno puede imaginarse que a Green Day se les ha quedado pequeño el panorama punk underground y lo que quieren es llegar mucho más allá. Esperemos que esta evolución sea para bien y que continúen haciendo discos tan buenos o mejores que "American idiot".

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)

Adler’s Appetite (Adler’s Appetite) -2005-

2005-07-02T23:54:00.000Z

Nuevo disco de otro ex–miembro de la que fuera la banda de rock más grande de los 80’s-90’s: Guns N’ Roses. En esta ocasión se trata del ex–componente más acabado y con menos talento artístico y musical de todos: Steven Adler, el primer batería de la banda que fue expulsado por su adicción a la heroína.

Tras formar su propia banda llamada Adler’s Appetite junto a los despojos de diversas bandas menores del panorama hard rockero americano de los 80’s (Sheldon Tarsha como vocalista, Robbie Crane como bajista y Keri Kelly como guitarrista), Steven Adler se recorrió gran parte de los clubs y salas de conciertos más importantes de Estados Unidos y Europa versionando temas de Guns N’ Roses (únicamente aquellos de los cuales también posee los derechos de autor) y otros clásicos del rock. Durante esta gira, Adler’s Appetite fueron apadrinados por Slash e Izzy Stradlin’ que (a modo de O.N.G.) acompañaron en alguna que otra actuación a su ex–compañero Steven Adler.

Debido a la gran cantidad de nostálgicos que todavía quedan de la difunta banda Guns N’ Roses, el éxito de la gira de Adler’s Appetite fue tal que no han desaprovechado la oportunidad de publicar su primer trabajo discográfico, un EP de seis temas de título homónimo.

El EP es un disco bastante “normalito” de hard rock como tantos otros, en el que no hay nada destacable salvo la presencia de Steven Adler con su estilo tan particularmente básico de toda la vida. Podría destacarse también algún que otro solo de guitarra de Keri Kelly (el cual ya acompañó a Slash en la gira de promoción del segundo álbum de Slash’s Snakepit), pero nada del otro mundo. Como curiosidad, decir que el disco se cierra con una versión del tema de Aerosmith “Draw the line”.

En definitiva, un disco mediocre para una banda mediocre, que a pesar del estilo mediocre de su mediocre líder, han tenido que ponerle su apellido y la primera palabra del título del primer disco de su ex–banda como reclamo para que la gente se lo compre y vaya a sus conciertos. Ni que decir tiene que la estrategia les ha salido de maravilla, la prueba está en que yo mismo estoy escribiendo sobre ellos.

Rubén (El Artista Multimedia del Bajo Aragón)